Что такое ботанический рисунок
Ботанические иллюстрации
Ботани́ческая иллюстра́ция — искусство изображения формы, цвета, деталей растений.
Ботанические иллюстрации часто печатаются рядом с ботаническим словесным описанием растений в книгах, журналах и других научных ботанических изданиях.
Создание таких иллюстраций требует от автора–художника понимания морфологии растений, доступа к натурным (живым природным) образцам или гербариям (образцам, засушенным для сохранности). Ботанические иллюстрации зачастую создаются в совместной работе художника–иллюстратора и консультанта–ботаника.
Содержание
История
Многие ранние фармакопеи включали изображения растений. Это делалось с целью лучшего узнавания того или иного вида, как правило, в лечебных целях. Точное описание и изображение растений до появления таксономии было принципиально важно при изготовлении лекарственных препаратов.
В XVI веке швейцарец Конрад Геснер (1516-1568), изучая растения, делал тысячи рисунков разных частей растений. Постоянно упражняя руку и глаз, он совершенствовал свои наброски. Геснер выявлял характерные для растений признаки, улучшая качество научного рисунка. Его наброски стали эскизами для иллюстраций его книги «Enchiridion historiae plantarum» (1541).
С появлением и изданием систем ботанической номенклатуры с их предельно точным описанием растений графические или живописные ботанические иллюстрации становятся необязательными. Однако именно в это время среди художников появляется специализация, а затем и профессия ботанического иллюстратора. Ботанические иллюстрациии в это время (впрочем, как и все другие иллюстрации) создавались в технике ксилографии.
В XVIII веке улучшение типографского дела позволило печатать иллюстрации более точно в цвете и в деталях. Гравюра на металле постепенно заменяла ксилографию в качестве основной техники ботанической иллюстрации. Каждый иллюстрированный лист книги раскрашивался от руки акварелью. Это было очень кропотливо и дорогостояще. Издание больших, подробных и роскошных ботанических книг (увражей) типа «Флор» было делом государственной важности — по ним судили, в том числе, о технических и интеллектуальных возможностях целых государств.
Ботанические иллюстрации стали включать в себя такие виды изданий, как полевые определители, описания гербариев и коллекций, журналы. Развитие фотографии и связанных с ней способов печати отнюдь не сделало иллюстрацию, выполненную художником, старомодной. Ботанический иллюстратор способен создать гармонию точности и образности, сплести несколько природных образцов, чтобы показать единое целое, одновременно показать и лицевую и оборотную стороны предметов (например, листьев). Кроме того, мелкие детали и части растений можно увеличить, чтобы показать их как бы под микроскопом, и разместить их по свободным местам рисунка.
В России
Начало иллюстрированию ботанических книг в России было положено в первой половине XVIII века, когда Петербургской академией наук были изданы ботанические труды И. Х. Буксбаума «Plantarum minus cognitarum» (1728—1740), И. Аммана «Stirpium rariorum» (1739) и Иоганна Георга Гмелина «Flora Sibirica» (1747—1769). Первые иллюстраторы русских книг опирались на достижения немецких и швейцарских коллег.
Интерес к растениям, который проявили просвещённые русские вельможи, способствовал расцвету издания ботанических книг, в том числе и замечательно иллюстрированных, в России в конце XVIII века, в эпоху императрицы Екатерины Великой. Сама императрица оплатила из собственных средств издание в 1784—1789 годах иллюстрированной «Flora Rossica» П. С. Палласа.
Что такое ботанический рисунок
Билли Шоуэлл — признанный профессионал в ботанической живописи. В ее книге «Портреты цветов от А до Я» можно найти множество ярких и необыкновенно реалистичных изображений, примеры, подробные объяснения и секреты различных техник и способов рисования. Публикуем 7 советов из этой книги. Они вдохновят и придадут уверенности как начинающим, так и более опытным художникам.
