Что такое новаторство в музыке
Традиции и новаторство в музыкальном искусстве.
Онлайн-конференция
«Современная профориентация педагогов
и родителей, перспективы рынка труда
и особенности личности подростка»
Свидетельство и скидка на обучение каждому участнику
Традиции и новаторство в музыкальном искусстве.
Традиции и новаторство – это два полюса, между которыми развивается пространство культуры.
Традиция – это память культуры, присутствие прошлого в настоящем, которое проявляется в преемственности.
Новаторство опирается на традицию, требуя бережного отношения к художественному наследию.
Любое художественное произведение несёт в себе нечто новое.
Современная музыка при всем своем новаторском облике не отрывается от классической традиции, она как бы вырастает из нее, хотя и обновляется благодаря индивидуальности автора и веянью современной жизни.
Стихия испанской народной музыки царит в опере «Кармен» Ж. Бизе.
Джазовые интонации пронизывают партитуру оперы «Порги и Бесс» Дж. Гершвина.
Но эти образы, мелодии, ритмы не остались достоянием только русской, только испанской или исключительно американкой культуры.
Еще Аристотель утверждал, что с помощью музыки можно определенным образом влиять на формирование человека и что музыка способна оказывать известное воздействие на этическую сторону души.
Музыкальное искусство ХХ века наполнено новаторскими идеями. Оно знаменует собой коренной перелом во всех аспектах музыкального языка. В ХХ столетии музыка часто служила источником отображения страшных эпохальных исторических событий, свидетелями и современниками которых были большинство великих композиторов этой эпохи, ставших новаторами и реформаторами. Знаменосцами этих новаторских направлений стали такие композиторы, как Арнольд Шенберг, Пауль Хиндемит, Оливье Мессиан, Пьер Булез, Антон Веберн, Карлхейнц Штокхаузен. Одной из особенностей музыкального языка 20-ых гг. нового века стало обращение к принципам музыкального мышления и жанрам, характерным для эпохи барокко, классицизма и позднего Возрождения. Неоклассицизм стал одним из противопоставлений романтической традиции ХТХ века, а также течениям, связанным с ней (импрессионизму, экспрессионизму, веризму и т. д.). Кроме того, усилился интерес к фольклору, который привел к созданию целой дисциплины – этномузыкологии, занимающейся изучением развития музыкальной фольклористики и сравнением музыкально- культурных процессов у различных народов мира.
НАПРАВЛЕНИЯ МУЗЫКИ ХХ ВЕКА 
Романтизм Его представителей отличал повышенный интерес к симфонической музыке и грандиозным масштабам сочинений. Для своих произведений композиторы создавали сложные философские программы. Многие композиторы стремились в своем творчестве к продолжению романтических традиций прошлого.
Рихард Штраус (нем. Richard Strauss, 11 июня 1864, Мюнхен, Германия — 8 сентября 1949, Гармиш. Партенкирхен, Германия) — немецкий композитор эпохи позднего романтизма, яркий представитель немецкого экспрессионизма, особенно прославился благодаря своимсимфоническим поэмам и операм. Был также выдающимся дирижёром.
Сергей Васильевич Рахманинов (20 марта [1 апреля] 1873[1][2], Семёново, Новгородская губерния — 28 марта 1943, Беверли-Хиллз, США) — русский композитор, пианист-виртуоз, дирижёр. Синтезировал в своём творчестве принципы петербургской и московской композиторских школ (а также традиции западноевропейской музыки) и создал свой оригинальный стиль, оказавший впоследствии влияние как на русскую, так и на мировую музыку XX века.
Импрессионизм В последней трети XIX столетия появилось новое направление – импрессионизм (фр. impressionisme, от impression – «впечатление» ), первоначально оно появилось во французской живописи. Музыканты-импрессионисты стремились передать тонкие и сложные ощущения, добивались изысканности и утонченности звучания. Композиторы-импрессионисты нередко обращались к поэзии и драматургии символизма.
