Что такое вокальная и инструментальная музыка чем они отличаются

Инструментальная и вокальная музыка

Онлайн-конференция

«Современная профориентация педагогов
и родителей, перспективы рынка труда
и особенности личности подростка»

Свидетельство и скидка на обучение каждому участнику

Музыка – ( инструментальная и вокальная )

«Из наслаждений жизни одной любви музыка уступает:

но и любовь – мелодия»…

В этих словах А.С.Пушкина о музыке сказано так много, что можно и книг не писать. Музыка – вид искусства в котором мысли и чувства выражены звуками.

не программная и т.д. По сравнению с вокальной музыкой у инструментальной есть потери и преимущества. Она уступает вокальной в непосредственности и теплоте человеческого голоса, но превосходит её в разнообразии и богатстве тембров, регистров, диапазона, скорости смены звуков, долготе тянущегося звука, комбинациях тембров и т.п., всего не перечислишь. Именно поэтому выразительные возможности инструментальной музыки неисчерпаемы, и ей подвластны самые разнообразные эмоции и образы. Недаром древние греки считали инструментальную музыку высшим, божественным искусством.

Нет ничего прекраснее человеческого голоса. Говорят, что каждый инструмент хорош настолько, насколько он приближается к голосу, А голос – это инструмент музыканта-вокалиста.

Большинство из нас, не задумываясь, назовёт Фёдора Ивановича Шаляпина как эталон певца. Но далеко не каждый знает, что дело не только в его замечательном голосе, но и в выдающемся артистизме, который воздействует на нас даже с дисков старинных пластинок.

Но для музыканта, как известно, инструмент – это ещё не всё. Душа, музыкальность, интеллект – словом, личность – вот важнейшее условие для рождения настоящего певца. Но и актёрские данные необходимы. Иначе, кто же поверит тому образу, который заключён в исполняемом произведении?

Владение вокалом, обеспечивающее чистое и выразительное пение, даёт возможность с наибольшей точностью донести до слушателя замысел автора и доставить ему подлинное наслаждение. Существуют десятки методик обучения пению. Это тонкое и кропотливое искусство, первенство в котором уже на протяжении трёх-четырёх столетий удерживают итальянские мастера. Под влиянием итальянской школы сложились и другие национальные школы, в том числе и русская. Однако манеру пения обычно определяет репертуар. Так, Владимир Атлантов, например, поёт русскую музыку в русской манере, а итальянскую – в итальянской, которой он владеет в совершенстве.

Вокальная музыка самая древняя и вечная. Она неотделима от текста, от слов. Её образный диапазон – от древнейших обрядовых заклинаний до филосовских откровений. Колыбельные песни и литургии, любовная лирика и гимны, опера и джаз, оратория и рок, старинный романс и песня протеста – всё это вокальная музыка.

Любое соединение певческих голосов представляет собой вокальный ансамбль. Строго говоря, даже хор. В музыкальной практике сложились как типичные небольшие вокальные ансамбли: дуэты, трио, квартеты, октеты. Эти ансамбли бывают смешанные, а бывают однородные: женские или мужские. Надо добавить, что вокально-ансамблевое музицирование имеет свойство доставлять людям особое удовольствие. В эпоху Ренессанса это было одним из любимейших занятий, да и позже, в XVIII – XIX веках, домашнее и салонное музицирование, как правило, включало в себя и ансамблевое пение, Много поют и народные умельцы и любители пения. Городские жители сейчас, к сожалению, поют совсем мало, всё больше слушают. Петь, слушая свой голос вместе с остальными, подстраиваться, вместе переживать музыку – одно из самых радостных занятий. Если вы никогда не пробовали, попробуйте, не пожалеете!

Не менее распространены в жизни и вокально-инструментальные ансамбли. Это не обязательно когда мы слышим абревиатуру ВИА подразумевается «поющие гитаристы»,исполняющих эстрадную, поп – и рок-музыку. Вовсе не отрицая этой великой реальности, заметим, однако, что само понятие вокально-инструментального ансамбля неизмеримо шире и древней, чем наши ВИА, и означает всякое камерное пение с сопровождением инструментов.

