Что такое стиль в рисовании определение
Стиль художественный. Как художнику найти свой стиль в рисовании? Часть I
Давайте разберём само определение, проанализируем его и сделаем выводы.
Итак, краткий словарь по эстетике даёт такое понятие:
Огромный набор всего и сразу!
— Стиль в широком смысле (например: стиль эпохи, страны в целом и другое) отличается от стиля художника.
Главное, что стиль не появляется сам по себе от одного желания творца, он формируется во вполне конкретное время и в определённом месте, и обусловлен рядом факторов: исторический период, менталитет, политическая ситуация, традиции, мировые и культурные открытия, влияние опыта предыдущих эпох, предчувствие будущих перемен и так далее.
Помимо всего вышеизложенного, стиль включает в себя:
+ Манеру письма/рисования (как художник кладёт мазки, штрихи; как соблюдает технологию материалов, как преобразует и модернизирует классическую технику живописи и рисунка; как тщательно прорисовывает детали и другое)
+ Философию автора (личные убеждения, гражданская позиция, выбор точки зрения на явления или события, способ осмысления реальности, особенности трактовки, религиозные убеждения, отношение к действительности, деление на бытовое и возвышенное и многое другое).
+ Жанр (описывает художник современные события или исторические эпохи, его интересует предметный мир или природный, человек и его психология или то, как он взаимодействует с социумом, животные или растения, море или лес, цветы или архитектура?)
+Технику (живопись или графика? Масло или акварель? Пастель или гравюра? А может быть собственная уникальная или смешанная техника?)
+ Тему (о чём интереснее всего повествовать или рассуждать: о прекрасном и безобразном; что хорошо, а что плохо; маленький персонаж в большом мире или влияние личности на масштабные события; отношения между людьми или между человеком и природой?)
Что такое стиль в рисовании определение
(Перевод статьи Tara Leaver «Finding your own artistic style: A practical guide» —
У многих из нас поиск своего собственного узнаваемого художественного стиля вызывает большие трудности. И это относится не только к новичкам в рисовании, но также затрагивает и художников со стажем.
Возможно вы начинаете сомневаться еще до того, как кисть прикоснется к холсту, вспоминая разные критические замечания ваших учителей, или попросту теряясь в огромном количестве различных возможных идей и вдохновении, полученных с разных курсов. А может и то, и другое сразу!
Неудивительно, что когда вы найдете свой стиль, вы почувствуете себя просто изумительно!
Сегодня я вижу несколько простых способов как найти и развить свой собственный стиль.
Он есть у каждого человека, просто нужно помочь ему проявить себя. Мы развиваем его через постоянную практику и упражнения, но есть еще и бессознательная часть, та, что идет не через «руки», а от сердца.
Я знаю, что эта мысль кажется очевидной, тем не менее именно такое сочетание позволяет нам начать работать над выработкой нашего индивидуального стиля. Полученная извне, эта идея дает вам возможность более четко представить, с чего лучше начать познавать свое творчество и искать свой стиль.
Все, что вы прочитаете ниже, не является исчерпывающей информацией по этой теме. Это лишь отправные точки для вас в поисках собственного пути.
Возьмите свою последнюю работу, положите её так, чтобы вам было удобно её рассматривать. Последовательно отвечайте на вопросы, попутно отмечая свою реакцию и наблюдения. Если хотите, можете сделать письменные пометки.
Мы отправляемся на поиски сокровищ!
Главное сокровище — это ваше собственное творчество.
Задумайтесь над тем, что вы рисуете чаще всего
Лично я стараюсь запоминать свои предпочтения в сюжетах, как часто я работаю над той или иной темой. А где-то дома у меня лежит и листок из блокнота, куда я записываю эту информацию. Так что, когда я чувствую затруднения с ответом на вопрос о моей любимой теме в рисовании, то заглядываю в себя или этот листок.
Итак, я люблю рисовать лодки! А ещё рыб, фигуры и деревья.