Джаз возник в результате сплава традиций европейской и афроамериканской музыки (значительную часть населения США составляют потомки африканских рабов). ○ в основе джаза лежит импровизация, сложный ритм.
Луи Армстронг (англ. Louis Daniel «Satchmo» Armstrong; 4 августа 1901, Новый Орлеан, Луизиана — 6 июля 1971, Нью-Йорк) — американскийджазовый трубач, вокалист и руководитель Выдающимися мастерами ансамбля. Оказал (наряду с. Дюком Эллингтоном, Чарли этого стиля были ч Паркером, Майлсом Дейвисом и Джоном Колтрейном) наибольшее влияние на развитие джаза и сделал многое для его популяризации во всем мире.
Поп-музыка — направление современной музыки, вид современной массовой культуры. Основные черты: 1. простота, мелодичность, 2. опора на вокал и ритм с меньшим вниманием к инструментальной части 3. основная форма композиции — песня 4. тексты обычно посвящены личным чувствам.
Электронная музыка — широкий жанр, обозначающий музыку, созданную с использованием электронных музыкальных инструментов и электронного оборудования. Часто под электронной музыкой понимают, так называемую электронную клубную музыку (электронную танцевальную музыку), поджанрами которой являются техно, хаус, драм-н-бейс, хардкор, брейкбит.
Новаторство и традиция в музыкальном искусстве
Разделы: Музыка
Еще Аристотель утверждал, что с помощью музыки можно определенным образом влиять на формирование человека и что музыка способна оказывать известное воздействие на этическую сторону души. Великий врачеватель древности Авиценна называл мелодию «нелекарственным» способом лечения наряду с диетой, запахами и смехом.
В III веке до нашей эры в Парфянском царстве был выстроен специальный музыкально-медицинский центр. Здесь музыкой лечили от тоски и душевных переживаний.
Среди проблем сегодняшнего дня, связанных с музыкальным воспитанием юношества и молодежи, педагогов волнует проблема легкой, развлекательной музыки и того места, которое эта музыка занимает в жизни юных поколений. В чем же заключается эта проблема, каковы возможные пути ее решения?
Анализ результатов социологического исследования показал, что приобщение молодежи к музыкальной культуре осуществляется стихийно, неуправляемо. Обнаруживая тягу к музыке, молодые люди часто подражают модным стилям западной рок-музыки, зачастую не понимая смысла произведения. Возникает социальная дезорганизация, то есть состояние общества, когда культурные ценности, нормы и социальные связи отсутствуют.
Современная ситуация в жизни нашего общества существенно отличается от той, которая была характерна для второй половины ХХ века. Пошатнулись устои культуры. Произошла определенная переоценка ценностей в сознании людей, особенно у молодежи, которая не имея стабильного идеологического «сопровождения» по мере своего взросления, теряет духовные ориентиры.
В тематике восьмого класса красной нитью проходит мысль о традициях и новаторстве в современном искусстве. Убедительным примером синтеза традиций и новаторства может служить опера А.Рыбникова «Юнoнa и Авось». «Современная опера», как ее назвал сам композитор, опирается на глубокие традиции классической музыки и использует все новые достижения современного музыкального языка.
Что же вносит в оперу рок-музыка?
Теперь проанализируем образный строй оперы.
Развитие образов судьбы главных героев продолжается в «Романсе морских офицеров» (стихотворение А.Вознесенского «Сага»). Рефреном романса звучат две фразы: «Я тебя никогда не забуду, я тебя никогда не увижу». Стоит обратить внимание на видоизменение эти фраз в романсе:
Ты меня никогда не забудешь
Ты меня никогда не увидишь (Кончитта)
Я тебя никогда не забуду
Я тебя никогда не увижу (Резанов)
Возвращаться плохая примета.
Я тебя никогда не увижу (Резанов)
Я тебя никогда не забуду
Я тебя никогда не увижу (Кончитта)
Граф: Я тебя никогда не увижу.
Кончитта: Я тебя никогда не забуду.
Но в судьбе Н.П.Резанова есть одно таинственное предчувствие, котopoe вселил в него «взгляд Казанской божьей матери». В сцене молитвы есть такие слова:
Меня по свету гонит страшный бред.