Что касается хоровой музыки, которая тоже относится к вокальной, то о ней нужно говорить отдельно, поскольку это явление особое.

Поскольку музыка исполняется не только одним человеком – солистом, но гораздо чаще – несколькими, а то и многими музыкантами, то всякий коллектив исполнителей, от двух человек до тысячных масс,- это ансамбль. Но употребляется это слово в музыке обычно в двух значениях.

Первое: ансамблем, как правило, называют небольшой коллектив музыкантов, от двух до десяти – пятнадцати человек.

Второе: под ансамблем часто подразумевают слаженность исполнения.

Как вы расцените такую фразу: «Этот ансамбль неважный, у них нет настоящего ансамбля?» Посторонний человек, удивясь, подумает, что за чушь! Но музыканты в разговоре между собой могут даже заметить, как смешно звучит эта фраза. Им понятно: эти музыканты неслаженно играют. А какая же это музыка, если «кто в лес, кто по дрова»? Казалось бы, идут в одном направлении, но по разному понимают свою цель. Ну а знаменитая басня И.А.Крылова К в а р т е т напоминает о том, что качество ансамбля зависит не от того, настоящие ли это музыканты. Умение играть или петь в ансамбле – это особое искусство, которому нужно специально обучаться. А чувство ансамбля доставляет особую радость при совместном музицировании.

Когда трогают струны гитары, кажется, что трогают струны твоей души. В этой тайне нашего родства с этим инструментом, наверное, и заключается разгадка его необыкновенной истории. Из всех инструментов нового времени гитара самая старая: в XIII веке она была уже широко известна в Испании. И несмотря на это, популярность гитары продолжает расти. По мере того, как сменяются эпохи и музыкальные стили, в ней раскрываются новые возможности и новые качества. Но самое поразительное заключается в том, что гитара не имеет социальных и жанровых границ. Она доступна и простолюдину и аристократу, равно любима ими. На гитаре одинаково хорошо звучит аккомпанемент к старинному или цыганскому романсу и уникальные джазовые импровизации Александра Дольского, сюиты И.С.Баха и рок-музыка.

Более того, гитара не знает национальных границ. В каждой стране, где она приживается, гитара становится народным инструментом, обогащая новую культуру. Песни итальянские и русские, английские и негритянские, испанские и французские звучат под гитару так, словно родина гитары каждая из этих стран.

Гитара прекрасно звучит с голосом и с органом, с хором и духовыми инструментами. Неповторима и ни с чем несравнима гитара соло или дуэт гитар. Испанский стиль сольной игры на гитаре (фламенко) обладает предельной экспрессией, романтической взрывчатостью, требует от исполнителя сочетания феноменальной техники игры с огромной внутренней эмоциональностью. Всеми этими качествами обладает выдающийся исполнитель в стиле фламенко Пако де Лусия.

Крупнейшим гитаристом современности был Андре Сеговия. Для него писали музыку многие композиторы Западной Европы и Латинской Америки. Выдающиеся советские гитаристы А.М.Иванов-Крамской и Л.Ф.Андронов унаследовали традиции русской гитарной школы, у истоков которой были прославленные гитаристы А.О.Сихра (1773 – 1850) и М.Т.Высоцкий (около 1791 – 1837).

Классическая гитара шестиструнная. Известная нам семиструнная гитара представляет собой национальный русский вариант, привившийся частично и в Польше. Сегодня в век техники появились модернизированные разновидности инструмента: гавайская гитара ( с металлическими струнами), оркестровая (или джазовая) и конечно-же электрогитара.

Древнейший, интернациональный, универсальный и, по-видимому, вечный инструмент, он необходим многим, начиная от маленьких детей, обожающих игрушечные барабанчики (гроза взрослых, страдающих от шума),-кончая всеми разновидностями оркестров и всеми жанрами серьёзной музыки. О роли барабанов в эстраде, рок-музыке и джазе много можно и не говорить. Их без него просто не было бы.