Список любимых тем не должен быть абсолютно полным или исчерпывающим на данном этапе. Достаточно выделить для себя несколько из них, чтобы иметь отправную точку.
Подборка работ с экспериментами и творческими поисками на тему деревьев. Вы можете увидеть общие черты, связывающие работы — извилистые линии и контурный рисунок.
Какие цвета вы любите?
В мою рабочую палитру в последнее время входят aqua, голубая, непальская желтая, флуоресцентная розовая и белая, в качестве которой я использую акриловый грунт gesso. Это дает мне хороший диапазон темных, средних и светлых тонов. Я получаю искреннее удовольствие от игры с этими цветами, они полностью отвечают моим нуждам и потребностям в данный момент.
Слева — моя фотография, справа — рисунок по ней. Я использовала цвета из «моей» палитры и экспериментальную технику.
Какие у вашего стиля особенности?
Особенности моего стиля — контурные линии, часто неровные и размытые, иногда «грязные» по цветовому решению. Я вдохновляюсь работами Эгона Шиле (Egon Schiele). Я тоже люблю нервные цветовые контрасты, изощренно-гибкий рисунок.
Проанализируйте, какие приемы вам особенно нравятся и близки, дарят чувство удовлетворения своим творчеством. Развивайте их, придерживайтесь в своих будущих работах.
Рисунок рыбы, выполненный чернилами орехового оттенка. Эксперимент с линиями.
Какая техника, художественный материал вам нравится?
Я очень люблю работать с масляной пастелью. Но больше всего мне нравится работать с акрилом и использовать в работах медиум. Это позволяет мне контролировать процесс высыхания красок, играть с результатом. Высыхает всё быстро и так же легко чистится.
Если у вас есть одна любимая техника, то это значит, что вы сможете исследовать все её возможности, улучшить свои навыки, а значит и свои работы в целом.
Я не пользовалась референсами для этой работы. Тут лишь два моих любимых материала — акрил и масляная пастель.
Что вас вдохновляет?
Итак, мы рассмотрели основные вопросы, на которые нужно обратить особое внимание в поисках своего стиля. Теперь давайте немного отвлечёмся, посмотрим на работы других художников и подумаем над тем, что бы мы могли позаимствовать у них для себя.
Я рекомендую заняться этим после того, как вы ответите на четыре предыдущих вопроса. Перед тем, как начать рассматривать и оценивать работу других художников, вам нужно для начала разобраться со своим творчеством.
Если вы уверены в том, что выделили для себя основные черты своего творчества, это упрощает вам поиск работ других художников, близких вам по стилю и видению мира. Вам будет проще оценивать их работы, и искать особенности, которые вы хотели бы добавить к своим работам, своему стилю.
Когда вы дойдете до этого момента, я рекомендую вам ознакомиться с сайтом Pinterest.
Он создан для того, чтобы собирать и делиться визуальной информацией. Там море различных картинок, фотографий и изображений. Задайте несколько ключевых запросов, посмотрите на результат.
Вы можете создать свою персональную доску, на которую будете собирать (прикалывать — Pin it!) все, что вас вдохновит и заинтересует, будь это интересная композиция на одной картине, цветовая палитра другой, стиль художника на третьей или сюжет четвертой.
На своей доске я не собираю картины других художников. Я поступаю так не потому, что они меня не вдохновляют. Просто я хочу быть свободной от того, что рисовали другие художники в тот момент, когда я начинаю творить, искать свои собственные сюжеты и решения.
В этом вам частично помогут референсные фото (фото-исходники для рисования). Они могут сослужить вам хорошую службу, так что держите их всегда под рукой или сохраняйте на доске в Pinterest фотографии, которые вдохновляют вас.
Кроме того, внимательно приглядевшись к собранным вами фотографиям, вы непременно увидите подсказки о том, что вам интересно в данный момент, и что дальше делать.
Да, Pinterest как кроличья нора! Если вы не можете оторваться от него, поставьте таймер.
Слева — фото из Pinterest, справа — моя работа, на которую меня это фото вдохновило.
Вы можете задать себе лишь ОДИН вопрос, и пусть это будет: «Что вдохновляет меня именно сейчас?»
Я всегда задаю его себе, если не уверена с чего начать или не могу вспомнить как «я» рисую. Он позволяет мне идти по моему собственному пути.
Подумайте о том, что вы хотите нарисовать именно сейчас, подберите референсные фотографии, если они вам необходимы, несколько любимых цветов из вашей палитры, и рисуйте в технике, которая вам нравится.
Итак, вы готовы. Что же вы нарисуете?
Буду признательна за репост статьи!
Еще полезные переводные материалы по рисованию:
Гайд по стилям живописи: от наскальных рисунков до современности
Живопись — одно из самых ранних проявлений человеческого творчества. Стили, направления и жанры в изобразительном искусстве очень разнообразны и многогранны. Единый принцип художественного мышления — важнейшая характеристика, согласно которой работы мастеров можно отнести к тому или иному направлению.
Живопись, в зависимости от периода, продиктована разными правилами, и врожденное желание художников к новаторству привело к появлению множества периодов, которые кратко описаны в этой статье. Чтобы рассмотреть примеры картин для каждого стиля — кликните на изображение.
Доисторическая живопись
Доисторическая живопись — это название, которое функционировало в истории только с 19 века. Данный период восходит к палеолиту, настенные и наскальные рисунки сохранились до наших дней. Творчество первых людей проявилось в настенных росписях. Эти чрезвычайно простые по форме картины были выполнены примитивными красками, состоящими из растительных красок и глины. Инструментом художника была рука или мох, служившие кистью, и полая кость, используемая для распыления краски. Предметом того периода были сцены битвы животного и охотника, в которых художники сосредоточились на наиболее детальном изображении фигур животных, а человеческие фигуры трактовались как просто очертания, контур.
Творчество Древнего Египта
Античность (400 г. до н.э. — 400 г. н.э.)
Античность характеризуется значительным повышением уровня рисования по сравнению с доисторическим периодом. Это результат появления первой кисти, созданной, в том числе, с щетиной. Основными центрами античной живописи были Греция, Рим и Египет.
Греческая живопись обычно проявлялась на сосудах, поэтому историки и назвали ее вазовой росписью. Была также настенная роспись, некоторые образцы которой сохранились до наших дней. В своих произведениях греки обычно изображали мифологические сцены, судьбы богов и героев. Однако были и образы из повседневной жизни.
Дух римских произведений представлен рисунками мастеров Помпеи, ведь именно в Помпеях было найдено большинство фресок того периода, на них изображены сцены из мифологии, пейзажи, портреты и натюрморты. Часто римские фрески имели нарисованные рамы, которые напоминали станковые картины.
В древнеегипетском творчестве основное внимание уделялось религии и батальным сценам. Египетские художники увековечили победы армии фараона, но никогда не увековечили ее поражение. Одно из самых известных проявлений египетской культуры — погребальные фрески, выполняющие как декоративные, так и религиозные функции. Влияние античной и, прежде всего, римской живописи прослеживается как в раннехристианском искусстве, так и в византийском творчестве.
Средние века (476 — 1492)
В то время происходило бурное развитие живописных техник, в основном рисование на доске, преобладала темпера в средние века, затем масло и фрески. Характерной чертой картин этого периода является отсутствие перспективы, из-за которой изображение кажется плоским. Анатомический реализм не соблюдался, отсюда не соответствующие пропорции тела.
Лейтмотивом средневековья была религия, изобразительное искусство развивалось преимущественно в церквях и касалась почти исключительно сферы сакрального. Это искусство должно было отдать дань уважения Богу, такие фигуры, как Христос, Мария или Апостолы, всегда помещались в центре картины. Эти фигуры также преобладали по сравнению с остальными человеческими фигурами. Благодаря сакральному стилю того времени отдельные части росписи были богато украшены золотыми хлопьями. В конце средневековья зародилась пейзажная живопись, известная нам сегодня как пейзаж.
Культ божественности навязывал анонимность подавляющему большинству художников того периода, однако наиболее узнаваемыми из них являются:
Готика
Готический стиль живописи зародился примерно в середине 12 века во Франции. Это было развитие и усовершенствование достижений католицизма, который руководствовался желанием показать совершенство и силу Бога. Высокие и просторные храмы создали новое поле для художников, занимающихся скульптурой и изобразительным искусством.
Это было искусство формовки блоков из камня или дерева, которое впервые развилось как неотъемлемая часть архитектуры. Новаторские готические скульптуры появились в базилике Сен-Дени (середина XII века). Они были тесно связаны с храмом, были в первую очередь декоративными элементами.
Начало готики относится к тринадцатому веку в Италии, но наиболее важным направлением в готической живописи было голландское искусство, которое было источником вдохновения для более поздних художников. Основные представители стиля:
Ренессанс (1476 — ок. 1510)
Эпоха Возрождения была экспериментальной и новаторской эпохой, почти полностью противоположной средневековью. Картины этого периода порвали со сферой священного за счет инсценировки жизни сильных мира сего. Большую популярность приобрели портреты и автопортреты, что полностью противоречит средневековой анонимности.
Техника живописи чрезвычайно развивалась, экспериментировали с масляными красками, с цветом и вводили перспективу. Картина начала приобретать черты, которые мы сегодня считаем прототипом. Они начали массово рисовать на холсте, использовать светотень и более глубокую лепку.
Художники эпохи Возрождения прилежно изучали анатомию человека, их очаровывал человек и красота человеческого тела. Был культ гармонии и пропорции. Вдохновение пришло как из Библии, так и из мифологии. Персонажи часто изображались на фоне пейзажа, всегда реалистично, в естественных позах. Невозможно оценить то огромное влияние, которое Ренессанс оказал на все последующие направления творчества. В частности, он обязан этим своим чрезвычайно талантливым представителям, некоторые из которых оставили свой след на страницах истории не только в художественной, но и в технической и медицинской областях.
Маньеризм (1520—1590)
Считается крайне причудливым направлением искусства. Он отвернулся от реализма эпохи Возрождения, изменился способ изображения человеческих фигур и природы. Для этого периода характерен аллегорический характер произведения, он был перегружен различными символами, взятыми из мифологии, Библии и истории.
Маньеризм был чрезвычайно выразительным, полным экстравагантности и красок. Ренессансная гармония также исчезла, ее сменили деформации и неправильные линии. Этот стиль обычно считается введением в барокко, и его представители включают:
Барокко (конец XVI — первая половина XVII века)
Название барокко означало причуды и нестыковки в искусстве. Работы в стиле барокко отличалась большой формой, размахом и смелостью. Усовершенствована реалистичность человеческих фигур, простые люди стали моделями. Динамика персонажей также стала важным элементом. Светотень была очень важным аспектом живописи, и многие художники того периода посвятили себя развитию навыков в этом направлении.
Наиболее популярными видами работ были: пейзаж, натюрморт, портрет и жанровые сцены. В произведениях была явная асимметрия и максимально достоверное отображение действительности во всех ее аспектах.
Тематика работ была чрезвычайно разнообразной, преобладал так называемый тематический эклектизм, христианская символика сочеталась с мифологией. Также были нарисованы эротические и драматические сцены, такие как сражения, жестокие расправы и похищения. В то же время развивался натюрморт, который вместе с мотивом черепа символизировал уход земных ценностей. Хотя в последующие века барокко называли веком безвкусия, никто не может отрицать талант таких художников, как:
Рококо (ок. 1720-1790)
Считающееся продолжением барокко, рококо внесло изменения в технику. Они начали рисовать светлее, с утонченностью, драматические темные цвета сменились светлыми светлыми цветами. Большой популярностью пользовались женские портреты, рисовались маскарады, сцены из комедии дель арте, театральные постановки и обнаженные тела. Возрос интерес к теме любви и игры.
Художники использовали мифологических божеств, таких как Афродита, Эрос и Дионис. Портреты стали меньше и интимнее. Рококо считалось салонной живописью, не несущей более глубокого смысла, но некоторые художники придавали ей нравоучительный характер, указывая на недостатки и слабости людей в своих работах. Наиболее важными художниками стиля рококо были:
Классицизм (конец XVIII — конец XIX века)
В классицизме произошло возрождение античной культуры, которое в Европе с эпохи Возрождения называлось «возвращением к истокам». Как доминирующий стиль эпохи, он оказал большое влияние на формирование маньеризма, барокко и рококо. Вернулись мифологические и исторические темы. Была также иллюстрирована современная политическая жизнь и даже добавлены элементы пропаганды.
Классицизм — период дальнейшего развития портрета. Классицизм отказался от светотени и эффекта «затуманивания» в пользу четкого контраста цветов. Классическая живопись отличается четко очерченным контуром, холодными цветами, гладкой фактурой и статичностью. К художникам этого периода относятся:
Романтизм (1800–1840)
Главная черта романтизма — противоречие, которое отражается в неоднородности живописи этого периода. Однако были общие черты, такие как глубокая эмоциональность и индивидуальность образов.
Художник использовал кисти и холсты, чтобы раскрыть себя и расширить границы. Работы получились чрезвычайно выразительными, что хорошо видно по размашистым мазкам кисти. Тематика романтизма была очень обширной, картины отражали политическую обстановку, руины, кладбища. Пьеса, полная драматургии, повсеместно восхищалась природой и придавала ей более глубокий смысл, а в моде царило таинственное настроение. Романтизм с его турбулентностью породил импрессионизм будущего. Среди художников романтизма:
Авангардизм
Авангард — совокупность тенденций и направлений в искусстве 20 века, отвергающих существующие стили, создающих свой мир, не имитирующих реальность, ищущих отдельный язык выражения. Художники-авангардисты отвергали культурные достижения и искали новые оригинальные идейно-художественные решения. Явление возникло примерно в 1910 году и было связано с появлением новых направлений в искусстве, таких как: футуризм, экспрессионизм, кубизм, дадаизм, сюрреализм, фовизм, конструктивизм, концептуальное искусство и др. Известные авангардисты:
Модернизм (XIX — XX век)
Реализм (вторая половина XIX века)
После Февральской революции во Франции повсеместная усталость от романтических тем за короткое время распространилась по всему континенту. Художники отошли от индивидуализма и идеализировали тему живописи в пользу приземленного.
Период реализма принес с собой значительное упрощение композиции, приглушенные цвета и освещение изображения. Более того, от пафоса почти полностью отказались, отказавшись от украшений, и искусство стало предельно скромным. На полотне вместо фантастических и гордых фигур стали изображать жизнь и проблемы обычных людей. Изображенная реальность должна была быть как можно более ложной. Часто изображались сцены тяжелой работы, сельской жизни и очень сдержанные пейзажи.
Художники периода реализма:
Символизм (вторая половина XIX века)
Символизм развивался одновременно с реализмом. Символисты выступали против промышленной революции, их не интересовал культ науки, им противился универсальный материализм.
Изменилась техника рисования, чтобы выразить эмоции и чувства, им подчинены форма и цвет. Особенность стиля в том, что в отличие от натуралистов, символисты пытались выразить человеческие психологические проблемы и представить метафизическое содержание. Их не интересовали рациональные знания.
Символизм не только восстановил маньеристические аллегории, но и ввел образы загадки, которые для полного понимания необходимо подвергнуть глубокому анализу. Основным средством выражения были символы, которые создали особый язык искусства, служащий для выражения переживаний художника. Читать подробнее о символизме ➤
Самыми известными художниками этого стиля являются:
Импрессионизм (вторая половина XIX века)
Название этого стиля происходит от работы Клода Моне “Впечатление. Восходящее солнце”. Импрессионизм произвел революцию в технике живописи, введя дивизионизм, который заключался в рисовании пятен, близких друг к другу, в одном цвете, смешанных не на палитре, а только на холсте.
Издалека это придавало изображению эффект размытия. Импрессионисты изображали современность, веселых, расслабляющих людей и природу. К наиболее выдающимся мастерам стиля импрессионизм относятся:
Примитивизм (ХХ век)
Примитивизм — это направление в искусстве, восходящее к народной культуре. Что отличает примитивизм, также известный как наивное искусство, это упрощение форм и склонение к крайнему реализму.
Вдохновением для этого направления послужило народное творчество, рисунки детей и душевнобольных. О примитивном стиле живописи заговорили в конце 19 века во Франции. Именно в Париже открылось первое объединение энтузиастов примитивизма — Салон независимых художников, созданный в 1884 году. И первые два десятилетия ХХ века — настоящий расцвет искусства в духе этого направления. Представители стиля примитивизм:
Супрематизм
Супрематизм — это направление в абстрактном искусстве, центральное явление русского авангарда, которое изобрел Казимир Малевич в 1915 году.
Само слово «супрематизм» представляет собой конгломерат двух терминов из латинского и греческого языков, которые в совокупности означают то же, что и «высшее поле». Это направление предполагало тотальную оторванность творчества от реальности, какой мы ее знаем: ее органических форм, цветовой изменчивости, а зачастую и неопределенности. Малевич постулировал разрыв с любой формой повествования и объективности на холсте и попытался найти идеальную, наименьшую единицу в искусстве, которую он называл «живописным атомом». Представители супрематизма:
Постимпрессионизм (рубеж 19 и 20 веков)
Постимпрессионизм частично связан с импрессионизмом, однако он имел много отличительных и даже противоречивых черт. Он чрезвычайно разнообразен по форме, отказываясь от подражания природе в пользу автономии художника. Работа сама по себе является ценностью. Одной из многих форм, используемых постимпрессионистами в дополнение к станковой живописи, был плакат.
Сюжеты картин были очень разнообразными. Написаны натюрморты, автопортреты, пейзажи и различные ситуации из жизни горожан и крестьян. Важнейшие постимпрессионисты:
Фовизм (начало 20 века)
Стиль живописи фовизм возник с концом постимпрессионизма. Очень короткий период его существования (1905 — 1908) считается началом художественной революции ХХ века, а название фовизм происходит от французского les fauves, что означает «дикие животные». Фовизм сочетает в себе живые и обособленные цвета, выражает истинное выражение цветов. Форма была значительно упрощена, и все это было сведено к двухмерным плоскостям. Часто гротеск использовался для обозначения привязанности. Темой было первобытное и народное творчество. Именно от них исходит блеск красок, жестокость, простота и животность фовизма. Основными представителями этого направления являются:
Экспрессионизм (начало 20 века)
Техника живописи периода экспрессионизм основана на сильных и четких мазках кисти. Экспрессионисты проявили себя очень яркими и контрастными красками. Характерными чертами картины данного периода были деформация форм, размытые контуры и общее преобладание формы над содержанием.
Работы экспрессионистов часто изображают ужас, уродство и тайну, объединенные в атмосферу повсеместной тревоги. Целью экспрессионистов было освободиться от всего, что им навязывает реальность, и реконструировать это в соответствии со своими чувствами, поэтому предмет экспрессионизма практически безграничен. Предшественниками экспрессионизма считаются:
Кубизм (20 век)
Это направление возникло в Париже, его предшественниками были Пабло Пикассо и Жорж Брак. В технике росписи вводились такие процедуры, как наклеивание цветных кусочков бумаги или объемных форм, встроенных в плоскость картины. Кубизм полностью порвал даже с частичным отражением действительности. Вместо этого кубисты пытались извлечь из реальности самые геометрические формы, перспектива была отвергнута.
Правило заключалось в том, чтобы уменьшить каждую форму до формы куба, а затем разложить ее на более мелкие элементы, принимающие форму различных геометрических фигур, рассматриваемых при разном освещении. Натюрморт был основной темой кубизма, но были и изображения с человеческими фигурами.
Абстракционизм (начало 20 века)
Данный стиль зародился в России, его предшественниками считаются Василий Кандинский и Эдвард Мунк. Это направление исключает все прямые отсылки к реальности и вводит в композицию только простые геометрические формы.
Цель абстракционизма — освободиться от предмета, реальности, отказаться от подражания природе. Абстракционисты годами отвергали принятые формы, заменяя линию размытием, а вертикальную — горизонтальной. Абстрактные работы назывались «нерепрезентативными», что отсылает к самому названию этого направления. К самым известным абстракционистам относятся:
Сюрреализм (20 век)
Стиль создан во Франции в 1924 году. Задача сюрреализма — как можно дальше отойти от рационализма. Предметы быта были представлены в нестандартных ситуациях, граничащих с реальностью, сном или галлюцинациями. Спектакль был полон гротеска, его необычная цель — вызвать рефлексию и разрушить логический порядок мира. Сюрреалисты черпали вдохновение в психоанализе Зигмунда Фрейда, который был популярен в то время. Они приписывали величайшую роль безграничному воображению человека. Тематика сюрреализма была совершенно безграничной, она даже балансировала на грани абсурда и абсурда. Читать подробнее о сюрреализме ➤
Важнейшие художники сюрреализма:
Дадаизм (1916 по 1923 г)
Стиль дадаизм провозгласил разрыв с традициями, что проявилось в полной свободе сообщения. Спектакль разворачивается в хаосе и абсурде, элементы сочетаются случайным образом.
Это направление даже назвали «антискусством». Однако дадаизм не был самостоятельным творением, он был частью кубизма, футуризма и сюрреализма. Целью этого направления было шокировать публику своими работами. Его прием всегда вызывал большие эмоции и никогда не был равнодушным, его даже можно было охарактеризовать как провокационный.
Самыми выдающимися художниками течения были:
Социалистический реализм (1934 — 1960-е годы)
Тенденция, которая возникла в творчестве Советского Союза после окончания Второй мировой войны. Соцреализм — это искусство, находившееся на службе СССР, должно было отражать и формировать общественную мысль. Основные представители соцреализма:
Ташизм
В 1955-1960 годах в Европе развился ташизм (тахизм). Ташисты свободно использовали случайное цветовое пятно, нанося на него мазки, линии и пятна. Яркими представителями этого направления являются:
Поп-арт
Стиль поп-арт появился в Нью-Йорке и Лондоне в середине 1950-х годов и быстро стал доминирующим стилем авангарда. Его особенность — смелые, простые изображениям и яркие блочные цвета. Сочные цветовые схемы также позволили этому виду искусства выделить определенные элементы современной культуры и помогли уменьшить различие между коммерческим и высоким творчеством.
Известные представители поп арта:
Гиперреализм и фотореализм
Гиперреализм — это направление в ХХ и ХХI веке важнейшими чертами которого являются правдоподобное представление действительности, выбор тем из повседневной жизни. Для работ в стиле гиперреализма образцом является фотография. Художники стараются максимально точно передать это в картину или воссоздать в виде скульптуры.
Основные представители течения:
Во второй половине 20 века стиль гиперреализм начал развиваться в США., то есть реализм, доведенный до фотографической точности в изображении реальности. Отсюда и другое его название: фотореализм.