Душой я болен с отроческих лет,
Когда на мне остановился взгляд
Казанской божьей матери!
Увидел в ней не Вседержительницу Деву,
А женщину с вишневыми глазами.
Хотелось защитить ее, спасти!
Важная тема оперы – человек и Отечество: верность долгу, честное служение Отчизне. Эта тема необычайно злободневна и современна: скольких верных сынов «Родина» считает «изгоями», «блудными сынами», сколькие из них остались ее «погибшими замыслами»! А. Солженицын, А. Сахаров, А. Галич, В.Высоцкий, А. Тарковский, ребята-афганцы…
Беглый анализ содержания рок-оперы «Юнона и Авось» А. Рыбникова подсказывает выбор фрагментов, позволяющих познакомиться с главными темами произведения.
Тема судьбы: увертюра, романс морских офицеров, сцена прощания.
Тема любви: сцена бала (знакомство), «ожидание», эпилог «Аллилуйя».
Многогранность оперы будит ассоциации с другими произведениями искусства.
Литература: Стихи о любви Р.Бернс; В.Высоцкий «Баллада о любви».
Изобразительное искусство: русская иконопись (Богоматерь с младенцем, «Казанская божья матерь»), К.Васильев «Ожидание».
Свое понимание и отношение к рок-опере Рыбникова «Юнона и Авось» учащиеся смогут выразить в домашнем задании: сочинении или рисунке, темы которых они выберут сообразно своими интересам и привязанностям. Домашнее задание может стать своеобразным тестом в определении жизненной позиции, глубины чувств и серьезности мыслей. В.А. Сухомлинский говорил: «Музыка – могучий источник мысли. Без музыкального воспитания невозможно полноценное умственное развитие ребенка».
Все мои мысли и усилия направлены на то, чтобы вырастить творчески мыслящих любителей музыки, чтобы именно музыка стала важнейшей духовной потребностью, чтобы современный молодой человек стал творцом, мыслителем, активным созидателем новой жизни.
Литература:
1. Амонашвили Ш.А. Размышления о гуманной педагогике. М., 1996.
2. Амонашвили Ш.А. Антология гуманной педагогики. Кабалевский. М., 2005.
3. Безбородова Л.А., Алиев Ю.Б.Методика преподавания музыки в общеобразовательных учреждениях. М., «Академия», 2002.
4. Кабалевский Д.Б. Воспитание ума и сердца. М., «Просвещение»,1981.
5. Сухомлинский В.А. Сердце отдаю детям. Минск, «Народна освета», 1981.
6. Тютюнникова Т.Э. Музыка – не научная дисциплина. //Начальная школа. №1, 2000., С.79.
От Гайдна до Kraftwerk: музыканты-новаторы, опередившие свое время
Сегодня, 1 октября, во всем мире отмечается Международный день музыки. Впервые праздник отметили в 1975 году по инициативе Международного музыкального совета (IMC) при ЮНЕСКО. Одним из инициаторов учреждения Международного дня музыки стал известный пианист и композитор Дмитрий Шостакович.
«Универсальный язык человечества» – так называл ее американский поэт Генри Лонгфелло, а Ницше говорил, что «без нее жизнь была бы ошибкой». Музыка существует на планете столько же, сколько и люди. Прототипы первых музыкальных инструментов из камня, кости и дерева, появились еще в эпоху палеолита, о чем наглядно свидетельствуют наскальные рисунки, сохранившиеся с того времени.
Вместе с людьми музыка также развивалась и совершенствовалась, каждую историческую эпоху ярко характеризует то или иное музыкальное направление. Творчество музыкантов и композиторов испокон веков служило источником вдохновения для писателей, художников и других «слуг музы»; под звуки марша войска отправлялись в бой и возвращались домой с победой; под музыку люди приветствовали нового короля, сочетались браком и умирали.