Воспроизведение ударных звуков так же необходимо человеку, как и пение. Оно выражает естественную потребность в ритме и движении и связано прежде всего с ходьбой, маршем и танцем, а также с обрядами. У многих народов ритм и звуки барабана имеют ритуально-магический смысл. Особенно распространён барабан в Африке. Не потому ли, что её солнечные народы обладают такой природной двигательной активностью, какую европейцам трудно даже представить? Любопытно, что барабан каждый народ, видимо, изобретал сам. Ведь это всего лишь кусок кожи животного, натянутый на полый корпус или раму, да палочки, которые всегда найдутся, хотя и ладони рук прекрасно годятся для игры на барабане.

Из всех разновидностей барабана в нашу эпоху в Европе используются две: большой и малый барабан. Большой барабан, на котором играют деревянной колотушкой с мягким наконечником, имеет звуки от приглушенно-мрачных – до мощных и грозных. На малом барабане играют с помощью двух деревянных палочек. Его звук сухой и резкий, на нём великолепно получаются дробь и сложные ритмические фигуры.

Поскольку звук барабана не имеет высоты, ноты записывают на одной строчке.

Младенец, играющий с погремушкой, уже приобщается таким образом к ударным инструментам. А если вспомните, какое удовольствие вам в раннем детстве доставляло позвенеть крышками и сковородками, побарабанить по деревяшкам и т.д., вы поймёте, какое место в жизни человека занимает эта столь примитивная форма музицирования. Первыми ударными были деревянные инструменты. Следующими – те, что делались из кожи животных, натянутой на полый корпус. Наконец, последние появились металлические.

Большинство ударных инструментов не имеют точной высоты звука (барабаны, кастаньеты, трещотки, бубны, тамтам и др.). Поэтому их роль прежде всего ритмическая, хотя очень важен и тембр, богато окрашивающий оркестр или ансамбль. Но немало инструментов, имеющих определённую высоту. Это колокола и колокольчики, литавры, ксилофон, гонг, челеста и др. Они используются как мелодические и гармонические. Их тембр также чрезвычайно важен.

Ударные инструменты имеют столь же большое значение в оркестре и ансамбле, сколь струнные и духовые. Очень велика их роль в джазе (в который они пришли вместе с африканским фольклором) и конечно, в рок-музыке, где они являются одним из главных инструментов.

Источник

Какие типы музыки бывают?

Какие типы музыки бывают? Музыка сопровождает человечество вот уже целую вечность, и давно является неотъемлемой частью жизни. Представляете, сколько всего пережила музыка с человеком?

Первые обряды поклонения многочисленным богам сопровождались песнопениями и плясками. С помощью специфических напевов шаманы входили в транс и связывались с миром духов. Позже пение стало неотъемлемой частью человеческого быта, и появились первые музыкальные инструменты, создаваемые из подручных средств.

Музыка менялась вместе с людьми, совершенствуясь и приобретая новые формы. Если в первобытном обществе предпочтение отдавалось человеческому голосу, то со временем ему на помощь пришли разнообразные музыкальные инструменты.

Музыка настолько переплетена с внутренним миром человека, что некоторые чувства мы можем выразить лишь с её помощью. А люди и их чувства так не похожи меж собой, поэтому и появилось огромное количество направлений и жанров, раскрывающих самые разные стороны жизни людей.

Давайте задумаемся над тем, какие типы музыки бывают. Если бы кто-нибудь решил написать книгу на эту тему, то было бы страшно представить её толщину, ведь существует много разнообразных направлений, сложившихся со временем. Самым простым способом классифицирования музыки по типам является деление по исполнительским силам:

Говоря о том, какие типы музыки бывают, не стоит забывать о столь популярной электронной музыке. Произведения этого типа созданы почти автоматически из электронных заготовок. У произведений, написанных в этом направлении музыки, особое звучание, передающее дух нынешней эпохи. Сейчас электронная музыка быстро развивается. Пример: набирающий популярность Dubstep.

Можно говорить и о существовании и таких типов музыки как профессиональная и народная, в которой можно отделить какие-то бытовые каждодневные «зарисовки» (например, песенки-считалки или музыкальное убаюкивание малышки) от чистого фольклора – особого направления музыки, впитавшего в себя особенности культуры народов, отражавших свою духовность в музыке.

