Что такое пластический спектакль

29.10.202322.04.2022 admin 0 Comments

Пластический спектакль: вместо тысячи слов

Её движения грациозные, плавные. Его — отточенные и немного нервные. Она — счастливая невеста, ожидающая статного жениха, он — молчаливый скучающий наблюдатель. Казалось бы, нет такой силы, которая объединит этих двоих, ведь он — демон, а она земная девушка. Но даже бессмертный дух падет ниц перед могуществом такого глубокого чувства, как… любовь.

«Демон» Версия без слов

Поэму «Демон» знают все. Ее изучают в школе на уроках литературы, однако подлинное осмысление глубины этого произведения приходит, пожалуй, только после повторного прочтения спустя какое-то время. Михаил Юрьевич Лермонтов работал над «Демоном» больше десяти лет. Его первоначальной задумкой было связать добро и зло чувством к одной женщине: ангел и демон должны были полюбить монахиню, однако позже поэт изменил замысел. Демон стал основным лицом действия, погубившим девушку из ненависти к ангелу-хранителю. Затем изменения претерпел и образ безликой монахини — главной героиней стала веселая, живая красавица Тамара. Основным врагом демона стал не Божий Ангел, а он сам и его запретная, испепеляющая любовь. Поэтому образ главного героя до сих пор вызывает много споров: кто-то жалеет вечно одинокого Демона, а кто-то ставит под сомнение глубину чувств этого порождения зла. Впрочем, прочитать оригинальный текст вы всегда сможете сами. Мы же расскажем вам о нетривиальной постановке этого произведения в Московском драматическом театре имени М. Н. Ермоловой. Помог разобраться журналу «Школа. Москва» во всех хитросплетениях пластики и театрального искусства исполнитель главной роли Сергей Кемпо.

Как вы думаете, что будет, если лишить драматический спектакль одного из главных инструментов выразительности — слова? Кажется, что заменить текстовую фабулу очень непросто, но автор спектакля — режиссер-хореограф Сергей Землянский — нашел то, что стало новым художественным средством выражения. Определяющим в стилистике этого спектакля стал… танец. Именно танец становится языком, на котором говорят друг с другом герои. Именно движения передают глубину их чувств, порывы, сомнения, смятение мыслей. Ведь когда любовь обрушивается даже на Демона — слова излишни.

Пластический спектакль подразумевает под собой несколько другие приготовления, чем обычный. Три месяца мы занимались только физической подготовкой, а первое время вообще не делали никаких связок — режиссер Сергей Землянский нас именно тренировал. Это были растяжки, упражнения, перерыв — а потом снова. Занимались с утра и до самого вечера. Только после месяца такой разминки мы стали делать какие-то совместные связки.

Пластический спектакль сегодня не редкость. Основной компонент такого театра — это движения актера. Язык танца настолько богат, что позволяет работать в разных жанрах: драме, пантомиме, комедии. Пластика (от греч. plastike — ваяние, скульптура) — это объемная выразительность человеческого тела в статике или динамике. Сергей Землянский так говорит о своей версии без слов: «Поэма М. Ю. Лермонтова «Демон» буквально отрывает тебя от земли… провоцируя на творчество, вновь и вновь возвращая к главным вопросам. И молчать об этом становится уже невозможно. И тем не менее в своем спектакле я буду об этом молчать. Ничто не может раскрыть и передать все грани и закоулки сложной человеческой души так точно и сильно, как язык тела».

Для меня самой сложной частью спектакля была та, где нет действия, нет движения. Когда ты что-то делаешь, зритель видит, понимает, потому что действие сильнее слов. А молчать и еще одновременно просто стоять, при этом все равно стараясь даже в статику внести какую-то мысль, тяжело. В этот момент я понимал, что право молчать на сцене нужно заслужить. Молчание вообще вещь довольно красноречивая, особенно когда работаешь с партнером и вы без слов друг друга понимаете.