Музыкальные новинки всегда становились предметом горячих обсуждений в обществе, а певцы, инструменталисты и композиторы всегда вращались среди элиты. Конечно, далеко не всегда новая музыка сразу находила отклик в сердцах слушателей. Немало талантливых композиторов, чьи имена сегодня знает наизусть каждый школьник, в свое время оказались невостребованными. Современники не поняли и не приняли их творения, и лишь потомки смогли оценить их по достоинству и объявили гениальными. Кому-то повезло чуть больше, и их неординарное звучание пришлось аудитории по вкусу, ознаменовав собой появление нового жанра.
Новаторы, опередившие свое время и подарившие нам музыкальные шедевры – тема нашей сегодняшней статьи.
Йозеф Гайдн
Говоря о новаторах в музыке, нельзя обойти вниманием представителей венской классической школы. Одна из самых весомых и значимых фигур в музыке эпохи классицизма – Франц Йозеф Гайдн. История запомнила его как новатора и изобретателя необычных форм. Гайдн был основоположником таких музыкальных жанров, как симфония и струнный квартет, его даже прозвали «отцом симфонии». Также Гайдн оказал значительное влияние на такой жанр, как сонаты для клавира.
В своем творчестве Гайдн одним из первых перешел от полифонической фактуры к гомофонно-гармонической. При этом в крупные инструментальные произведения он зачастую включал полифонические эпизоды, придававшие музыке динамику. Широко известны оратории Гайдна, относящиеся к позднему периоду его творчества: «Сотворение мира» (1798) и «Времена года» (1801). В них прослеживаются новая для этого жанра сочная бытовая характерность, красочные воплощения явлений природы – здесь композитор раскрыл свое мастерство колориста.
О том, что музыка Гайдна опередила свое время, говорит и тот факт, что одна из созданных им мелодий впоследствии легла в основу гимнов Германии и Австро-Венгрии.
Вольфганг Амадей Моцарт
Еще один не менее известный представитель венской школы и близкий друг Гайдна, о котором также непременно следует упомянуть. Моцарт сыграл огромную роль в истории музыки, и с этим вряд ли кто-то поспорит. То, что этот композитор станет новатором для своего времени, стало ясно уже после выхода его первой оперы «Похищение из сераля»: артисты впервые запели не на итальянском (традиционный язык оперных либретто), а на немецком языке. Моцарт долго вынашивал идею создать немецкую национальную оперу – зингшпиль. И ему это удалось: в день премьеры в зале не было свободных мест, и после каждой арии звучали несмолкаемые аплодисменты.
С Гайдном Моцарт познакомился в 1783 году, впоследствии их связывали теплые дружеские отношения. Моцарт даже посвятил Гайдну сборник из 6 квартетов. Для того времени они казались слишком смелыми и новаторскими, из-за чего вызвали недоумение ряда критиков. Но Гайдн сумел оценить гениальность этих произведений и принял подарок с величайшим почтением.
Под влиянием Моцарта изменился и такой жанр, как серенада: композитор сумел придать ей более сложную форму, сблизив с жанром симфонии. Новаторство Моцарт проявил и в сиютах: он вносил в них разнообразие, разбавляя праздничные, жизнерадостные картины драматическими штрихами.
Секрет притягательности и бессмертия творений Моцарта очень емко описал композитор Дмитрий Шостакович: «Моцарт – это молодость музыки, это вечно юный родник, несущий человечеству радость весеннего обновления и душевной гармонии. Бездонная глубина его человечнейших образов, поразительная смелость его новаторских открытий, двинувших на десятилетия вперед музыкальное искусство, совершенная гармоничность и стройность формы – вот сила Моцарта, вот величие его искусства, неувядаемого в веках».
Александр Скрябин
В 1908-1909 годах в музыке начинает активно развиваться такое течение, как авангард. Он произвел настоящую революцию, положив начало радикально новой музыкальной мысли. Это было своего рода освобождение звука из плена традиции. Этот процесс очень точно охарактеризовал художник Николай Кульбин: «Музыка природы: свет, гром, шум ветра, плеск воды, пение птиц – свободна в выборе звуков. Художник свободной музыки, как и соловей, не ограничен тонами и полутонами. Он пользуется и четвертями тонов, и осьмыми, и музыкой со свободным выбором звуков».