Таким образом, если спросят о том, какие типы музыки бывают, можно смело ответить: много их и они разные – по исполнительским силам это вокальная, инструментальная и вокально-инструментальная музыка, по другим параметрам – это музыка профессиональная, народная или «машинная», то бишь компьютерная. Благодаря любой классификации, которую мы принимаем на веру, нам становится гораздо легче ориентироваться в просто космически безграничном мире музыки

Источник

Музыкальные жанры и их особенности

В настоящее время довольно тяжело составить упорядоченный список существующих музыкальных жанров. Их слишком много, а два случайных (и на первый взгляд несвязанных) жанра могут создать третий, абсолютно новый, который потом может объединиться еще с одним – и так до бесконечности.

Сегодня команда Strunki.ru расскажет вам про музыкальные жанры – их определение, особенности и ключевые отличия.

Бонус: в конце статьи вас ждёт небольшой чек-лист, позволяющий определить музыкальный жанр.

Что такое музыкальный жанр? Экскурс в историю

Музыкальный жанр – это система из стиля, аранжировки, текста и площадки для выступления.

Стадионный рок, как ни странно, отличается масштабностью, громкостью и местом проведения мероприятия – стадион. Месса исполняется преимущественно в церквях и т.д.

Камерная музыка

Камерная музыка исполняется в небольшом помещении и для относительно небольшого числа слушателей. Самое простой пример камерного концерта – квартирник.

Народная музыка – самый распространённый жанр камерной музыки, так как чаще всего подобная музыка исполняется в кругу семьи и преимущественно старшим поколением. Слова песни могут меняться бесчисленное количество раз, а вот мелодия практически всегда остаётся неизменной.

Романс – лирическая песня, исполняемая под аккомпанемент из одного инструмента.

Баллада – песня, которая повествует об определенной истории или легенде. Как правило, восхваляет или описывает какого-либо героя.

Реквием – католическое песнопение, исполняется за упокой.

Вокализ – песня без слов, используемая как в качестве элемента произведения, так и в качестве вокальной тренировки.

Серенада – песня, посвященная и/или исполняемая одному человеку. Как правило, женщине.

Вокальная музыка

Главную роль в вокальной музыке играет голос. Если в композиции присутствуют какие-либо инструменты – они отступают на второй план. Сюда же относят камерную музыку.

Оратория – масштабное светское или религиозное произведение, исполняемое оркестром или хором.

А-капелла – вокальное исполнение без музыкального сопровождения. Некоторые современные а-капелла коллективы имитируют звучание других инструментов своим голосом (Van Canto, Pentatonix).

Вокализ – вокальное исполнение, в котором пение представляет собой набор определённых или случайных звуков, но не слов. Чаще всего используется в качестве разминки для голоса.

Инструментальная музыка

В инструментальной музыке не используется вокал. Абсолютно все партии исполняются музыкальными инструментами.

Симфония – оркестровое музыкальное произведение.

Соната – сольное или дуэтное инструментальное исполнение в камерном жанре.

Русские народные песни

Частушки – самый популярный жанр русской народной песни, который не требовал от исполнителя особых музыкальных способностей. Повторяющаяся прогрессия аккордов и четверостишье – вот и всё описание частушки.

Трудовые песни – появились в советское время для повышения боевого духа рабочих. Как правило, исполнялись людьми во время работы.

Легенда в тему: бытует мнение, что такой приём игры на гитаре, как «шафл» (вернее, это больше ритмический рисунок) появился в США, когда люди путешествовали на поездах, а единственным ритмом, который у них был – это стук колёс, под который они пели.

Песни для хороводов – исполнялись при хороводах и зависели от скорости хоровода и его повода.

Лирическая песня (былина) – песня, посвященная тяжелой ноше человека или целого народа.

Современная музыка

Жанров современной музыки невообразимо много, однако чаще всего они являются производными от одного жанра или вытекающим из двух.