Пластика актеров потрясает. Ловкий, сильный Демон в исполнении Сергея, восседающий на терновом венке, в первые минуты спектакля не горит желанием спускаться. Но, когда он это делает, мы поражаемся. Легко, то подтягиваясь на тканях, то делая различные перевороты, он снисходит до земли.

С тканями получился интересный момент: в первоначальной версии спектакля их не было. После длительных тренировок, когда мы начали уже скреплять движения, возникла эта декорация. Мы хотели сделать с помощью этих тканей какие-то эффектные проезды, скольжения, но это оказалось невозможным. Материал ткани должен быть специальным, а иначе она просто сжигает кожу из-за сильного трения. В итоге мы оставили несколько движений в начале.

Язык тела понятен и доступен всем. Персонажи не произнесут ни одного слова, но нужно ли это, если вы и так сможете проследить всю историю чувства, захватившего Демона, ни на шаг не отходящую от оригинала?

У меня было свое видение Демона, поэтому иногда возникали споры с режиссером. Кажется, все в мелочах, но именно эти детали очень отличают наших Демонов. Они совершенно разные, но у меня получилось отстоять свою точку зрения. Изначально было два Демона — я и Дмитрий Чеботарев, вот на него образ, придуманный Сергеем Землянским, ложился хорошо. Он был жестокий, властный, грубый, бескомпромиссный. Мой же Демон — больше романтический персонаж.

Танец Демона — настоящая исповедь любви. Он всеми силами очаровывает Тамару, окутывает её своими движениями так, что у зрителей перехватывает дыхание. Он завязывает ей глаза, кружит в танце, жаждет вызвать ответное чувство. До этого момента Демон — существо одинокое, скользящее из мира в мир, из эпохи в эпоху. Никому не нужный, но ни в ком и не нуждающийся, он внезапно обретает смысл существования в смертной женщине.

Мой Демон — это бывший любимец Бога. По сути, это капризный ребенок, который все хочет делать по-своему. Однако он часть Бога, поэтому не может быть не связан с ним. У него есть душа, способная любить, — ведь он когда-то был ангелом. К сожалению, Бог, как строгий родитель, наказывает Демона за эгоизм и тщеславие вечным одиночеством. Это одиночество скорее внутреннее — Демон перестает понимать, зачем он создан, зачем создан этот мир, зачем он в этом мире. Это приводит к равнодушию, возможно, даже какому-то сумасшествию. Каждый день он задает себе одни и те же вопросы, на которые давно знает ответы. Это еще страшнее.

Чувство, охватившее Демона, настолько глубоко, что толкает его на злодеяние — убийство жениха Тамары. Кара главного героя в этой постановке еще и в том, что душа у него очнулась от мертвого сна созерцания.

Почему среди всех женщин мира Демон выбрал Тамару? Пожалуй, банально говорить, что это потому, что у нее чистая душа. Ну а почему люди влюбляются? Ведь Демон Лермонтова во многом более человечный, чем привычный нам образ. Вот человек видит кого-то — и всё, любовь. Никого больше искать не надо. Это не просто родственная душа: человек рядом должен вдохновлять на какие-то поступки, воодушевлять. И главное — не разрушать. Демон нашел девушку, а именно ее душу, которая поняла его и полюбила.

В конце концов бывший венец творения Господа — какая ирония! — остается запертым в терновом венке. Навеки остался в собственном круге ада, вынужденный и дальше проживать бессмысленные дни без любви. С него начинается история — им же заканчивается.

В самом начале подготовки спектакля я, если честно, еще ничего не понимал. Что это будет, как. Только к десятому спектаклю нащупал, куда идти. Я стал учить оригинальный текст. Чтобы молчать, нужно нести мысль. Нужно понимать, что ты делаешь и почему. Когда видно, что героем на сцене движет какая-то мысль — за ней хочется следовать.