Одним из первых выходит за рамки традиционной тональности вышел русский композитор, яркий представитель музыкального символизма Александр Скрябин. Если раньше для композитора считалось непозволительным нарушать правила классической гармонии, то Скрябин решился ими пренебречь. В его знаменитой симфонической поэме «Прометей» центральным элементом является шестизвучный аккорд, из которого рождается и мелодика, и гармоническое развитие.
Кроме того, Скрябин был первым композитором, который использовал светомузыку. По его задумке, музыку в поэме «Прометей» стоит рассматривать в единстве с цветовым спектром. С этой целью он включил в партитуру партию световой клавиатуры. Это была одна из первых попыток воплощения синтеза искусств в таком жанре, как инструментальная музыка.
Original Dixieland Jazz Band
Джаз был, пожалуй, ярчайшим музыкальным открытием начала XX века. Необычная зажигательная музыка, пришедшая из глубин африканского континента, покорила сперва Америку, а вслед за ней и весь мир. Сложно сказать, кто был первым джазовым музыкантом, а вот первую пластинку, записанную в этом жанре, мы можем назвать совершенно точно: это граммофонный сингл 1917 года «Livery Stable Blues».
Автором этой легендарной пластинки стал американский белый джазовый оркестр Original Dixieland Jazz Band. Именно эти ребята были первым джаз-бэндом, который стал записываться и выпускать свою музыку на носителях. Надо ли говорить, как много эти музыканты сделали для популяризации джаза!
«Livery Stable Blues» стал настоящим хитом и, можно сказать, положил начало эпохе джаза. В последующие годы ансамбль записал немало других талантливых вещей, которые ныне признаны джазовыми стандартами: «Tiger Rag», «At the Jazz Band Ball», «Fidgety Feet», «Sensation», «Clarinet Marmalade», «Margie», «Jazz Me Blues» и «Royal Garden Blues» и др.
Джими Хендрикс
Он по праву считается одним из самых смелых и изобретательных музыкантов в истории рок-музыки. В 2009 году журнал «Time» назвал Джими Хендрикса величайшим гитаристом всех времен. И он действительно был виртуозом: еще при жизни Хендрикса называли гением. Он значительно расширил диапазон и возможности электрогитары и буквально изменил лицо рок-музыки.
Интересный факт: Джими родился левшой, но отец пытался заставить его играть правой рукой, считая, что леворукость исходит от дьявола. Поэтому в присутствии отца Джими играл правой рукой, а когда торт уходил, он переворачивал гитару. В результате юный Хендрикс сумел освоить сложную технику «upside-down»: он играл как левша, но на гитаре, настроенной под правшу. Повзрослев, Хендрикс настроил гитару под левую руку.
Первым синглом его группы The Jimi Hendrix Experience стала кавер-версия песни «Hey Joe» Билли Робертса, которая в то время считалось стандартом рок-музыки. Хендрикс адаптировал композицию под свой психоделический стиль, и это понравилось публике. Еще больший успех пришел к музыканту после выхода композиции «Purple Haze», записанной с сильно искаженным тяжелым гитарным звуком.
Queen
Эта легендарная четверка – несомненные новаторы как в звучании, так и в производстве музыкальных видео. впервые Именно Queen первыми применили оригинальные спецэффекты и испытали новые приемы монтажа. Да и самый первый клип в истории сняли именно для этой группы. Случилось это так: однажды музыканты не успели на запись телепрограммы, где планировали снимать по одному выступлению избранных коллективов. Режиссер программы Брюс Говерс согласился сделать для музыкантов небольшой видеоролик. Он и стал первым в мире музыкальным клипом.
И все же лучшим клипом группы был признан клип на легендарную композицию «Bohemian Rhapsody», которая стала визитной карточкой Queen. В этой песне Меркьюри, не боявшийся экспериментов, решил смешать несколько разных стилей и жанров: хард-рок, поп, оперу и балладу. У этого произведения очень необычная музыкальная структура: «рапсодию» можно разбить на шесть разных по стилю частей, которые не делятся на куплеты и припевы. Более того, в отличие от привычных трех-четырех минут, в которые обычно укладывается стандартная композиция, эта песня длится целых шесть минут.