Рок музыка

Рок-музыка привнесла в мир гораздо больше, чем вы можете подумать. Благодаря року, появились такие жанры, как:

Поп-рок – лёгкая музыка, рассчитанная на широкий круг слушателей, слегка утяжеленная поп-музыка.

Фолк-рок – современное звучание и инструменты в сочетании с народными инструментами и мотивами.

Хард-рок – тяжёлая музыка, из которой вытекает множество других жанров – метал, готик-рок, трэш-рок, викинг рок и даже блэк-н-ролл (смесь рок-н-ролла и блэк-метала). Например, Kvelertak.

Панк-рок – простая музыка, которая в большей степени отражает настроение в обществе. Со временем панк-рок разделился на десятки поджанров.

Поп-музыка

Развивалась параллельно с рок-музыкой, но впоследствии переняла несколько особенностей: использование электрогитар с перегрузом и др. эффектами, а также форму исполнения. Тем не менее, современная поп-музыка чаще всего электронная.

Хаус – электронная музыка, которая характеризуется своей «квадратностью» (размер 4/4) и скоростью – 120-140 BPM. Чаще всего можно услышать в клубах. Родственный жанр – Дип Хаус, являющийся замедленной и более мелодичной версией своего родителя.

Транс – противоположность хауса, если так можно выразиться. Если в хаусе преобладают быстрые мотивы и повторяющиеся мелодии, то транс в большинстве случаев более мелодичен и минорен, но скорость исполнения доходит до 160 BPM.

Диско – танцевальная поп-музыка, рассчитанная на широкий круг людей. Пользовалась бешеной популярностью в 70-80-х годах. В будущем появляется такой жанр, как Нью-Диско, обладающий современным звучанием, но на основе мотивов 70-80-х годов.

Хип-Хоп

Хип-Хоп развивался абсолютно параллельно от рок- и поп-музыки. С уверенностью можно сказать, что в конце прошлого века он держался особняком, а музыку того времени называют олд-скулом.

Для хип-хопа особенны такие элементы, как рэп и электронная музыка. Использование живых инструментов минимально.

Тем не менее, современные рэп-музыканты на своих live-концертах предпочитают использовать электрогитары, бас и живые барабаны, что в совокупности с битами даёт очень насыщенный звук.

Жанр популярен, а потому в настоящее время он смешался с другими жанрами:

Рэпкор – тандем рока и хип-хопа.

Альтернативный рэп – хип-хоп плюс любой другой жанр (джаз-рэп, фанк-рэп и т.д.).

Кроме того, существуют такие жанры как хардкор-рэп, гангста-рэп, дёти-рэп (от слова Dirty – грязный).

Светская и духовная музыка

Духовную музыку в 99% случаев можно услышать в церквях. С начала средних веков значительного изменения и развития в церковной музыке не происходило.

Литургия – описывают Священные события и писания в форме песен. Сопровождается театральной постановкой.

Антифон – стиль хорового исполнения, при котором два (и более) хора попеременно поют.

Месса – церковная музыка, основанная на молитвах.

Светская музыка

Берёт своё начало в средние века, когда от музыкантов требовалось презентовать культуру государства перед его гостями. Бродячие музыканты также считались исполнителями светской музыки из-за того, что, путешествуя, они исполняли музыку в различных городах и странах.

Специфические жанры

Существуют такие жанры, которые никак не поддаются описанию.

Во-первых, если раньше музыка, стиль исполнения и звучание как-то могли быть привязаны к географическому месту, то ввиду развития интернета некоторая современная музыка обладает совершенно уникальным звучанием.

Во-вторых, новые жанры появляются благодаря развитию музыкальной индустрии в коммерческом плане. Например, композитору дали заказ написать музыку для видеоигры или фильма, а в итоге музыка к медиапродукту становится не менее популярной. Сюда относятся различные саунд-треки и трейлерная музыка, которые впоследствии могут исполняться симфоническими оркестрами.

Конечно, описывать можно бесконечно, потому предлагаем вам ознакомиться с следующими музыкантами и композиторами: Мик Гордон, Ханц Циммер, Джон Уильямс, Акира Ямаока, Two Steps From hell.

Как определить музыкальный жанр?

Шаг первый: подумайте, какие в композиции используются инструменты. Если инструментов в композиции нет, то обратите внимание на звучание электронной музыки, барабанов.

Послушайте, какие инструменты являются ведущими, на что в звучании делается упор. Кроме того, стоит обратить внимание на общую стилистику. Например, она может вам напоминать ретро-мотивы или звучать довольно современно.

Шаг второй: обратите внимание на текст или его отсутствие. Политизированный текст, радостный или грустный, грубый или нежный и т.д. Зачастую текст может определять жанр музыки. Самый яркий пример – гангста-рэп или готик-метал.

Шаг третий: упирается в ваше знание музыкальной теории и индустрии. Как минимум, нужно уметь отличать минор и мажор. Как максимум, вы должны уметь чётко отличать блюз от джаза и спид-метал от металкора. Если умеете, то сможете объединять два разных жанра в один. Например… джаз-метал или альтернативный блюз-рейв.

Объединяя три шага, вы сможете проанализировать любое творчество и сделать вывод о жанре песни.

Источник

Что такое вокальная и инструментальная музыка чем они отличаются

Сходства и отличия инструментальной и вокальной музыки в творчестве концертмейстера

Существует два вида музыкального искусства, где мастерство концертмейстера имеет важное значение. Это – вокальное искусство и инструментальное искусство. Причём, и то и другое может представлять как ансамблевое исполнение (дуэт, трио), так и коллективное (хор, оркестр).

Специфика исполнения аккомпанемента в вокальных и инструментальных произведениях заключается в том, что при их исполнении концертмейстер выполняет в корне противоположные функции и ставит перед собой отличающиеся друг от друга задачи. Исполнение зависит от того, какую роль играет аккомпанемент, и какое положение он занимает: подчинённое, равное или ведущее.

Одно из главных различий состоит в том, что в вокальных произведениях предпочтение отдаётся, как правило, солисту (певцу) в отличие от инструменталистов, где солирующая (первая) и сопровождающая (вторая) партии почти равны. Довольно часто бывает и так, что партия аккомпанемента приобретает главенствующую роль.

Здесь стоит оговорится. Зачастую концертмейстеру приходится исполнять оперные арии или даже фрагменты и отдельные сцены из опер, а также инструментальные концерты. То есть концертмейстеру приходится играть переложение оркестровой партитуры. И здесь появляются новые трудности и новые задачи.

В оркестровых переложениях роль партии сопровождения в разных разделах произведения может иметь как ведущее значение, так и аккомпанирующее или равное. Поэтому концертмейстеру при исполнении концерта, оперного отрывка надо постоянно сочетать функции солиста и аккомпаниатора.

Конечно же умение концертмейстера играть в ансамбле с различными инструменталистами, а впоследствии воплощать в звуках рояля тембры этих инструментов выкристаллизовывается по большей части на уроках концертмейстерского класса и камерного ансамбля.

В мире музыки словосочетания: «камерное музицирование», «камерный ансамбль» очень распространены, так как концерты камерной музыки проходят довольно часто и пользуются спросом. Так, выдающийся музыкант Д.Ф.Ойстрах считал, что камерное исполнительство доставляет удовольствие не только слушателям, но в первую очередь и самим исполнителям. Также он считал, что участие в различных видах ансамбля (дуэты, трио, квартеты) играет огромную положительную роль в формировании музыканта и должно сопутствовать ему постоянно. В своей жизни Д.Ф.Ойстрах совмещал сольные и ансамблевые выступления. Можно, например, вспомнить его творческое содружество с Л.Н.Обориным, С.Т.Рихтером в сонатных дуэтах.

Камерный ансамбль, имея самостоятельную художественную ценность, является одним из многих и наиболее сложных видов исполнительского искусства. Великие композиторы прошлого, крупнейшие мастера ХХ века обращались к этому жанру. Мало кто из видных представителей музыкальной культуры «обошёл» вниманием камерную ансамблевую музыку. Таким образом, наследие камерной музыки очень богато и широко, так же как и традиции в русской исполнительской школе.