Отдельный персонаж «Демона» Сергея Землянского — это музыка, написанная композитором Павлом Акимкиным. Постановка полна звука, но слов в ней вы не услышите, только нервный смех Тамары, едва не сошедшей с ума от горя, да псалмы на грузинском, больше напоминающие чернокнижные заклинания. То и дело в зале разносится шепот — это дыхание Демона, который робеет перед своей возлюбленной. Поначалу он боится даже коснуться Тамары, обходит ее, то и дело протягивая руки и тут же отдергивая их назад. За нее он борется со светом — Ангелом. Демон не готов расстаться с девушкой, но понимает, что его путы не смогут связать бессмертную человеческую душу. Музыка спектакля пульсирует, завораживает, но она современна и понятна, так же как и танец актеров.

В нашем спектакле всё основано на ощущениях, на энергии, на понимании без слов. Нельзя сказать, что Демон зачаровывает Тамару, ведь если бы она не хотела, не осталась бы с ним. Он дает ей выбор: приходит в полном демоническом обличии, причем в монастырь, в место, само по себе противоречащее природе этого героя. Ради нее он идет против Ангела, и она сама выбирает Демона, протягивает к нему руки. Для Демона это — как откровение.

Пластический спектакль всегда наполнен символизмом, ведь если слова могут трактоваться по-разному, то что говорить о языке танца? Каждый видит в движении тела, взмахе рук, повороте головы что-то свое. По сути, такая версия без слов — это удачный эксперимент, воплотивший в себе не только замысел режиссера-хореографа, но и классический сюжет давно знакомого произведения.

Пластический спектакль нельзя назвать более сложным, чем обычный. Он просто другой. Но для драматического актера играть пластический спектакль — огромный опыт, школа. Благодаря этому ты во многом узнаешь свое тело — буквально достаешь из себя всё, все эмоции, которые не можешь выразить словами. Приятно видеть, что очень много молодых ребят приходят на спектакль — значит, читают, значит, пытаются понять. Если бы я был зрителем «Демона», то точно не остался бы равнодушным, он бы меня тронул, задел. Это главное. Все спектакли должны воодушевлять, они должны быть для чего-то.

Наш диалог прервался — жизнь театра всегда кипит, и Сергею нужно было идти на репетицию другого спектакля. Напоследок он сказал, что считает интересным возможность воплотить образ-без-слов Треплева, персонажа «Чайки» А. П. Чехова. Возможно, в будущем мы сможем увидеть и этот пластический спектакль.

Мы постарались раскрыть разницу между обычной постановкой и версией без слов. Пластический спектакль — это таинство, где хореография, свет, музыкальное сопровождение и костюмы существуют в абсолютной гармонии несколько другой, нежели привычная нам, театральной вселенной. Журнал «Школа. Москва» рекомендует вам посетить постановку «Демон» для того, чтобы убедиться в этом самим.

текст: В. Разводовская фото: Е. Сирина, О. Аносова

Источник

Что такое пластический театр и как его понимать?

Что такое пластический театр, чем он отличается от привычного и как его правильно смотреть.

Фотография: Диана Балаян

Что такое пластический театр?

Пластический театр — размытое понятие. Это и балет, и пантомима, и экспериментальная хореография, как в случае Il Silenzio. Основные особенности: эмоциональная выразительность, стилизованное движение и чаще всего — отказ от использования голоса.

Чем отличается от привычного театра?

Отсутствием слов, а вместе с тем и барьеров: языковых, возрастных, каких угодно. Пластический театр — это больше театр ощущений, где каждый может понять транслируемые эмоции.

Как и в классическом театре, актеры стараются «дотянуться» до зала своей энергетикой, но используют для этого не голос, а тело.

Это немного сложнее: мы легко различаем и воспроизводим эмоциональный окрас голоса собеседника, а вот как показать его с помощью движения? Чтобы понять, как твое тело движется, как в нем отражаются твои чувства, нужна практика, специальные актерские тренинги и наблюдение за собой.

Кто играет в пластическом театре?

В труппе Il Silenzio есть и танцоры, и просто актеры. Далеко не все имеют профильное образование. Главное требование — это чуткость и пластичность. У тебя может не быть десяти лет танцев за спиной, но должно быть понимание своего тела и «дружба» с ним. А еще нужно не бояться открывать себя людям, вкладывать в движение свою энергетику.

