Что такое одноцветная картина
Техника гризайль в живописи
Одной из наиболее удивительных и глубоких техник в живописи, несмотря на свою монохромность, является гризайль. Ее название в переводе с французского означает серый, но в действительности, она может быть исполнена в любом цвете. Ведь она заключается в одноцветной передаче изображения с использованием тональных градаций. Именно тон, а не цвет имеет здесь значение. Правильно подобранный по светлоте оттенок определенного цвета позволяет сделать работу объемной и пространственной. А ее монохромность оставляет место для фантазии и собственной цветовой интерпретации.
Гризайль в истории живописи
Началом активного использования техники гризайль в живописи принято считать эпоху Средневековья. Послужить этому могла скудная палитра цветов либо строгие религиозные каноны. Как бы там ни было, в результате монохромная живопись стала набирать популярность и достигла пика в эпоху Возрождения. Особо искусные мастера того времени могли создавать произведения, которые практически не отличались от объемных скульптур. Это вызывало особый восторг в обществе, а некоторые хитрецы даже использовали картины в технике гризайль как имитацию каменной скульптуры в интерьере.
Со временем гризайль переместилась в станковую живопись. Ярким примером являются фрески и потолок Сикстинской капеллы, которые частично выполнены в этой технике. Также она активно использовалась иллюстраторами в рукописных манускриптах, и по сей день применяется художниками для создания эскизов. Ведь после выполнения композиционного рисунка, художник передает рельефы, объемы и тени зачастую одним основным цветом.
Однако постепенно техника стала терять былую популярность пока в начале ХХ века не произошел переворот во всем мире искусства. Мастера стали на путь поиска новых смыслов и их воплощений на холсте, в результате чего они вновь обратили внимание на монохромную живопись. С помощью нее делали акцент на внутренних переживаниях человека, а не на достоверном изображении реальности, прибегая к новой изобразительной эстетике.
На сегодняшний день, технику в основном используют молодые художники, которые учатся передавать форму и фактуру предметов. Достаточно популярен гризайль и в интерьере. К примеру, натюрморт в одном цвете или черно-белый портрет – стильное и актуальное решение для дома, которое пользуется спросом.
Техника рисования гризайль
Кому-то данная техника может показаться простой. Ведь используется лишь один цвет. В действительности же она требует тонкого понимания тонов и является очень полезной для усовершенствования своих художественных навыков. А особым мастерством является подбор настолько точного соотношения тонов, что работа даже передает ощущение цвета. Ведь именно соотношение и сочетание тонов имеет большую важность, нежели точная цветопередача в живописи.
Техника гризайль позволяет художнику лучше чувствовать цвета и оттенки, рассматривая их уже с точки зрения насыщенности и интенсивности. Что немаловажно для изображения фактуры и объема на полотне. Более того, она позволяет фантазировать и рисовать в своем воображении собственную палитру цветов.
Весь процесс работы в технике гризайль можно разделить на следующие базовые этапы:
Конечно, с разными материалами последовательность данных этапов может меняться. К примеру, с акварелью мы двигаемся от светлых к темным тонам, с маслом же мы выделяем белилами самые светлые участки в конце. Но однозначно, все эти шаги будут присутствовать в процессе создания работы гризайль.
Натюрморт в стиле гризайль
Одним из самых популярных жанров в технике гризайль является натюрморт. Во многом это связано с тем, что на нем начинающие художники отрабатывают навыки передачи светотени. Ведь подобная практика существенно повышает уровень художественного мастерства и позволяет новичкам прочувствовать глубину и разнообразие оттенков.
Если вы тоже решили попрактиковаться данным образом, необходимо учесть несколько важных факторов:
Ну и конечно, помните, что процесс работы будет зависеть от используемых вами материалов. Рисовать в технике гризайль можно чем угодно. Это может быть гуашь, акварель, масло, тушь или карандаши. Независимо от вашего выбора, данная практика однозначно будет полезна и откроет вам много нового.
Монохромные картины
Картины выполненные в одном цвете называются монохромными. Чаще всего такие работы написаны в разных тонах серого цвета, где они варьируются от светлых к темным, от прозрачных к насыщенным и от холодных к теплым.
Такие картины не являются эскизом или подмалевком в процессе создания работы, а выступают самостоятельным и конечным результатом изображения предмета или человека. Прекрасным примером монохромной картины, получившей общественное признание считается работа Пабло Пикассо под названием «Герника». Она выполнена в свойственном мастеру стиле кубизм и раскрывает перед зрителем весь ужас и боль слова «война». Ведь данная работа посвящена одному из городов Испании, который потерпел ужасные потери во время бомбардировки.
И это далеко не единственный пример пронзительной и трогающей монохромной живописи в мире искусства. Многие известные мастера обращались к технике гризайль в своих работах в разные исторические эпохи. Среди них Бове, Босх, Рубенс и Ван Эйк. А значит, данная техника точно стоит того, чтобы занимать отдельное место в мировой живописи.
Самое раннее произведение Леонардо да Винчи
Небольшая расписная плитка вызвала довольно большой переполох среди ученых арт-мира. Это потому, что некоторые ученые полагают, что недавно обнаруженная работа – это самое раннее известное произведение Леонардо да Винчи.
Интересные факты о живописи
Картина хранит в себе тайны создателя. Порой нам удается их разгадать, но многие из них продолжают быть загадками, либо же просто остаются незамеченными.
Новости
Struchaieva Art на выставке «Абстракции»
ХО Национального союза художников Украины проводит выставку нефигуративного искусства «Абстракции», где представлены работы современных украинских художников.
Монохромия в живописи: почему художник отказывается от цветов?
К огда мы смотрим на произведения ликующего Рембрандта, откровенно-беспощадного Караваджо, нас увлекает не только харизма мастеров и круг сюжетов. Сама их живопись, насыщенная и густая по своей колористической мощи, напоминает вкус терпкого, выдержанного вина с ярким бликом, случайно упавшим на дно бокала. Контрастные тени и таинственный свет, играющие на лицах, предметах завораживают, словно окуная зрителя в другое измерение. А интрига заключается в том, что письмо художников практически монохромно. Сдержанные, приглушенные цвета, богатство тональных переходов и близких по цвету оттенков, бурная игра светотени – заставляют нас чувствовать нечто большее.
По мнению древних японских художников, монохромия в живописи – это не прихоть мастера, а осознанный шаг к развитию «внутреннего зрения». Не явное, а утаенное открывается в картине, настраивая созерцателя на духовные переживания.
Цвет или монохромия?
Неужели цветная картина неспособна вызвать в человеке глубокие мысли, переживания? Способна! И вызывает. Но однотонная монохромная живопись отвлекает взгляд от наносного, яркого, кричащего. Дает возможность увидеть не сам предмет, а его суть. Цвет же провоцирует на эмоции, эгоистично заостряя внимание на себе, часто ломает форму, которую художник хотел особенно выделить, искажает смысл, делает незаметнее технические приемы.
История развития монохромной живописи
Для мирового искусства одноцветная живопись давно являлась частью познания мира, своеобразным диалогом художника с природным началом, бесконечной вселенной. Безмятежность, спокойствие несет в себе письмо тушью и водой древних китайских и японских художественных школ. И почти во всех случаях символичность, недосказанность. Монохромная живопись суйбоку (или суми-э), датируемая в Китае в X-XIII вв., пришла в японскую культуру к XIV веку. Со всей своей лаконичностью, изящностью гибких линий и мягких, тональных пятен размытой туши на белом фоне – одноцветное, но необыкновенно выразительное искусство несло глубокий философский подтекст.
Экзальтированная, подверженная трагическому мистицизму европейская живопись барокко XVII века была особенно близка к технике монохромной живописи. Свидетельством этому творчество:
С начала XX века – переворот во всем мировом искусстве. От глубокого разочарования и презрения опыта прошлых поколений мастеров, бегства в беспредметность к новой изобразительной эстетике. И вновь художник обращается к монохромии в живописи, отрешенной от реального мира и сосредоточенной на внутренних переживаниях и глубоких убеждениях. Супрематическая философия Казимира Малевича рождает на свет знаковый черный квадрат на белом, а дальше больше: его белые геометрические фигуры тают на светлом фоне холста, утверждая движение чистоты, «беспредметную белую природу» как «высшую ступень созерцательного состояния».
В «голубом» и «розовом» периодах творчества Пабло Пикассо мы словно кожей ощущаем переход от щемящего отчаяния холодных серо-синих оттенков к мягкой теплоте кораллово-бежевых гамм. А между этими двумя периодами – символично появляется «Девочка на шаре», балансируя между счастьем и болью, жизнью и небытием, светом и тьмой.
*Картины известных художников взяты из свободного доступа в интернете и используются на сайте в учебно-образовательных целях.
ТОП-10: Одноцветные картины, которые стоят больше, чем ваш дом
10. Абстрактная живопись, Эд Рейнхардт
Фото: Ad Reinhardt
За последние 10 лет своей жизни он выпустил только серию квадратных полотен, окрашенных полностью в черный цвет. Они описывались как его «итоговые картины». После создания этих черных квадратов, он считал, что не осталось больше ничего, что можно было бы нарисовать. На первый взгляд они могут показаться совершенно безликими. Но есть и тонкие нюансы. Чтобы их заметить, потребуется много времени и усилий, которые не каждый готов этому посвятить. Когда картины впервые выставили в Музее Современного Искусства в Нью-Йорке, один посетитель в знак протеста отменил свое членство.
9. Черный квадрат, Казимир Малевич
Фото: tate.org.uk
В 1913 году, в год рождения Адольфа Рейнхардта, Казимир Малевич предсказал содержание своих последних картин созданным им черным квадратом. В то время как Рейнхардт закрашивал полотно черным, Малевич просто нарисовал в центре черный квадрат. Он написал: «В 1913 году, отчаянно пытаясь освободить искусство от мертвого груза реального мира, я нашел убежище в форме квадрата».
Некоторые описывали «Черный квадрат» как «первую картину, созданную кем-то, на которой не было что-то изображено». Сам Малевич называл ее также «нулевой точкой искусства», чтобы обозначить все искусство, пришедшее после, как современное. Хотя картина когда-то была однородного черного цвета, время проложило по ее поверхности дорожку трещин, что открыло ее белую подложку.
8. Белые картины, Роберт Раушенберг
Еще одна серия черных картин была создана Робертом Раушенбергом (Robert Rauschenberg) в первые годы его карьеры. «Нарисованные» поверх газет, и приклеенные к холсту, они похожи на облупившуюся кору. Он также создал серию белых картин. Пять картин белой серии представляют собой коллекцию из одного, двух, трех, четырех или семи одинаковых белых холстов, которые висят рядом. Когда их впервые выставили, картины сочли дешевым трюком, но теперь их можно найти в галереях по всему миру. Поскольку краска со временем потеряла свои свойства, друзьям Раушенберга пришлось несколько раз перекрашивать их, чтобы сохранить.
Раушенберг был другом композитора Джона Кейджа (John Cage). Он написал знаменитую музыкальную пьесу под названием «Четыре тридцать три», где пианист и другие исполнители сидят молча в течение 4 минут и 33 секунд. Таким образом произведение состоит из звуков окружающей среды. Пожалуй, это идеальное музыкальное сопровождение для его картин.
7. Монохромная белая картина, Ли Юань-Чиа
Фото: wikiart.org
Ли Юань-Чиа (Li Yuan-chia), один из самых известных китайских художников 20-го века, работал в сфере живописи, скульптуры и мебели. Он создал монохромную белую картину в 1963 году. Хотя при беглом взгляде она представляет собой чистую белую поверхность, с близкого расстояния можно разглядеть нюансы.
К холсту приклеены вырезанные из картона круги, которые затем закрашены таким же белым цветом, как и фон. Ли описал круги как «космические точки». Он считал точки началом и концом всего сущего. Эти точки связаны с положением вещей в безграничном пространстве Вселенной. Первоначально картина называлась «2 = 2 – 2».