Важное значение игре в ансамбле придавалось ещё в русской дореволюционной музыкальной педагогике. Например, 1 сентября 1866 года, в день открытия Московской консерватории, в торжественном концерте наряду с исполнением 9-й симфонии Бетховена прозвучала и соната Бетховена A-dur для фортепиано и виолончели соч.69. Её исполнили Н.Г.Рубинштейн и немецкий виолончелист Б.Косман. Рецензенты многих газет отмечали глубину и содержательность их исполнения. Рубинштейн уделял большое внимание в консерватории занятиям камерной музыкой. Результаты учебной работы не только выносились на ученические вечера и экзамены, но и были представлены в концертах Русского музыкального общества. Курс камерного ансамбля в Московской консерватории в разные годы вели такие известные музыканты, как В.И.Сафонов, С.И.Танеев, А.А.Брандуков, А.Ф.Гедике и другие.

В своих истоках камерная музыка (также как и вокальная) связана с народной музыкальной практикой, с городскими музыкантами-любителями, с домашним музицированием. Когда собиралось несколько музыкантов или певцов возникало естественное стремление к совместному музицированию.

В ХVII – XVIII веках существовало уже много скрипичных и виолончельных сонат, в основном для солирующего инструмента с аккомпанирующей партией. В этом случае нельзя ещё говорить о двух равноправных партиях, об ансамбле в подлинном понимании. Наиболее совершенные и законченные ансамблевые произведения связаны с именем Бетховена.

Говоря об отличиях вокального и инструментального исполнительства, вначале следует отметить, что и то, и другое – это прежде всего ансамбль. И здесь, главное умение – это слушать себя и слышать партнёров, внимательно смотреть в музыкальный текст своей партии и следить за партией солиста. При явном равноправии в ансамбле необходимо ограничиваться задачами коллективного творчества. Например, следить за сбалансированностью звучания ансамбля, учитывать тембр, регистр инструмента партнёра. Вообщем, для создания полноценного ансамбля необходимо выполнение таких основополагающих условий как ритмическая согласованность, динамическое равновесие, единство штрихов и фразировки.

В отличие от вокальной музыки, инструментальная не имеет словесного текста, заключающего в себе какое-либо конкретное содержание. Но инструментальная музыка имеет свой образный строй, который через воображение исполнителя подсказывает ему необходимый эмоциональный настрой. Каждая фраза должна быть сыграна с определённой долей индивидуального ощущения «выпуклостей» и «вогнутостей» мелодических линий, чтобы в восприятии слушателя могли возникнуть эмоционально-образные ассоциации, ведь фантазия исполнителя пробуждает фантазию слушателя. Концертмейстер, как и любой другой музыкант должен как можно «ярче», тоньше чувствовать, переживать музыку, как в эмоциональном, так и в интеллектуальном плане. Ведь слышать музыку значит осмысливать и переживать её. По мнению известного музыковеда Б.В.Асафьева триада: образ – чувство – мысль является единым, внутренне неделимым содержательным комплексом интонации, а значит и образно-звукового впечатления.

Все эти тембры, краски, звуковые образы должны жить в воображении исполнителя, который через определённый набор компонентов: артикуляцию, динамику, педализацию и др. воплощает их в своём исполнении.

Выразительность музыкальной речи, а значит основу музыки, и её горизонтальное объединение составляет дыхание. У вокалистов и исполнителей на духовых инструментах дыхание есть физическое условие и важнейшее действующее начало интонирования. Эквивалентом певческого дыхания является движение и смена смычка у струнно-смычковых инструментов. Дыхание при игре на фортепиано выступает во многих отношениях в форме представления, хотя ему могут сопутствовать и реальные физические действия, как бы материализующие это представление: «дыхание» руки, кисти и т.д. Дыхание же вокалистов, исполнителей на духовых инструментах концертмейстеру необходимо учитывать, выражая это, возможно, в микроцезурах, в темповой агогике и др.

В отличие от певцов, от исполнителей на струнно-смычковых и духовых инструментах, пианист осмысливает свою фактуру не только по горизонтали, но и по вертикали. То есть, он имеет дело с объёмной фактурой, различной по характеру соотношений образующих её голосов и пластов. Применяя весь комплекс средств и приёмов исполнения: динамико-тембровых, артикуляционных, ритмических, агогических, а также возможности педализации и различные приёмы звукоизвлечения, пианист добивается высокохудожественной, звукопространственной перспективы, что неподвластно другим инструменталистам. Здесь уместно сравнение разве что с оркестром. Например, Ф.М.Блуменфельд рассматривал фортепианный текст как многострочную партитуру. Объёмная фактура фортепианного текста даёт возможность не только «оркестровать» или «инструментовать» его, но и переложить оркестровую партию для исполнения на фортепиано. Но здесь следует помнить, что фортепианная «партитура» монотембровая в отличие от политембровых – оркестровой, ансамблевой. Однородность тембра рояля ставит перед музыкантом сложную задачу дифференцации голосов и фактурных планов.

Итак, в рабочей и концертной практике концертмейстера постоянно встречаются оперные арии, сцены, а также инструментальные концерты и другие пьесы, в которых фортепианная партия является переложением оркестровой партитуры. Естественно, задачи исполнения фортепианной партии клавира во многом отличаются от задач аккомпанемента в романсах и камерных инструментальных пьесах, где эта партия сочинялась специально для рояля. В первом случае необходимо приблизить фортепианную партию клавира к партитуре композитора, его оркестровой красочности, к музыкально-сценической образности. Кроме этих задач есть ещё одна сложность. Как правило, композиторы, создавшие превосходные оркестровые партитуры, в работе над клавиром зачастую не учитывали технических удобств пианиста, перенасыщая фортепианную фактуру значительными сложностями, множеством «корявых», неудобных мест, часто даже неисполнимых. Концертмейстеру постоянно приходится упрощать эту «неуклюжею» фактуру, делая её удобнее для исполнения, но при этом жертвуя некоторыми элементами музыкальной ткани. Конечно же, это допустимо, но подход к упрощению клавира должен быть сознательным и рациональным.

Начиная работу, например, над арией, концертмейстер обязан знать характер данного отрывка, его место в общей драматургической концепции оперы; необходимо знать какими оркестровыми средствами, тембрами пользовался композитор, создавая образ. Имитация звучания виолончели должна отличаться от фагота, скрипки – от флейты и т.д. Желательно ознакомиться с партитурой или с её реальным звучанием, т.е. с её оригинальным исполнением.

Важно учитывать, что атака звука на фортепиано более определённая, чем у любой оркестровой группы. Играя со струнно-смычковыми следует помнить о мягком, «не ударном» их звучании. Пытаясь воплотить на рояле «объёмное», мощное оркестровое звучание, не следует пережимать, ведь при этом теряется благородство звука рояля.

Известно, что одна и та же партитура может быть переложена для фортепиано совершенно различно, и это даёт право концертмейстеру критически и творчески переосмысливать многие фрагменты оркестровых переложений. Например, октавы в басовом регистре, далеко отстоящие от последующих аккордов, и берущиеся на фортепиано скачком будут звучать здесь значительно тяжелее и массивнее, чем pizzicato виолончелей, удвоенное контрабасами. Этот факт должен заставить концертмейстера задуматься, творчески осмыслить, а не скрупулезно выигрывать каждую ноту.

В целом, исполнение аккомпанемента должно быть направленно на реализацию следующих требований:

​ Из всего вышесказанного следует, что работа концертмейстера сложна, утомительна, но в то же время творчески насыщенна и интересна.

Список использованной литературы
1. Е.И.Кубанцева «Концертмейстерский класс», М., 2002г.
2. «Методические записки по вопросам музыкального образования». Выпуск 3., М., 1991г.
3. А.Малинковская «Фортепиано-исполнительское интонирование». М.,1990г.
4. Г.Г.Нейгауз «Об искусстве фортепианной игры». М., 1988г.
5. Е.Шендерович «В концертмейстерском классе». М., 1996г.
6. Е.Шендерович «О преодолении пианистических трудностей в клавирах». М., 1987г.

Источник