1. Рисуйте то, что нравится
Первый шаг к созданию красивого рисунка — выбор объекта. Начните с цветка, который вам нравится. Гораздо легче рисовать что-то вдохновляющее, чем то, что в нужный момент оказалось под рукой. Если объект вам по душе и приводит в восхищение, вы наверняка получите удовольствие от его изучения и работы над ним.
Иллюстрация из книги
2. Заведите ботанический скетчбук
Для оттачивания техники, скетчбук просто необходим. В нем можно прикинуть разные варианты композиции и затем выбирать самый удачный. Наброски не нужно прорисовывать детально. Например, пион или розу в композиционном эскизе можно обозначить окружностью, а лилии — треугольниками. Это нужно для схематичного изображения задумки — чем быстрее, тем лучше. Иногда рука начинает двигаться непроизвольно, следуя за воображением, и вдруг вы видите интересную композицию, которая получилась как будто сама собой.
Скетчбук — предмет первой необходимости для начинающего художника. Куда бы вы ни направлялись, всегда берите с собой карандаш и скетчбук. Зарисовывайте в нем все свои идеи, включая самые странные и незначительные.
3. Продумайте, как оформить кончики стеблей
Это вечная дилемма для художников-ботанистов: смягчить, чтобы те растворялись в пространстве, решительно срезать под углом либо по горизонтали или вывести за пределы рисунка. Если вы решили продлить стебель до края изображения, нужно так же поступить с каким-нибудь другим элементом растения. Пусть он тоже выходит за пределы картины сбоку или вверху. Иначе может возникнуть ощущение, что цветок вот-вот ускользнет за рамку.
Концы стеблей как будто растворяются в пространстве. Иллюстрация из книги
4. Применяйте технику «Мокрым по мокрому»
Чтобы получился мягкий равномерный цвет, предварительно увлажните бумагу водой. Это обеспечивает естественное растекание краски, прежде чем она начнет впитываться в бумагу, и дает дополнительное время для растяжки цвета (создания плавного перехода от одного цвета к другому) и промакивания бликов. Начните увлажнение с середины области, над которой собираетесь работать, и размывайте воду к краям. Повторите пару раз, чтобы убедиться, что бумага хорошо увлажнена. В этом случае края высохнут не так быстро. После того как вы равномерно распределили воду, проверьте, не осталось ли на поверхности бумаги «лужиц», и если они есть — промокните их влажной кистью.
Иллюстрация из книги
5. Чтобы получить бархатистую текстуру используйте сухую кисть
Техника «сухой кисти» подходит для добавления мягкой текстуры, углубления цвета и создания объема без необходимости лишний раз увлажнять бумагу. Придется потренироваться, чтобы точно наносить краску, поэтому для начала поработайте на ненужном листе бумаги.
Иллюстрация из книги
6. Набирайте краску на кисть правильно
Соболиная кисть № 4 с заостренным кончиком идеальна для промакивания краски. Ее нужно бережно хранить и следить, чтобы кончик всегда был заостренным. Плавно подкручивайте ее за ручку большим и указательным пальцами, чтобы покатать головку по палитре. Никогда не ведите кисть кончиком вперед: так вы его испортите.
Старайтесь набирать краску на кисть одним плавным движением, используя всю ее головку. В процессе подкрутите кисть и потяните ручкой на себя (шаги 1–3). Это поможет сформировать заостренный кончик и одновременно набрать достаточно краски. Затем аккуратно вытяните кисть из замеса на себя (шаги 4–5). Перед тем как смешивать краски, убедитесь, что они достаточно мягкие, чтобы не испортить хорошую кисть.
Иллюстрация из книги
7. Рисуйте каждый день
Нужно находить время для рисования, хотя бы 10 минут в день, и получать удовольствие от процесса, даже если рисунок не удался. Разочаровывающий результат важен тем, что будет напоминать о том, чего в следующий раз делать не надо. Прежде чем приступить к работе над картиной, заполните один лист бумаги набросками цветка и пробами приемов.
Жанры ботанического искусства. Часть 1
Сегодня хочу поднять очень важную тему: что же такое ботаническая иллюстрация, ботанический рисунок и ботаническая живопись. К сожалению у большинства нет четкого понимания, что есть что. Данными словами очень часто обозначаются любые изображения растений и цветов без учёта особенностей каждого жанра.
Проанализировав статьи ботаников, историков, библиотек, ботанических садов был написан этот обзор, который должен внести ясность в понимание темы.
Итак, мы рассмотрим с вами жанры ботанического искусства:
-ботаническую иллюстрацию botanical illustration;
-ботаническую живопись botanical art;
-ботанический рисунок botanical painting/drawing
Начну с ботанической иллюстрации как с родоначальницы всего ботанического искусства!
Как следует из названия — это иллюстрирование растений, т.е. изображение должно в полной и исчерпывающей степени отображать морфологию (строение) растения с указанием систематических признаков. В ботанической иллюстрации показываются все части растения. Такие изображения раньше сопровождались ботаническим описанием растения.
Самыми первыми ботаническими иллюстрациями растений считаются известковые барельефы на стенах дворца Тутмоса 3 в Карнаке, датирующиеся примерно 1450 г до н.э.
Считается, что идея совместить письменное описание и иллюстрацию растения принадлежит древнегреческому врачу Кратевасу при Персидском престоле в 100-е годы до н.э. Ботаническую иллюстрацию изначально использовали в травниках и фармакопеях для упрощения идентификации лекарственных растений, однако схожесть изображённого растения с реальным нередко отсутствовала. С развитием науки и техники изображения становились более точными, растения уже изображали с живого экземпляра или гербария.
20 секретов ботанической живописи
Мы обратились за советом к уйме респектабельных художников и иллюстраторов, от призеров выставок Королевского садоводческого общества до признанных мастеров ботанической живописи.
1. Всему свое время (года)
Изображение сезонных растений сделает вашу картину правдоподобней. Недорогой карманный органайзер, например садоводческий календарь Иана Спенса из Королевского садоводческого общества, может оказаться очень полезным.
2. Главное внимание тонам
Джанет Вуд из Ассоциации ботанических художников говорит: «Только используя, по меньшей мере, три тона (темный, средний и светлый), можно сделать изображение растений объемным. Основную роль здесь играет качественное освещение. Правшам источник света нужно располагать с левой стороны, левшам – с правой. Переходный тон от светлого к темному будет соответствовать реальному тону предмета. Переход от света к тени всегда дожжен быть постепенным и гладким. Перед нанесением первой размывки внимательно рассмотрите свой объект, подмечая самые освещенные его участки. Прописывая светлые зоны, не переборщите с прорисовкой жилок и других особенностей поверхности. Чтобы проверить, достаточно ли интенсивен оттенок тени, наложите на рисунок кальку и с помощью простого карандаша затемните нужную область. Даже один более темный мазок сделает картину глубже и оживит ее».
3. Рисуйте свежие растения
Залогом успеха является свежесть растения, которое вы пишите. В первую очередь работайте над изображением лепестков, ведь они раньше всех свернуться и обесцветятся. Со стеблями можно разобраться и попозже. Свежесть отдельных бутонов можно сохранить с помощью ваты, если положить их на нее и хранить в посудине с водой.
4. Определитесь с фокусом
Найдите точку фокуса рисунка и не закрашивайте ее. Это даст возможность вернуться к этому месту в конце работы и прописать его, руководствуясь контекстом готовой картины. Смело оставляйте такие пробелы на бутонах. Так рисунок будет выглядеть интереснее, а проработка деталей будет удобней.
5. Подберите правильную кисточку
Билли Шоуэлл отмечает: «Рисовать цветы нужно хорошей кистью. Я предпочитаю тонкие и острые № 6. При наборе краски, прокрутите кисть слегка между пальцами. Так кончик получится острее. Чтобы не заламывать волоски, накладывайте мазки по направлению к себе. Не жалейте денег на хорошую кисть и тщательно ухаживайте за ней. Перевозите ее только в специальном пенале-рулоне. Вдобавок купите хорошую краску и качественную бумагу, и вы на полпути к цели. Осталось только наработать мастерство».
6. Поднимайте планку
Рози Мартин и Мериел Турстан, члены Юго-восточного общества ботанических искусств, делятся: «Трудно изображать белые цветы. Но нарисовать черные еще сложнее. Во-первых, необходимо научиться получать разные тона черного, используя основные цвета. Здесь не обойтись без холодных и теплых оттенков желтой, красной и синей акварелей (например, Желтая лимонная (Lemon Yellow) и Индийская желтая (Indian Yellow); Краплак красный (Аlizarin crimson) и Алый холодный (Scarlet Lake); Берлинская лазурь (Prussian Blue) и Французский ультрамарин (French Ultramarine). Добавление других тонов вооружит вас черными оттенками на любой вкус, что видно на цветовом круге. Здесь нанесены желтая, оранжевая, красная, фиолетовая, синяя и зеленая размывки во всем многообразии своих холодных и теплых тонов. Работая над черным цветком, сделайте цветовую растяжку от светлого тона к темному. Для начала возьмите черную краску и разбавьте ее водой. С каждым новым слоем делайте цвета темнее, постепенно наращивая их интенсивность. Не наслаивайте новую размывку, пока не высохла предыдущая. Смягчайте контуры каждого последующего слоя с помощью мокрой кисти. Работая средним тоном, накладывайте краску небольшими штрихоподобными мазками, чтобы не задеть соседние размывки». Рози и Мериел являются соавторами таких бестселлеров, как «Курс ботанической иллюстрации в саду Эдем» и «Современная ботаническая иллюстрация».
7. Жилки и ворсинки сделают поверхность текстурней
Узор жилок на листах часто образует замысловатые сплетения. И то, как они передаются в ботанической живописи, может, как облагородить картину, так и испортить ее. Здесь потребуется внимательность и усердие, поэтому лучше заниматься ими в последнюю очередь. Прежде всего, возьмите тонкую кисть и начинайте с закрашивания промежутков между ними, аккуратно приближаясь к контуру жилки. Не рассчитывайте получить яркие отблески на листьях в конце работы с помощью гуашевых белил. Самого сияющего блеска можно добиться, только если участок будет оставаться незакрашенным в процессе всей работы. Передавая шероховатость ворсистых или бугристых листьев, сделайте несколько мазков сухой кисточкой в нужных местах.
8. Все время будьте в поиске
9. Используйте маскирующий раствор
Работая над изображением тычинок деликатных цветов, например лилий или черемицы, нанесите на эти участки маскирующий раствор, когда будете прописывать лепестки. Смочите бумагу в зоне лепестков и покройте ее размывкой нужного цвета поверх тычинок. Раствор впитает краску, оставляя тычинки белыми. Сотрите его и аккуратно нарисуйте тычинки гуашью, используя тонкую кисть.
10. Брызги
Анна Найтс отмечает: «Из опыта известно, что капли воды остаются на поверхности яблок. Поэтому многие считают, что изображать их нужно тоже сверху. Однако весь секрет живописи (и ботанической в первую очередь) в том, чтобы изображать то, что видно, не додумывая. Работая над этой иллюстрацией, я расценивала брызги как набор неких форм со светлым или темным тоном. Я срисовывала с фото. Сперва я сделала эскиз в карандаше. Затем, я взяла тонкую кисть №3 и начала с нанесения светлых тонов картины. Первыми я изобразила блики на капельках воды. Более темные участки рисунка я покрывала плотными красками насыщенных цветов, наслаивая размывки друг на друга. Среди самых темных зон – контуры капелек, которые я прописывала кистью № 3».
11. Зеленое месиво
Мэри Энн Скотт из Ассоциации ботанических художников делится: «Чистый зеленый цвет выглядит неестественно, поэтому мне больше по душе самой смешивать нужный оттенок. Я являюсь ярым сторонником цветовых карт, поскольку с их помощью можно сэкономить время и узнать о свойствах разных красок. Например, смесь Натуральной умбры (Raw Umber) и синих оттенков дает приглушенный зеленый цвет, подходящий для изображения нижней поверхности листьев. Сочетание Краплака красного (Аlizarin crimson) и Зеленой Хукера (Hooker’s green) используется для получения нежной пурпурно-зеленой размывки, незаменимой при изображении цветков черемицы».
12. Выразительность бликов
Чтобы иллюстрация получилась действительно выдающейся, сосредоточьтесь на яркости отблесков. Салфетка или чистая сухая кисть добавят бликам мягкости, если промокнуть ими сырую краску. Броскими блики будут, когда используется кристально белая бумага. Но применяя белую гуашь напоследок тоже можно добиться того же результата.
13. Никаких резких границ
Акварельная техника по-сырому обеспечивает красоту и мягкость тоновых переходов. Однако можно смочить лист и вокруг формы, чтобы сгладить резкость границ. Таким образом, акварель не станет собираться у контуров размывки, делая очертания нежнее.
14. Бегом из дома
Привлекательность ботанической иллюстрации зависит от привлекательности самого объекта рисунка. Мысль нарисовать что-нибудь из палисадника за окном может быть заманчивой. Но по-настоящему интересной будет только работа на пленере. Королевские ботанические сады Кью являются одной из ведущих достопримечательностей, включающей 300 акров теплиц и ландшафтных садов. В Галерее Марианны Норт, находящейся там же, можно почерпнуть вдохновение для изображения тропических растений. Ботанический сад Уизли в Суррее, принадлежащий Королевскому садоводческому обществу, это сад мирового уровня, поражающий несравненной красотой круглый год. Его огромная теплица занимает площадь 10 теннисных кортов, и содержит сотни редчайших растений из трех климатических зон.
15. Роль подмалевка в создании глубины
Гарет Маккори говорит: «Как по мне, то использование насыщенного подмалевка имеет исключительную важность, даже если изображается изящная магнолия. На нем основывается весь тональный спектр картины от темнейших зон до ярчайших отблесков. Таким образом, создается глубина и перспектива. На подмалевок как на канву ложится краска. Говоря музыкальными терминами, это басс и ритм в основе мелодии. Благодаря тональному подмалевку картина заполняется цветом. Он также полезен при смешивании красок, ведь с его помощью можно судить о правильности полученного тона.
16. Придерживайтесь системы
Делая набросок, оставляйте свободные участки для краски. Начинайте работать над следующим участком только после завершения предыдущего. Это даст вам четкий план работы над картиной.
17. Не разбрасывайтесь листьями
Мэри Энн Скотт, представительница Ассоциации ботанических художников заявляет: «Я люблю работать над изображением листьев, особенно таких больших и текстурных, как у локвы японской. Они требуют достаточно укрывистых пигментов для передачи их блестящей поверхности. Я приготовила насыщенную размывку из Французского ультрамарина (French Ultramarine) и Кадмия лимонного (Cadmium Lemon) с капелькой Краплака красного (Аlizarin crimson), которую я наносила по-сырому в несколько слоев. Я старалась оставлять побольше незакрашенных областей под блики, и хорошенько просушивала каждый слой». Мэри Энн выступила автором книги «Альбом ботанических рисунков», опубликованной в апреле издательством «Batsford Ltd».
18. Все время практикуйтесь
Фиона Стрикланд из Ассоциации ботанических художников, говорит: «Значительно улучшить свои художественные навыки можно, если уделять 10-20 минут в день рисованию эскизов в своем блокноте. Возьмите бутон или листок, и несколько дней изучайте его под разными углами. Делая выбор в пользу непривычного ракурса, вы сможете лучше рассмотреть объект и передать его достовернее. Эскиз это не набросок на скорую руку, его нужно делать вдумчиво. Автокарандаш с грифелем 0.3 HB будет идеальным вариантом, благодаря постоянной остроте его кончика».
19. Не скромничайте с презентацией
Учитывая то, насколько сложно рисовать картину, нельзя пренебрегать важностью достойной презентации. Чтобы понять, какую площадь займет рисунок, воспользуйтесь двумя уголками. Но помните, что слишком яркая окантовка может перегрузить картину. Лучше всего остановиться на молочно белом паспорту и деревянной рамке натурального оттенка. Это самое верное и экономичное решение.
20. Не используйте черный цвет
Пол Феннелл, представитель Ассоциации ботанических художников, советует: «Старайтесь не использовать черную акварель в ботанических рисунках. В сыром виде этот тон смотрится неплохо. Однако при высыхании матовые свойства этой акварели превратят ее в темно-серый оттенок, содержащий белесый осадок. Этот мутный, закопченный тон будет резать глаз, нарушая гармонию рисунка. Я не советую использовать и другие цвета акварели, изготовленные с добавлением черного пигмента, такие как Серый Пейна (Payne’s Grey), Сепия (Sepia) и Индиго (Indigo). Раньше они годились, но современные производители лишь имитируют исходные тона, смешивая разные краски, включая черную. Вместо использования чистого цвета лучше приготовить смесь из других красок».
«Ботанический рисунок», или История о том, как Екатерина Великая так и не дождалась подарка из Дании
«Мама, смотли, какие я цветочки налисовала, – кричит маленькая девочка и бежит на кухню, где мама как раз поливает цветы на подоконнике. – Плавда, как настоящие?» И мама с преувеличенным восторгом отзывается, откладывая лейку. «Конечно, солнышко, ну совсем-совсем, как настоящие!»
При всём уважении к энтузиазму юной художницы, назвать ее творение «ботаническим рисунком» никак нельзя. «Ботанический рисунок» (или «ботаническая иллюстрация») требует безукоризненной точности изображения. Порыв вдохновения, подбор красок, поиск лучшей натуры – всё это, конечно, неприкосновенное право художника. Но если он пишет фиолетовую клубнику или, скажем, одуванчик в рост сосны, то это – не «ботанический рисунок». Одуванчик должен быть маленьким, клубника – красной, и все подробности, как в природе. Вот что такое «ботанический рисунок». Проще говоря, всё должно быть «ну совсем-совсем, как настоящее». Как фиалки на рисунке Дюрера.
Кто такой Альбрехт Дюрер – отдельная история. Истинный гений Ренессанса. Живописец, математик, астроном, архитектор. На рубеже 15-16 веков в немецких землях, вероятно, не было более авторитетного мыслителя и творца. Фигура масштаба Леонардо. Да они и внешне были похожи, если верить автопортрету Дюрера.
Среди тысячи сохранившихся рисунков Дюрера сотня изображает именно растения. И это не было чистым искусством. Его рисунки, как и многих других художников, создавались с чисто практической целью – медицинской. В те времена почти все болезни лечили растениями, вот и нужно было воспроизвести какой-нибудь пустырник максимально точно, чтобы лекари и фармацевты знали, для чего нужны различные корешки и листочки. Так что художнику, берущемуся за ботанический рисунок, следовало быть еще и немножко ботаником. А лучше – не немножко. То-то Дюрер так тщательно изображал Примулу.
Ее стебли и листья содержат много витамина С, необходимого при весеннем авитаминозе, а из корней и семян выжимают масло, повышающее иммунитет, нормализующее гормональный фон женщины, и даже способствующее избавлению от депрессий. Просто живая вода, точнее, живое масло!
Со временем ботанический рисунок утратил чисто медицинское значение, но традиция безукоризненного воспроизведения тех красок и линий, что создала природа, осталась. Изображения цветов и трав стали наносить и на гобелены, и на ковры, и на посуду. Собственно, об этом и история.
Но вскоре мачеха скончалась, и в 1784-м юноша стал регентом при неразумном отце, приняв в 16 лет кормило власти. Куда там Гайдару, командовавшему в этом возрасте полком! В числе прочего Фредерик VI горячо поддержал давнюю идею – создание атласа под названием «Flora Danica». Еще в 1761-м по инициативе профессора Копенгагенского Ботанического Сада Георга Кристиана Эдера началось издание атлас, в который были бы занесены ВСЕ растения, какие только существуют на датских землях!
Как вы понимаете, труд предстоял титанический. Наверное, только датчане и могли выдержать такой марафон. Говорят, настоящий собор должен строиться сто лет, так вот «Flora Danica» издавалась 123 года! За это время сменилось 8 руководителей проекта, и почти все они знали, что при их жизни работа не окончится. Тома Атласа издавались постепенно.
Итоговый результат более чем векового труда – это 51 часть и еще три дополнения, в которые были включены 3240 таблиц, выгравированных на меди. Ничего подобного история ботаники не знала ни до, ни после.
Но вернемся к Фредерику VI, просвещенному правителю, отменившему в Дании крепостное право на 80 лет раньше, чем это произошло в России. Самоуправство Швеции в Балтийском и Северном морях тяготило юного регента, и очень быстро нашелся союзник – Российская Империя во главе с престарелой, но все еще амбициозной царицей Екатериной II.
Вялая война росийско-датского союза против Швеции – жалкое подобие сражение Петра и Карла – ничем, по сути, не закончилась, но! Юный Фредерик решил сделать Екатерине Великой уникальный подарок. Столовый сервиз, на который были бы нанесены изображения из ботанического атласа. Собственно, и сервиз тоже решено было назвать «Flora Danica». О, это была затея по-своему не менее грандиозная, чем сам атлас.
Предполагалось, что в сервиз войдут 2600 предметов, то есть ровно столько, сколько растений было занесено в Атлас к 1790-му году. И работа закипела. Правда, на очень, ну о-о-очень медленном огне. Это ведь не «Ctrl C»-«Ctrl V». Каждое изображение переносилось из атласа на фарфор вручную.
А ведь надо было еще разработать форму предметов сервировки. Тарелок, чашек, блюдец и много чего другого. Надо сказать, что даже обычные, вроде бы, сахарницы, получили весьма необычные формы.
Этой работой занимался замечательный мастер Христиан Луплау. Например, так называемым «компотьерам», то есть блюдам, в которых подают компот, он придал форму листьев, столь созвучную самой идее сервиза «Flora Danica».
Ну а главным, практически единственным рисовальщиком сервиза стал Иоган Байер. К работе его привлекли потому, что он был известным мастером ботанического рисунка, участвовал в создании Атласа. Мягко говоря, дело шло не быстро. Ведь каждый предмет получался уникальным. Одно растение – один предмет. И – не один процесс!
Сначала Байер выполнял эскиз на бумаге. Затем наносил контуры рисунка на фарфоровое изделие. Потом – скрупулёзнейшим образом раскрашивал. Только на этой стадии присоединялись помощники. По легенде, иные из них теряли зрение, нанося краски тончайшими кисточками, немедленно стирая, если колёр хоть чуть-чуть не совпадал с оригиналом, то есть рисунком в атласе.
К слову, до сих пор неизвестно, кто был автором самой идеи сервиза. То ли сам Фредерик, а то ли первый издатель атласа «Flora Danica» профессор Эдер. Возможно, что датский регент лишь предложил Екатерине заказать подарок, а та, знавшая о создании атласа, попросила его копию на посуде.
Версия правдоподобная уже хотя бы потому, что на склоне лет российскую самодержицу невозможно было удивить ни подарками, ни роскошью, ни вдохновенным мастерством. Еще Петру Первому, как известно, была преподнесена Янтарная комната, так что придумать оригинальный подарок Дому Романовых было непросто. Но такой дар, как сервиз «Flora Danica», явно имел бы успех.
Вот только была одна проблема. Возраст Екатерины. Когда работа над сервизом началась, императрице был уже 61 год. А дело продвигалось медленно, 10-12 предметов в месяц. Но не дарить же сервиз частями! Так и шли годы, пока подарок прирастал все новыми блюдами, сахарницами, чашками, чайниками и так далее…
В 1796-м, когда работа не была сделана и наполовину, Екатерина Великая скончалась. Никакой симпатии к ее наследнику Павлу датский правитель Фредерик не испытывал, да и нужды в союзе с Россией уже не было. Политика! И Фредерик решил, что сервиз будет закончен, но останется в Дании.
Правда, задача была несколько упрощена, до 2600-сот предметов мастера не дотянули. После смерти Екатерины решено было изготовить парадный королевский сервиз на 100 персон с точным расчетом того, сколько нужно индивидуальных предметов вроде чашек и блюдец, а сколько общих – кофейников, супниц и прочего.
И вот в 1802-м, через 12 лет после начала, работа была завершена. 1802 предмета во всем великолепии невиданного прежде труда! Получился шедевр, по своей уникальности и трудоемкости сравнимый разве что с собором «Саграда Фамилия» в Барселоне.
Как ни печально, сразу возникли проблемы. Заказ-то выполняла частная фирма, хоть и называлась она «Королевская мануфактура», и пока целью был подарок русской царице, сомнений в оплате у исполнителей не было. А тут вдруг королевское казначейство заявило, что не имеет представления о назначении данной работы, и потому не готово раскошеливаться. Бюрократия, как мы знаем, всегда была непреодолимой преградой для художников!
Фредерик даже пытался продать сервиз, его десертную часть министр иностранных дел королевства возил по всей Европе. Но покупателей не нашлось. Так сервиз и остался в Дании.
Впрочем, часть его со временем все же оказалась в России вместе с приданным датской принцессы Дагмары, ставшей супругой Александра III, и принявшей в православии имя Марии Федоровны.
Признаюсь честно, мне не удалось найти следы «Flora Danica» в России. Пользовалась ли царская семья этой посудой? Не стало ли это в свою очередь частью приданного одной из великих княжон? Может, просто разбили или потеряли? Или по сей день хранится в запасниках Эрмитажа? Или вывезли из России в революцию? Словом, не знаю, можно ли увидеть предметы оригинальной «Flora Danica» в России. Но в Дании точно можно посмотреть.
Кое-что, правда, раздарили другим монархам, что-то побили, несмотря на всю тщательность хранения и использования. Часть утраченной посуды была восстановлена, да так тщательно, что редкий эксперт отличит предмет из первой, исторической партии, от позднейших изделий.
Но большая часть ныне сохранившихся 1530-ти предметов сервиза «Flora Danica» – это точно – была сделана с 1790 по 1802 годы, и для фарфоровой коллекции это просто чудо бережного хранения.
Сервиз разделен на две части. Большинство предметов, в том числе самые ценные экземпляры – вазы, мороженицы, супницы – находится в королевском замке Розенборг. И даже иногда, правда, очень редко, используется по прямому назначению во время монарших торжеств.
Вторая и меньшая часть коллекции тоже в Копенгагене, в «Датском музее искусств и дизайна».
Наконец, фарфоровую посуду «Flora Danica» можно купить. Разумеется, не оригинальные исторические предметы, они не продаются. Правда, иные жуликоватые антиквары выставляют на продажу «Flora Danica», утверждая, что торгуют тем самым королевским фарфором. Но это обман. Просто «Королевская фарфоровая мануфактура» с середины 19-го века выпускала посуду марки «Flora Danica», копируя предметы изначального сервиза. И, кстати, выпускает по сей день.
Спору нет, красиво. Хоть и не дешево. Но не дороже авиабилета! И раз уж поездки в Данию редки, почему бы не украсить свой дом напоминанием о самом замечательном шедевре жанра «ботанический рисунок» в истории человечества – королевском фарфоровом сервизе «Flora Danica».