6. Картина Дилана, Брайс Марден
Фото: sfmoma.org
Брайс Марден (Brice Marden) назвал свою картину «Картиной Дилана» в честь своего друга Боба Дилана, потому что Марден создал ее, чтобы помочь карьере певца. Однако к тому времени, когда работа была завершена, Дилан, будущий нобелевский лауреат, уже был более известным, чем Марден. Так что картина осталась у Мардена.
Полотно было раскрашено скипидаром и пчелиным воском, к которым был добавлен серый цвет. Затем для выравнивания поверхности художник использовал шпатель, оставив следы, подтверждавшие художественность его работы. Кроме того, в нижней части картины осталась полоска неокрашенного холста. На нем видны капли краски и другие следы, показывающие процесс творения.
5. Ахром, Пьеро Манцони
Фото: pinterest.ca
Пьеро Манцони (Piero Manzoni) известен своим ироничным отношением к искусству. Его величайшая работа называлась «Дерьмо художника». Якобы девяносто банок были наполнены экскрементами художника, и затем каждая банка продана за золото аналогичного веса. Впрочем, у него были и более традиционные работы.
Серия его работ под названием «Ахромы» выглядит как белые картины, но художник описал их как бесцветные. Он начал серию с простых белых полотен. Иногда они были покрыты толстым слоем краски, чтобы показать текстуру красок. Более поздние работы были выдолблены и покрыты линиями. Ближе к концу серии Манцони перестал использовать холст и начал использовать хлопок, акриловую смолу, стекловолокно и раскрашенные булочки. Он также начал окрашивать свои работы пигментами, которые со временем меняли цвет.
4. Суррогатные картины, Аллан Макколлум
Фото: allanmccollum.net
Аллан Макколлум (Allan McCollum) свел картины к общей форме. Его работы – подставки для картин. Хотя его работы выглядят как картины в рамах, на самом деле это гипсовые слепки, которые разрисовали так, чтобы они выглядели картинами. Нет никакой разницы между картиной внутри и рамкой. Нет двух одинаковых. Это массовое производство, но ручная работа.
Картина внутри каждой «рамы» совершенно безликая, она не несет след руки художника. Его студия устроена как производственная линия, и везде участвую его помощники. Суррогатные картины – это мост между искусством и автоматизацией.
3. Серый, Герхард Рихтер
Фото: wikiart.org
Картины Герхарда Рихтера (Gerhard Richter) варьируются от крайне детализированных, почти фотореалистичных портретов до ярких цветных абстракций. Он даже спроектировал витраж для Кельнского собора, который состоит из квадратов резонирующего стекла. В дополнение к этим работам он создал серию «серых картин».
Картины представлены в разных оттенках серого и варьируются от невыразительного матового покрытия до сложных узоров. Большинство из них были созданы в 1960-х и 70-х гг. Рихтер считает «серый» идеальным цветом для представления пустоты. Он объяснил: «Он не вызывает никаких чувств или ассоциаций, он на самом деле ни видим, ни невидим».
2. Вуаль, Ширазе Хушери
Фото: Twitter
Ширазе Хушери (Shirazeh Houshiary) – это иранская художница и бывший номинант на престижную премию Тернера. Ее работы в области концептуального искусства выставлены в Нью-Йоркском Музее Современного Искусства и в Современной галерее Тейт.
Ее картина 1999 года «Вуаль» кажется простым нарисованным черным квадратом. Художница считает ее своим автопортретом. На черном холсте, раскрашенном графитом художница написала суфийские фразы по-арабски. Даже с близкого расстояния их почти невозможно увидеть. Хушери считает свои работы чем-то средним между живописью и рисунком.
Фото: artuk.org
Традиционно синий редко использовался в живописи. Синяя краска часто была дорогой, потому что ее было трудно производить. Ляпис-лазурь, пигмент цвета ультрамарин, приходилось импортировать из Афганистана. Ив Кляйн (Yves Klein) решил, что синий цвет станет цветом его жизни.
В 1946 году, лежа на пляже со своими друзьями, Клейн смотрел в голубое небо. Рукой он написал на небе свое имя, утверждая, что это небо – его. Вот как он описал это событие:
«В тот день, лежа на пляже Ниццы, я почувствовал ненависть к птицам, которые летали туда-сюда по моему голубому, безоблачному небу, потому что они пытались проделать дырки в моей величайшей и самой прекрасной работе». Работая с производителем пигментов, он создал (и зарегистрировал) свою собственную версию ультрамарина под названием «International Klein Blue».
Монохромное искусство. Самые дорогие однотонные картины
«Вуаль», Ширазе Хаушиари
Источник фото
Ширазе Хаушиари — иранская художница. Ее работы сегодня можно увидеть в самых известных галереях мира, в том числе в Музее современного искусства в Нью-Йорке. «Вуаль» она написала в 1999 году. На первый взгляд полотно кажется просто неравномерно окрашенным черным квадратом. На самом деле художница покрывала холст черным с помощью графита, а затем писала на нем суфийские фразы по-арабски. Но даже с близкого расстояния их практически невозможно рассмотреть. По мнению самой Ширазе, это автопортрет. Критики считают ее работу чем-то средним между живописью и графикой.
«Монохромная белая картина», Ли Юань Чиа
Источник фото
Ли Юань Чиа — один из самых известных китайских художников XX века. Он работал в сфере живописи, скульптуры и мебели. Свою «Монохромную белую картину» он создал в 1963 году. На первый взгляд она представляет собой чистую белую поверхность. Однако, если приглядеться, можно разглядеть нюансы.
В частности на холсте расположены четыре картонных круга. Два больших находятся слева, а два маленьких – ближе к центру. Круги, разумеется, покрыты той же белой краской, что и вся остальная поверхность картины. Чиа описал эти круги как «космические точки». Художник считал их началом и концом всего сущего. А также был уверен, что они свзаны с положением вещей в безграничном пространстве Вселенной.
«Суррогатные картины», Аллан Макколлум
Цена: 125 тыс. евро
Источник фото
Американский художник Алан Макколум — видная фигура направления «Концептуализм». Его «Суррогатные картины» выглядят картинами в рамках только на первый взгляд. На самом деле это гипсовые слепки, которые разрисовали так, чтобы они выглядели картинами. По сути он свел картины к общей форме и наладил их производство. Массовое, но, справедливости ради, ручное.
То есть картина внутри каждой «рамы» — совершенно безликая и не несет след руки художника. Но при этом вы не найдете двух одинаковых «суррогатов». По словам художника, «Суррогатные картины» – это мост между искусством и автоматизацией.
«Кроваво-красное зеркало», Герхард Рихтер
Источник фото
Немецкий художник Герхард Рихтер — фигура знаковая. Он стоял у истоков зарождения направления капиталистического реализма. Его произведения включены в собрания крупнейших музеев Европы. В 2005 году он занимал 1-е место в ежегодном списке журнала «Капитал» — самые дорогие и успешные мастера современной немецкой живописи. Художник разработал витраж для Кельнского собора. А его картины варьируются от детализированных, почти фотореалистичных портретов до совершенно однотонных полотен.
В 1970-х он даже создал одноименную серию. Все картины из нее были монохромными серыми прямоугольниками. «Серый. Он не делает никаких заявлений. Не пробуждает ни чувств, ни ассоциаций. Он невидим и не невидим. Для меня серый — единственный эквивалент беспристрастности, безоружности, беспечности, отсутствия формы», — говорил художник.
Одна из самых известных работ художника – «Кроваво-красное зеркало» — действительно представляет собой зеркало, закрашенное красной краской. Интересно, что в нем можно увидеть?
«Абстрактная живопись», Эд Рейнхардт
Источник фото
Эд Рейнхардт — один из крупнейших американских художников-авангардистов. Изначально он был сторонником подсознательного применения цветов и форм. В сороковых годах прошлого столетия он изменил свой стиль и начал писать одноцветные картины.За последние 10 лет своей жизни он создал лишь серию квадратных холстов, полностью окрашенных в черный цвет.
На первый взгляд, они могут показаться совершенно безликие. Но между каждой картиной есть тонкие различия, на обнаружение которых могут уйти часы, а то и дни. Впрочем, когда эти творения Рейнхардта впервые были показаны в Музее современного искусства в Нью-Йорке, один посетитель отменил свое членство в знак протеста.
«Безымянный синий монохром», Ив Кляйн
Источник фото
Французский художник-новатор Ив Кляйн — одна из наиболее значительных фигур послевоенного европейского искусства. Всего одним цветом он изменил ход развития искусства. Расширил рамки того, что принято называть живописью, и открыл дорогу новым течениям и видам искусства: концептуализму, минимализму и перформансу.
Однажды лежа на пляже со своими друзьями, Ив «написал» свое имя на голубом безоблачном небе. «В тот день, лежа на пляже Ниццы, я почувствовал ненависть к птицам, которые летали туда-сюда по моему голубому, безоблачному небу, потому что они пытались проделать дырки в моей величайшей и самой прекрасной работе», — позже рассказал он.
А потом творец создал и запатентовал собственную версию ультрамарина International Klein Blue или IKB. И написал им «Безымянный синий монохром». В общем, если вы хотите на самом деле узнать, что такое «цвет настроения синий», вам к Иву Кляйну.
«Ахром», Пьеро Мандзони
Источник фото
Пьеро Манцони известен своим ироничным отношением к искусству. Его величайшая работа называлась «Дерьмо художника» — девяносто банок, наполненных экскрементами художника. Каждая банка продана за золото аналогичного веса. Помимо этого художник расписывался на телах добровольцев и выдавал им сертификат подлинности, раздавал посетителям выставки вареные яйца с отпечатком собственного пальца и делал еще множество вещей, которые были в лучшем случае эксцентричными.Впрочем, у него были и более традиционные работы.
«Ахромы» — серия монохромных картин, которые изготавливались путем помещения холста в жидкий каолин. Полное отсутствие цвета должно было сосредоточить внимание зрителя на материальных качествах объекта. Морщины и складки возникали в процессе изготовления и сушки холста, и к ним не прикасалась рука художника. Ближе к концу серии Манцони перестал использовать холст и начал использовать хлопок, акриловую смолу, стекловолокно и раскрашенные булочки.
«Картина Дилана», Брайс Марден
Источник фото
Брайс Марден — американский художник-минималист. «Картину Дилана» он написал в 1966 году. Она была названа в честь друга Мардена Боба Дилана. Художник создавал ее, чтобы помочь карьере певца. Однако, к тому времени, как работа была завершена, Дилан, будущий лауреат Нобелевской премии по литературе, уже был более известен, чем Марден.
Холст был покрыт смесью, созданной из скипидара и пчелиного воска, в которую был добавлен серый цвет. Затем художник использовал лопаточку, чтобы выровнять поверхность. В нижней части картины осталась полоса некрашеного холста.
«Белая серия картин», Роберт Раушенберг
Источник фото
Американский художник, представитель абстрактного экспрессионизма, а затем концептуального искусства и поп-арта, стоял у истоков создания модульного искусства, является создателем направления комбинированной живописи. В своих работах тяготел к технике коллажа и редимейда. В своих работах использовал мусор и различные отходы.
Что касается «Белой серии», то пять картин из нее представляют собой набор из 1, 2, 3, 4 или 7 одинаковых белых полотен, вывешенных вместе. Когда они впервые были представлены публике, то выглядели как дешевый трюк, а теперь белые картины Раушенберга можно найти в галереях по всему миру.
К слову, Раушенберг был другом композитора Джона Кейджа, который написал музыкальное произведение под названием «4’33». Во время его исполнения пианист или другой инструментальный исполнитель должен сидеть молча в течение 4 минут и 33 секунд. В результате публика слышит только звуки окружающей среды. Может быть, это идеальный аккомпанемент для этих картин.