Что такое станковая композиция

Станковая композиция

Дети легко и увлеченно рисуют на любую тему. Заполняют лист причудливыми линиями, пятнами, необычными образами. Уже с первых шагов ребенок выступает как творец, но творец интуитивный. Учителя, работающие с маленькими ребятами, заметили, что детское творчество подчинено в основном чувству, темпераменту и слабо отзывается на подсказки разума. Но уже в 11 — 12 лет они начинают критически смотреть на свои работы, замечают все больше недостатков, а к 13 — 14 годам часто вообще бросают рисовать, прямо заявляя: «Я не умею».

В чем дело? Отчего так происходит? Сознание и желания возросли, а умения, навыков, профессиональной грамоты нет. Как же сделать, чтобы желание выразить богатство чувств и мыслей в зрительно-пластических образах не угасло, а перешло в другое качество — от бессознательного, интуитивного творчества к умелому, контролируемому разумом? Для этого надо учиться рисовать.

П. Кончаловский. Катенька у окна.
Масло. 1935. 141 х 104.
Семеновский кустарно-художественный музей.

В художественной школе композиция — основная дисциплина. Мы учим работать с натуры, делать наброски с фигуры человека в статике и движении, писать и рисовать на пленэре. Конечно, сразу не достигнуть хороших результатов. Для этого нужен огромный каждодневный труд. Но если любишь дело, то любой труд — радость. Да и по личному опыту знаете: ничтожный труд дает ничтожный результат. Для основательного результата нужно овладеть серьезной профессиональной школой, уметь правдиво передавать натуру во всем ее богатстве и разнообразии. У настоящих мастеров формальные поиски основывались на классической школе, блестящем умении рисовать. Достаточно вспомнить профессионально безупречные рисунки тринадцатилетнего Пабло Пикассо.

Попробуйте для начала самостоятельно выполнить композиции на тему: «Мои летние впечатления». Сюжеты здесь могут быть разные: сенокос, спортивные игры, уборка урожая, туристический поход, привал у костра. Отставьте планшеты с работами, обсудите их. Сразу увидите, что сюжеты разные, а ошибки повторяются. Обычно по всей плоскости листа рассыпаны фигурки, ничем друг с другом не связанные, разобщенные. Людей много, действия тоже, а композиции нет. Что же такое композиция? Это сочинение на заданную или свободную тему, выраженное средствами изобразительного искусства со смысловой и пластической взаимосвязью.

В. Каменев. Летний день (Вид окрестностей Гатчины).
Масло, 1867. 103 х 81.
Таганрогская картинная галерея.

Посмотрите с этих позиций на свои поиски, и поймете, что композиция не просто группа людей, а группа, объединенная единым действием, что смысловая связь обусловливает и пластическое решение. Иначе говоря, движение одного человека, обращенное к другому, вызывает ответное действие.

Конечно, надо и самим испробовать свои силы. Однако с первых шагов станет ясно, как каждому из вас не хватает натурных наблюдений, творческого опыта. Поэтому в каникулы чаще делайте эскизы по наблюдениям и по памяти. Темы подскажет сама жизнь. Материалы для исполнения могут быть разные: простой карандаш, цветной карандаш в сочетании с простым, акварель, гуашь, масло. Чем больше эскизов, тем лучше, так как появляется возможность выбора для выполнения наиболее выразительного окончательного варианта. Наилучший размер для него /4 листа (можно чуть меньше или чуть больше, в зависимости от темы и пропорций первоначального эскиза). Большой размер брать не рекомендуется, он потребует слишком много времени. И потом, вы можете не справиться с большой плоскостью и потеряете интерес к теме. Наш совет: выбирая формат, рассчитывайте свои силы и возможности.

П. Корин. Минин и Пожарский.
Эскиз мозаичного панно для станции метро «Комсомольская кольцевая».
Темпера. 1951. 114,5 х 83
Государственная Третьяковская галерея.

В младших классах художественной школы неумение рисовать вас не смущает. Часто декоративность, плоскостность решения, увлечение деталями и орнаментикой отвлекает внимание от проблем рисунка. Но к 3-му классу, а тем более к 4-му желание воплотить ту или иную тему в зрительных образах должно быть подкреплено умением свободно рисовать фигуру или группу людей в любых движениях и поворотах. Если в старших классах этого умения нет, то постепенно пропадает желание заниматься композицией, так как вы уже видите несовершенство собственных работ. Сознание и желания выросли, а умения и навыков все еще не хватает. Недостает элементарной изобразительной грамотности, профессионализма. Для того чтобы этого не случилось, систематически, каждый день делайте наброски с натуры: всегда и везде. Дома, на улице, на остановках транспорта, за городом, в электричке-повсюду с вами должен быть маленький блокнотик, мягкий карандаш. Увидите что-то интересное — берите на заметку в свою «записную книжку».

Такая работа очень поможет вам. Наброски с натуры тренируют руку и глаз, дают возможность выбрать интересное и выразительное, отбросить случайное. Развивают память и наблюдательность. Кроме того, в процессе этой работы достигается пластическая выразительность линии и тонального пятна. Зарисовки и наблюдения с натуры накапливают ценнейший материал для композиции. Ведь натура дает порой такие неожиданные, выразительные подсказки, какие никогда не придумаешь. Лучше к быстрым зарисовкам и этюдам приступить как раз сейчас, во время летней практики: в зоопарке, на стадионе, на базаре, вокзале, на улице. Причем желательно в рисунке намечать среду, будь то интерьер или пленэр. Можно поставить в классе группу из двух-трех человек специально для наброска или произвольно среди учеников выбрать две-три фигуры и сделать композиционную зарисовку.

Л. Соломаткин. Свидание.
Масло. 1870-е годы. 42 х 38.
Вологодская областная картинная галерея.

Затем занимаемся компоновкой в небольшом формате. Если в предварительных сюжетных почеркушках шел поиск тематический, теперь, когда содержание картины определено,— главная задача: поиск пластически выразительных решений избранного момента. Рисунки небольшого размера выполняются графитным карандашом или монохромно одним нейтральным цветом — умброй, сепией, марсом и другими. Можно черной краской с тональной растяжкой, используя белый цвет бумаги.

Цель — определить освещение, найти контрастное по тону решение, чтобы группы и отдельные фигуры не «влипали» ни друг в друга, ни в фон. Центральную группу композиции лучше выделить светом и цветом, дать ее тонально контрастной к фону и группам второго плана. Естественно, что с первого раза редко получается удачно, нужны варианты, поиски. Работая, учтите, что наиболее ценной является композиция, в которой трудно что-либо добавить или отнять. Это правило особенно важно на данном этапе.

После того как найдено тональное решение и освещение, переходите к разработке соответствующего колорита. Здесь надо попробовать различные гаммы (теплые, холодные), сохраняя распределение теплых и холодных пятен, найденное в монохромном варианте.

На завершающей стадии из массы вариантов выберите наиболее выразительный и исполните его в окончательном формате. Композиция обычно выполняется акварелью и лишь начинающему, не освоившему еще данной техники, можно разрешить пользоваться гуашью или белилами с акварелью. У старших учеников роль белил играет бумага, поэтому работать надо осторожно, чтобы не потерять свет — сначала лучше сделать легкую прокладку (тоном чуть темнее белой бумаги) освещенных частей одежды, лица, волос. Затем, относительно к свету, чуть-чуть усиливаются теневые части. И, наконец, очень внимательно, тонкой упругой кисточкой (лучше колонковой) делаются самые темные (можно по сырому) удары на сгибе колена, локтя и в глубине складок.

В отличие от предварительных вариантов, где цвет берется сразу и сочно в технике «а-ля прима», при исполнении окончательного эскиза композиции, требующего более детальной проработки, допускается многослойная живопись, многократное наложение прозрачного цвета на цвет, постепенное усиление тона. Старайтесь сохранить творческий напор до самого конца, но если появится ощущение усталости, лучше пока оставить работу. Последние поправки и обобщения трудно сделать в один сеанс. Займитесь рисунком, живописью, сходите в музей, на выставку. Свежие впечатления, чередование учебных предметов и постоянное размышление об эскизе помогут вам закончить работу.

А теперь обратимся к репродукциям с картин, помещенных в статье. В каждом полотне действительно трудно что-либо отнять или прибавить, и не только потому, что композиции безупречны. Причины совершенства скорее в реальности, жизненности сюжетов, тщательном отборе выразительных средств, характерных почерках и профессионализме художников.

Сравните иллюстрации. Тонкими психологическими наблюдениями проникнута картина Л. Соломаткина «Свидание». Романтикой подвига веет от эскиза мозаики П. Корина. Трогательно-лиричен холст П. Кончаловского «Катенька у окна». Зимний пейзаж подчеркивает тепло и уют комнаты, где задумчиво играет девочка, возможно, только что вернувшаяся с прогулки. Сельский мотив В. Каменева повествует о красоте единения человека с природой.

Произведения мастеров, принадлежащих русской художественной школе, наглядно показывают, как самобытно можно реализовать собственные наклонности. Если проследить становление каждого, то убедимся, что яркие индивидуальности авторов выросли и окрепли в результате упорной, строгой и последовательной подготовке к профессии художника.

В. Рябова, преподаватель художественной школы

Источник

Станковая композиция

Станковая композиция — это создание картины на станке — мольберте.

Термин композиция (от лат. Composition) обозначает сопоставление, соединение частей в единое целое в определенном порядке. Это творческий процесс создания произведения искусства от появления замысла до его завершения. Для раскрытия содержания картины необходимо применение законов, правил и приемов, служащих наиболее выразительному решению замысла. Изучению законов композиции посвящены занятия по станковой композиции в художественной школе.

Навыки и умения

В Шлиссельбургской детской художественной школе станковая композиция является одной из главных дисциплин, потому что дает возможность реализовать знания, полученные на уроках рисунка и живописи.

Программа станковой композиции рассчитана на весь курс обучения — 5 лет.

Темы для станковой композиции во всех классах подобраны на основе наблюдения и изучения произведений старых мастеров и натуры: природы и ее явлений, анатомии и пластической выразительности фигур человека и животных, развитие творческой фантазии при работе с литературными источниками, работа по памяти и представлению.

Ученики нашей художественной школы получают базовые навыки:

Техники и инструменты

В основном станковая композиция выполняется на простой плотной бумаги (ватман), после чего покрываются колерованной шпатлевкой. Также используется цветной картон и бумага.

Инструменты, используемые на предмете:

Преподаватель

Гоголева Ольга Дмитриевна закончила в 1987 году Ленинградский инженерно-строительный институт, архитектурный факультет. Работает преподавателем с 1993 года, с 1995 года преподает в Шлиссельбургской детской художественной школе станковую композицию и декоративно-прикладную композицию.

Источник

Основные законы станковой композиции

Применение материала для 1 класса дополнительной предпрофессиональной общеобразовательной программы в области изобразительного искусства «живопись» по учебному предмету «Композиция станковая»

Пояснительная записка

Цель: помощь в формировании мировоззрения ребенка, построении композиции, воспитание художественно-образного мышления, вкуса, восприятия красоты природы, человеческих отношений в искусстве; воспитание у ребенка умения воплощать свои замыслы в художественные формы путем простых законов композиции.
Задачи: развитие композиционного мышления, освоение определенного объема знаний, умений и навыков, которые позволяют учащимся вести самостоятельную работу над станковой композицией.
Актуальность: разнообразные формы и содержание заданий по композиции направлены на развитие творческого потенциала ребенка. Задача преподавателя сохранить качества, характерные для детей, свежесть и непосредственность восприятия, богатство воображения, эмоциональность эстетического отношения к цвету, к ритму, увлеченность процессом изображения.

Основные законы станковой композиции

Композиция (compositio — лат.) в переводе буквально означает со-расположение. Мы под этим термином понимаем сочинение вообще, упорядоченное соединение элементов. Художники, страстно бьющиеся над своим очередным шедевром, в сотый раз изменяя цвет и форму, добиваясь совершенства работы, иногда с удивлением обнаруживают, что их палитра, где они просто смешивали краски, оказывается тем самым сверкающим абстрактным полотном, которое без всякого предметного содержания несет красоту.

Независимо от конкретных художественных задач, жанров, манер, образов, нравственных посылок, художник при создании композиции использует всего несколько формальных приемов. Бесконечно широкий диапазон конкретных результатов обеспечивают те средства, те инструменты композиции, которые, оставаясь формальными, являются уже носителями эстетических категорий, отвечают нашему чувственному восприятию мира.

Это и ритм, и контраст, и цвет, и чувство пропорции, и другие проявления нашего осознания порядка в природе.

Итак, 5 главных законов композиции:
1 Формат.
2. Подчиненность второстепенного главному, зрительный центр.
3. Взаимосвязь и целостность.
4. Ритм, движение.
5. Уравновешенность.

1. Формат. Отдать предпочтение какому-либо из средств композиции, принять их неравнозначность совершенно невозможно, поэтому в последовательности их рассмотрения — чистая случайность. Правда, одно из средств можно по порядку поставить первым. Композиция, как правило, начинается с выбора определенного формата — вот это и будет первым средством композиции.

Формат, если он задан заранее, непосредственно становится одним из средств композиции, потому что соотношение сторон и абсолютный размер листа сразу определяют возможные формы композиции, степень ее детализации, дают как бы зародыш композиционной идеи. Кроме прямоугольного, формат может быть овальным, круглым, многоугольным и вообще любым, в зависимости от этого меняются и композиционные задачи.

Главное или зрительный центр не обязательно может быть более крупным, он может быть и самым маленьким предметом, но он должен выделялся от остальных кружков, например: а) тоном, б) контрастным цветом, в) фактурой, г) детальной прорисовкой.

3. Взаимосвязь и целостность.

Рассмотрим так же на примере с кружками.
В первом варианте все круги находятся на одинаковом расстоянии, друг от друга, взаимосвязи предметов в рисунке нет, предметы находятся в одной плоскости, нет пространства, не целостности рисунка.

Целостность нельзя понимать как непременно некий спаянный монолит; это ощущение сложнее, между элементами композиции могут быть промежутки, пробелы, но все-таки тяготение элементов друг к другу, их взаимосвязь зрительно выделяют изображение или предмет из окружающего пространства.

4. Ритм, движение.

В живописи, графике, скульптуре, декоративном искусстве ритм присутствует как одно из важнейших выразительных средств композиции, участвуя не только в построении изображения, но и зачастую придавая содержанию определенную эмоциональность.
Ритм может быть задан линиями, пятнами света и тени, пятнами цвета.

Можно использовать чередование одинаковых элементов композиции, например фигур людей, их рук или ног. В результате ритм может строиться на контрастах объемов и величин.

Рассмотри примеры рисунков. На первом варианте расположение горы, реки вдоль линии листа. Деревья одинаковые по размеру и нарисованы четко вертикально, таким образом получается клетка. Нужно избегать подобных расположений. 1 вариант не верен.

2 вариант рисунка. Ритм присутствует в величинах: деревья, горы. Линия земли хотя и параллельна листу, но земли очевидно больше. Ритм всегда подразумевает движение.

Ритм может быть выражен слабо, когда изменения чередований или самих элементов едва заметны, но он может быть и настолько сильным, мощным, что становится ведущим началом композиции. Цветовой ритм создает своеобразный цветовой климат.

5. Уравновешенность.

2 вариант. Как можно выйти из положения.

б) Нарисуем облачко. Хорошо, но картина не уравновешена.

Основная черта симметричной композиции — равновесие. Оно настолько крепко держит изображение, что является по совместительству и базой целостности. Симметрия отвечает одному из самых глубоких законов природы — стремлению к устойчивости.

Строить симметричное изображение легко, достаточно только определить границы изображения и ось симметрии, затем повторить рисунок в зеркальном отражении. Симметрия гармонична, но если всякое изображение делать симметричным, то через некоторое время мы будем окружены благополучными, но однообразными произведениями.

Художественное творчество настолько далеко выходит за рамки геометрической правильности, что во многих случаях надо сознательно нарушать симметрию в композиции, иначе трудно передать движение, изменение, противоречие.

Асимметричные композиции не содержат оси или точки симметрии, формотворчество в них свободнее, однако нельзя думать, что асимметричность снимает проблему уравновешенности. Наоборот, именно в асимметричных композициях авторы уделяют особое внимание уравновешенности как непременному условию грамотного построения картины.

Возвращаясь к композиции, отметим, что художник волен работать в любой форме, но должен быть мастером — в гармонии элементов, колорите, выразительности идеи произведения, во множестве частных задач картины, которые поднимают работу до высот художественного произведения.

Пикассо вполне серьезно говорил, что почти никогда он в начале работы не знает, как закончит произведение.

Композиция чутко отзывается на приемы и средства, применяемые художником, но в то же время существует самостоятельно, свято соблюдая свои законы, и проявление этих законов заключено в главных законах композиции: целостности, уравновешенности, ритме, движении и подчиненности второстепенного главному.

Источник

Станковая живопись – определение, материалы, жанры и тонкости написания

Портрет, натюрморт, пейзаж, сюжет – это жанры, относящиеся к станковой живописи. А почему именно «станковая живопись»? Все потому, что название происходит от слова “станок”, т.е. это живопись, выполненная на мольберте.

Кстати, слово мольберт (от «Malbrett») имеет немецкие корни и расшифровывается как “доска для рисования”.

Станковая живопись – это род живописи, независящий от каких-либо объектов и является полностью автономным художеством. Например, есть монументальная живопись, которая привязана к архитектурным строениям. Она подразумевает украшение стен, потолков и других строений. Есть декоративная живопись – роспись стекол, одежды, посуды, мебели и т.д. Но станковая живопись воспринимается как самостоятельная единица. Это словно окно в другую реальность или время.

Самыми известными художниками этой живописи считаются: Пабло Пикассо, Винсент Ван Гог, Иван Айвазовский, Михаил Врубель, Диего Веласкес и другие.

4 основных жанра станковой живописи

Мир живописи огромен! И чтобы это как-то разграничить, начали появляться жанры станковой живописи, которые помогали художникам сориентироваться в своей сфере и обобщить художественные особенности.

Интересно! Когда-то было время, в котором каждый жанр имел свой ранг. Самыми низкими считались жанры пейзаж и портрет, а высшим по рейтингу был сюжетный жанр исторической разновидности. Еще тогда знаменитый Вольтер считал эти установки несправедливыми. Для него все жанры были хороши, не считая скучных.

1. Портрет.

Перед художником этого жанра стоит непростая задача. Чтобы написать портрет человека, нужно иметь опыт и зрелое мастерство. Кажется, что это легко, но портрет должен не просто быть схожим с оригиналом, а и быть живым.

Как говорил Крамской – «написать надобно бы так, словно оно улыбается, не то нет, теперь как губы дрогнули, словом, черт знает что, живой!».

Вспомните, наверняка вы видели портреты, на которых изображен человек с точной схожестью. Но что-то в нем было не так, будто подменили его. Схож, но не похож. Знакомо?

2. Пейзаж.

В этом жанре художник передаёт зрителю всю полноту переживаний и эмоций от восприятия природы: морской вид, ландшафты, строения и т.п. Художник не только изображает природу определенного места, а и вкладывает в картину своё мировоззрение, настроение и мысль, связанное с объектом.

Интересно! Если вспомнить знаменитую «Владимирку» И. Левитана, картина сразу же вызывает какое-то чувство скорби, грусти и тяжести. А ведь на картине изображена дорога, по которой арестантов гнали на каторгу в царские времена.

Нельзя не упомянуть мастеров советского пейзажа:

3. Сюжет

У сюжетной живописи существует 5 подвидов: исторический, бытовой, мифологический, религиозный и батальный. Сей жанр требует от художника восстановить всю полноту событий – атмосферу, людей, жизненные приоритеты, время, чувства и т.д. Словно живописец возобновляет один, но очень яркий и точный фрагмент из прошлого.

Некоторые картины этого жанра могут восприниматься человеком легко. А другие могут требовать каких-то познаний в области и особого внимания (например, религиозные или мифологические картины).

Что касается бытового подвида, тут мастер акцентирует наше внимание на обыденных вещах в повседневной жизни так, что на картине они воспринимаются по-новому и необычно.

С улыбкой вспоминаются персонажи Анатолия Козельского: надо же, столько юмора и фантазии – восхитительно!

4. Натюрморт.

Это французское слово расшифровывается как «мертвая природа». Живописец этого жанра изображает неодушевленные предметы: еду, интерьер, цветы и т.п. Но это отнюдь не слепое повторение формы и цвета объекта, художник также оставляет на картине свои думы, настроение и переживания.

В своих натюрмортах «Снедь московская. Мясо, дичь» и «Снедь московская. Хлеба» И. Машков передает свое восхищение и ликование от даров природы, а также жизнеутверждающий взгляд и оптимизм, который всегда был свойственен советским людям.

Как мастера пишут станковую картину?

Классика станковой живописи – холст, масляные или темперные краски. Иногда используются пастель, акварельные краски, гуашь и даже тушь (на дальнем Востоке). Ну и никуда без старого, доброго мольберта. Уже прошли столетия, а это все тот же трех- или четырехногий инструмент.

Кстати, знали ли вы, что в прошлые века в качестве основы для станковой живописи использовали дерево? На Западе художники брали рисовую бумагу, шелк и пергамент. Но сейчас, конечно же, это проклеенный и прогрунтованный холст.

Так сложилось исторически, что чаще всего картину пишут маслом. Краски долго сохраняют яркость и свой цвет.

Не реже используют и темперные краски. Они отличаются равномерной просушкой и не дают трещин (кракелюр), как это может случаться с некоторыми масляными красками. Темпера – это строгая и жесткая техника. Например, для перехода тонов живописец накладывает один слой на другой, а объем выявляется путем изменения тона пигмента либо штриховкой.

В заключение

Опытный мастер не сразу берет кисть и начинает творить шедевры! Сначала художник начинает с эскиза, потом занимается контурами обстановки, формами предметов и построением будущей картины (композицией).

Когда это готово, художник приступает к изучению людей, обстановки, нужных поз, света, психологического настроя и т.д. Все это дает художнику сложить готовую картину в голове, уже после чего, он начинает писать. Только так картина получается живой и становится объектом нашего восхищения.

P.S. Пара слов об обучении станковой живописи.

В России обучение станковой живописи проводится в художественном училище имени Г.К.Вагнера (Рязань), в институте имени В. Сурикова (Москва) и в институте имени Е. Репина (Петербург).

Источник