Вопреки прогнозам продюсеров, широкая публика высоко оценила новое творение Queen/ «Богемная рапсодия» вошла в альбом «A Night at the Opera» (1975), а также была издана на сингле вместе с песней «I’m in Love with My Car» на стороне «Б». Также на нее был снят клип, который произвел революцию в мире музыкальных видео. В 1981 году песня вошла в сборник Greatest Hits как композиция, открывающая альбом. Через четверть века британцы назвали «Богемную рапсодию» песней тысячелетия.
Black Sabbath
Если Хендрикс и Queen были новаторами в роке, то британцы Black Sabbath во главе с эпатажным Оззи Осборном подарили миру совершенно новый брутальный жанр – хеви-метал. Дебютный альбом коллектива (он также называется «Black Sabbath») считается одним из первых альбомов в этом жанре.
Своей мрачной, зловещей музыкой Black Sabbath буквально похоронили эру хиппи под тяжелыми массивами гитарных риффов и сотрясающими землю бластбитами. Это была новая, пугающая, ни на что не похожая музыка, навевающая ассоциации с фильмами ужасов. А образ фронтмена, откусывающего на концертах головы голубям, навсегда останется неповторимой визитной карточкой Оззи Осборна.
В поисках собственного уникального звучания Black Sabbath опирались на утяжеленный блюз-рок конца 1960-х. Они вдохновлялись такими группами, как Cream, Blue Cheer, Vanilla Fudge. При этом музыканты значительно переработали их стиль: снизили темп, сгустили звучание бас-гитары и построили композиции на пересечении тяжелых риффов. Что же касается текстов, то и здесь музыканты «ушли во мрак»: группа отказалась от любовной лирики и характерных для блюз-рока штампов, отдав предпочтение тяжелым, депрессивным образам и мотивам.
Творчество коллектива оказало ключевое влияние на формирование таких музыкальных стилей, как стоунер-рок, дум-метал и сладж-метал. На сайте Зала славы рок-н-ролла о музыкантах сказано так: «Удивительно, но Black Sabbath выпустили четыре определяющих музыкальные жанры альбома за двухлетний период, при этом, гастролируя в непрерывном ритме»
Kraftwerk
Электронная музыка как самостоятельное направление появилась на рубеже 1960-1970-х годов. У ее истоков стояли такие исполнители и группы, как Can, Popol Vuh, Клаус Шульце, Tangerine Dream, Organisation, Cluster и Neu!. Но особое внимание хочется обратить на группу Kraftwerk.
Этот немецкий квартет из Дюссельдорфа оказал огромное влияние на развитие электронной музыки. Переломным моментов в творчестве Kraftwerk считается альбом «Autobahn», записанный в 1974 году. В нем музыканты в полной мере продемонстрировали возможности синтезаторов и электроники того времени. Примечательно, что композиция «Autobahn», давшая название альбому, длится более 22 минут: она занимала целую сторону виниловой пластинки!
Начиная с 1974 года в музыке Kraftwerk более четко выделились электронные ритм-структуры. Последующие три альбома – «Radio-Activity» (1975), «Trans-Europe Express» (1977) и «The Man Machine» (1978) – существенно повлияли на развитие электронной музыки и современной музыки в целом.
Черпая вдохновение из спейс-рока и психоделического рока, эти музыканты создавали настоящие экспериментальные звуковые коллажи. Основная идея этой новой музыки заключалась в использовании электроники как нового выразительного средства, способного вызывать в воображении сюрреалистические образы.
Конспект по музыке «Новаторство и современность в музыке»
Онлайн-конференция
«Современная профориентация педагогов
и родителей, перспективы рынка труда
и особенности личности подростка»
Свидетельство и скидка на обучение каждому участнику
Урок музыки в 8 классе
Тема урока: Новаторство и современность в музыке
Цели: разграничить понятия «традиции» и «новаторство» в музыке, дать понятия «авангардизма»; привести примеры.
Музыкальный материал: А. Шенберг «Уцелевший из Варшавы», А. Онеггер «Пасифик 231»- фрагмент.
Истинное новация в искусстве-
это, прежде всего, новация духа,
идеи. Форма лишь выражает
найденное художником новое
содержание, воплощает его в
Музыка не может не обновляться. Нельзя представить, чтобы те преобразования, которые в XX веке охватили все стороны жизни общества, никак не коснулись музыки, ее образов, стилей, средств выразительности. Но любая эпоха обобщает все, что создано предыдущим. В искусстве всегда существовала связь времен, таким образом оно доказывала значение человеческой памяти. Современная музыка при всем своем новаторском облике не отрывается от классической традиции, она как бы вырастает из нее, хотя и обновляется благодаря индивидуальности автора и веянью современной жизни.
В искусстве новаторство заключается не в самоцельном поиске необычных (никем и никогда не использованных!) выразительных средств, а в новом взгляде на жизнь, постановке новых проблем, рождении новых мыслей и чувств, правдивое выражение которых приводит к появлению новых средств выразительности. Поэтому нет «плохих» или «запрещенных» выразительных средств. Все зависит от того, как и для чего они использованы. Мы с вами знаем, что в искусстве красота не разделима с жизненной правдой, если нет правды то и нет красоты. Искусство исчезает.
Представители крайнего авангарда сознательно «перерубают корни», связывающие современное искусство с прошлым. Они на прочь отрицают художественную традицию. В их произведениях вы не услышите ни песенности, ни маршевости, ни танцевальности.
Французский авангардист Пьер Булез говорил: «Существуют три вещи, из которых нельзя создавать музыку – мелодия, гармония и ритм».
Если в середине XX в. Новейшая музыка бурно развивалась по трем направлениям: современная классика, «поп- музыка», и «авангардизм», то к концу XX в. Эти направления в своих лучших проявлениях начинают объединяться.
II Знакомство с австрийским композитором А Шенбергом и его произведением «Уцелевший из Варшавы». Обсуждение.
Австрийского композитора Арнольда Шенберга считают «отцом» современного «авангарнизма». К началу 20-х годов ХХ века он создал 12 тоновую систему музыкального –додекафонию, в которой отсутствует выразительная интонация, тональность, ладовая организация.
Слушание « Уцелевший из Варшавы»
— Какое впечатление произвела на вас музыка?
— помогает ли выразительность интонация чтеца понимать аномальную музыку?
III Знакомство с авторской песней Б.Окуджавы.
Б. Окуджава – один из тех, людей кто напоминал о первоначальном союзе слова и музыки. Его мелодии как бы живут внутри стихотворения, принадлежат ему изначально как выразительная интонация.
Музыкант играл на скрипке, я в глаза ему глядел,
Я не то чтоб любопытствовал – я по небу летел.
Я не то чтобы от скуки, я надеялся понять,
Как умеют эти руки эти звуки извлекать
Из какой-то деревяшки, из каких-то бледных жил,
Из какой-то там фантазии, которой он служил.
А еще ведь надо в душу к нам проникнуть и поджечь.
А чего с ней церемониться, чего ее беречь.
Счастлив дом, где пенье скрипки наставляет нас на путь.
И вселяет в нас надежду; остальное – как-нибудь.
Счастлив инструмент, прижатый к угловатому плечу,
По чьему благословению я по небу лечу.
Счастлив тот, чей путь недолог, пальцы злы, смычок остер,
Музыкант, соорудивший из души моей костер.
А душа, уж это точно, ежели обожжена,
Справедливей, милосерднее и праведней она.
«Песенная поэзия Булата Окуджавы – упрямое объяснение в любви к жизни, людям, добру. Объяснение, которое никогда никому не прискучит, потому что оно всегда недостаточно….»
IV Разучивание песни Б. Окуджавы «Надежды маленький оркестрик».