Если просто танцевать, не вкладывая в это душу, ничего не получится — зритель чувствует фальшь.

Как создается перформанс?

Сначала выбирается история. Прописываются опорные точки, задача, и начинается работа над постановкой.

Для каких-то сцен движения рождаются сами. Важно прислушиваться к ощущениям: если от материала идут мурашки, значит, все на своем месте. Иногда движение приходит за работой с декорациями. Иногда прямо из жизни, если много наблюдать за людьми, слушать город и не отвлекаться на телефон.

Звук обычно подбирается долго, и репетиции идут под другие треки, а потом, спустя 300 часов прослушанного материала, находишь ту самую музыку. Иногда она меняет хореографию, создает новую — это тонкий момент. В самом конце ставится свет.

Еще важно обрезать все лишнее. Есть порог — 1 час 20 мин., и переступать его нельзя. Так в постановке остаются самые яркие моменты.

Как смотреть пластический перформанс?

Многие пластические спектакли поставлены по мотивам произведений. Если переживаете, что не поймете пластику с нуля, можно прочесть краткое описание, но это не обязательно.

Пластические спектакли не стоит воспринимать, как обычные, здесь зрителю ничего не скажут и не покажут в лоб. Расслабьтесь, отключите сознание и просто погрузитесь в происходящее. Чувствами вы поймете гораздо больше, чем разумом.

«Мне понравился танец в качестве языка повествования. Это было лучше спектаклей, в которых актёры молчат или говорят что-то непонятное: у меня была возможность самой, в зависимости от движений актеров, решить, что они показывают на сцене. К тому же тема, хоть и «попсовая», но близкая и понятная мне, как жительнице Казахстана. Не представляю, как долго артисты репетировали перед выступлением!» — делится впечатлением от просмотра пластического спектакля «Кыз Куу» зрительница Гульнар.

Где смотреть пластический перформанс?

В Алматы действуют два пластических театра: Il Silenzio и FreeDa. Il Silenzio выступает в пространстве Transforma, FreeDa — в собственном помещении. Для Казахстана это новое направление, которое еще ищет собственного зрителя.

Отдельно стоит единственный мим Казахстана — Сергей Червяков, выступающий с сольным спектаклем.

Источник

Пластика как средство театральной выразительности

1. Место пластики в театре: Исторический аспект:

Танец в чистом виде, как отдельный номер, вводился в индийскую драму редко. Зато форма спектакля в целом была, по сути дела, танцевальной. Причиной тому — чрезвычайная разработанность пластической стороны действия, богатство пантомимических средств, используемых при создании сценического образа, прежде всего — высоко стилизованный, часто условный и символический жест. Характерно, что некоторые из этих жестов обнаруживают сходство с жестами ведийского жертвенного ритуала. Преемственность тут очевидна: ритуальный танец заимствовал жестовую символику из жертвенной церемонии, передал ее мистерии, откуда она была усвоена затем театром. Следует также иметь в виду, что весь спектакль шел в музыкальном сопровождении (тоже мистериальное наследие!), и подчиненность движения актера музыкальному ритму делала его тем более танцевальным.
Сказать, что пластика занимает важный аспект в театрах востока, ни чего не сказать. Явно в театрах Японии, Китая, Индии пластика во всех своих интерпретациях основное средство выразительности. Так как в этих странах уделяют больше внимания своим традициям, исполнительское искусство неразрывно связаны со всеми культурными достояниями своего народа. Поэтому пластика является неотъемлемой частью театра востока, и по сей день, что нельзя сказать о европейском театре.
Конечно, в раннем западноевропейском театре пластика не занимала такого места и не играла такой роли как на Востоке. Но, безусловно, имела немаловажное значение.
Рассмотрим на примере итальянской commedia dell’arte. Этот вид театра вышел из уличных праздников и карнавалов. Ее персонажи – некие социальные образы, в которых культивируются не индивидуальные, а типические черты. Пьес как таковых в комедии дель арте не было, разрабатывалась только сюжетная схема, сценарий, который по ходу спектакля наполнялся живыми репликами, варьировавшимися в зависимости от состава зрителей. Именно этот импровизационный метод работы и привел комедиантов к профессионализму – и в первую очередь, к выработке ансамбля, повышенному вниманию к партнеру. Все персонажи commedia dell’arte были маски, поэтому жест, как и текст был так же важен. Жест у актеров был «широкий», не много утрированный, для того чтобы более ярче донести до зрителя весь смысл пьесы. А так как в основном артисты играли на улицах, публика была самой разнообразной, приходилось, для более точного изображения, ярче подавать пантомиму и жест. Комедия дель арте вобрала в себя опыт фарсового театра, однако здесь пародировались и расхожие персонажи «ученой комедии». Определенная маска закреплялась за конкретным актером раз и навсегда, однако роль – несмотря на жесткие типажные рамки – бесконечно варьировалась и развивалась в процессе каждого представления.
Чтобы глубже разобраться в сути вопроса, рассмотрим науку «о законах, которые руководят человеческим телом», основоположником которой является Франсуа Дельсарт – французский учитель пения, создатель своей системы «постановки эстетики человеческого тела» на научной основе (как он её понимал). Этой системой он занялся, после того, как сорвал голос и посчитав, что тому виной – несовершенная методика тогдашнего консерваторского образования. Вот что о нем говорит Волконский С.М. (русский театральный деятель, режиссёр, критик, мемуарист, литератор): «Fran;ois Delsarte посвятил жизнь раскрытию тех законов, которые руководят человеческим телом, когда оно выражает, то или иное чувство. Его можно назвать основателем науки о телесной выразительности. В течение сорока лет он преподавал в Париже. Лучшие артисты его времени ходили к нему, чтобы совершенствоваться в драматическом искусстве, пластике и выразительности…». Артисты, которые учились у Дельсарта, стали более точно играть свои роли, они стали использовать жест, не только так, как чувствовали, а уже конкретно под определенные эмоции, чувства и ситуации. Дельсарт, а в последующем и его ученики систематизировали телесную выразительность.
Режиссерский театр так же приносит изменения в игре актеров. Артисты стали более точно выполнять замысел режиссера, тем самым раскрывая замысел драматурга. Например, провести взглядом по партнёру сверху вниз или снизу вверх, совершенно разный подтекст получается, в одном смысле мы можем испытывать положительные эмоции к персонажу, а в другом отрицательные. Жест стал продолжением мысли, и неотъемлемым действием актера.

2. Театральная пластика: Педагогическая концепция В. Э. Мейерхольда.

Источник

Пластический театр и его особенности

В основе представленной классификации лежит идея об образовании новых жанров и, следовательно, новых языковых форм.

Процесс объединения различных жанровых форм в искусстве в целом начался еще в конце XIX века, но продолжается он и сегодня. В качестве примера можно привести соединение фотографии и движения, что дало нам жанр «немое кино». Затем кино соединилось с драматическими жанрами, что сформировало уже понятное нам современное игровое кино. Такая же ситуация происходит с театром и его жанровым своеобразием.

Пластический спектакль миниатюр «Город Чудес»

Особенностями пластического театра является эмоциональная выразительность, стилизованное движение, элементы пантомимы. Можно сказать, это «три кита». К этим основным элементам стоит добавить дополнительные формы визуального искусства и народного творчества:

Театрально – пластический спектакль «БЛУЖДАЮЩЕЕ ВРЕМЯ»

Пластический театр, безусловно, далек от классического понимания данного вида искусства. Но, тем не менее, все больше театров используют жанровое разнообразие пластического театра в собственных постановках.

ООО «Студия ЛиссЭ» ИНН/КПП 7715880170 / 771501001 119002, г. Москва, ул. Старый Арбат, д. 35, Центральный Дом Актера им. Яблочкиной, вход с пер. Калошин, 3 этаж, 346 ауд.

Способы оплаты: