Что такое стилизованная модель
Как сделать дизайн персонажа запоминающимся: работа с силуэтом и формой
Рассмотрим метод стилизации, который используется в крупных игровых студиях.
Чтобы персонаж получился интересным, важны не столько навыки рисования, сколько навыки дизайна. Это не значит, что уметь рисовать не нужно. Но хорошая техника сама по себе не способна компенсировать отсутствие читаемого концепта.
Сделать даже простой рисунок эффектным и запоминающимся можно за счет работы с силуэтом и сочетанием форм в дизайне. Ведь любой элемент объекта, даже самый маленький, можно и нужно использовать как часть стилизации. В то же время бездумное нагромождение деталями, даже красиво нарисованными, может испортить задумку и сделать персонажа пустым.
Хороший дизайн работает даже на примитивном наброске, потому что его идею всегда можно считать. Давайте сравним два простых скетча:
Слева — детализация без использования формы. Даже если внутри силуэта много деталей, но ни одна из них не влияет на объем персонажа, они не повышают его качество. В худшем случае получается аморфный герой. Эта проблема встает особенно остро, если пытаться переводить такого персонажа в 3D. Моделлерам сложно работать с подобными скетчами, так как тут нет иерархии объектов, и глазу даже не за что зацепиться. К тому же финальный результат будет выглядеть попросту скучно.
Справа — противоположный пример. В его дизайне много больших и средних элементов. Поэтому даже без продвинутых навыков рисования или скульптинга, если мы говорим о 3D, дизайн передать легче, чем в первом варианте. При этом работа займет меньше времени, а финальный результат будет качественнее.
Помимо читаемости дизайна, есть еще один повод задуматься об использовании форм в своих работах — соотношение трудозатрат и конечного результата. Представьте, что у вас ограничено время, а лучше — количество полигонов или бюджет. Если потратить эти ресурсы на основную форму и наполнение ее деталями, в итоге будет мало профита. Но если выделить эти ресурсы на совокупность крупных и средних форм, получится запоминающийся результат.
У многих начинающих часто возникают проблемы с воспроизведением героев. Это происходит потому, что они воспринимают его как нечто цельное. Если воспринимать объект как совокупность форм, его можно будет всегда с легкостью повторить, как бы у вас ни дрожали руки.
Из этого принципа появилась идея о том, что хороший дизайн можно изобразить за 15 секунд на салфетке. За это время мы не сделаем качественный рендер, но сможем показать, про что нам рассказывает дизайн. Даже если мы возьмем самый грубый набросок персонажа с грубыми формами на уровне примитивов, мы с легкостью передадим идею дизайна, который можно дорабатывать и детализировать.
Форма — еще и отличный способ передать характер героя. Острые углы и треугольники часто используют в дизайне злодеев, а мягкие и округлые формы — для описания добродушных, положительных персонажей. Часто художники их комбинируют, чтобы показать сложность характера.
Стилизованные игры живут дольше игр со скучной графикой: они лучше запоминаются. Но саму по себе сложность персонажей или количество полигонов нельзя ставить во главу угла, этим уже никого не удивишь. Чтобы игра приносила доход много лет, ее графика должна быть актуальна долгое время. Это позволит дизайну оставаться конкурентоспособным с новыми проектами на рынке.
В Heroes of the storm жесткие ограничения по полигонам, но при этом понятный дизайн с хорошей детализацией. В локации небесного храма (на картинке выше) все домики узнаваемы. За счет характерной архитектуры и простых, но выразительных деталей игрок сразу понимает, где находится. При этом даже с неглубокими навыками рисования не составит труда повторить такой домик, потому что он состоит из понятных форм.
Стилизация 3D-персонажа: модель, текстура, детали
Потрясающий 3D-художник Луана Буэно (Luana Bueno) подробно рассказала о создании своей низкополигональной фан-версии Элой из Horizon Zero Dawn.
Введение
Меня зовут Луана, я художник 3D-персонажей из Сан-Паулу. Я переехала сюда шесть лет назад, потому что выиграла обучение геймдизайну в колледже Anhembi Morumbi.
Впервые я встретилась с 3D в колледже, но в то время я уже занималась концепциями и иллюстрациями в своей группе, тогда у меня не было возможности глубоко изучить эту область.
Когда я впервые увидела разрисованную от руки модель, то поняла, что нашла себе работу, которой хочу заниматься.
Долгое время я работала в рекламе, а по вечерам изучала 3D. После этого я работала какое-то время моделлером для VR-игры RoVr.
Сейчас я занимаюсь фрилансом и работаю над своим портфолио.
Могу с уверенностью сказать, что изучать 3D приятнее, когда у тебя есть компания друзей, которая может помочь и сделать путешествие интереснее. Они как зелья маны, восстанавливающие мою энергию, когда я преодолеваю каждое препятствие.
Продакшен
Я начала проект со сбора множества референсов: самой Элой, актрис или моделей, которые, как я считала, помогут мне набросать отдельные части лица Элой или создать текстуру. Об этом важно было сказать, потому что я вижу, что многие люди начинают проект, не пользуясь референсами. Могу с уверенностью сказать, что если собрать хорошие референсы, то вероятность успеха проекта становится на 50% выше.
Существуют разные программы для упорядочивания референсов. Я пользуюсь Pure Ref.
Вот моя доска референсов. В начале она была более упорядоченной, но в процессе работы над проектом я перемещала изображения.
Я начала с создания заготовки в ZBrush. Эта заготовка очень черновая и нужна только как основа для ретопологии в будущем.
Заметьте, что я не вдавалась в подробности, потому что знала, что эти детали будут реализованы в текстуре.
Пропорции
Перед началом проекта я импортировала референс в Photoshop и создала необходимые линейные направляющие, которые должны были помочь мне при моделировании.
Это важный процесс изучения концепта. Я анализирую пропорции и количество надетых на персонажа аксессуаров.
На самом деле все детали отрисовывались на текстуре. Модель — это созданный в Maya простой меш с силуэтом и формой, которая была мне необходима для создания хорошего рисунка текстуры.
Текстурирование
Начинаем с UV: хотя модель является бюстом, я решила разделить её на две UV, одна для лица и одежды, а другая для волос, меха и других частей, требовавших прозрачности. Я сделала такой выбор, потому что мне требовалось высокое разрешение текстуры.
Благодаря друзьям я научилась быть очень придирчивой к тому, как организованы мои UV; они очень требовательны и заставили меня критически относиться к своей работе.
Создание чётких и упорядоченных UV уже стало неотъемлемой частью моего рабочего процесса, к тому же это делается очень просто. От художника требуется только не растягивать текстуру в некоторых областях.
Перейдём к текстурам. В рисуемых от руки текстурах мне нравится то, что в них важно не техническое понимание, а наблюдательность и упорство. Мы должны работать со множеством инструментов, но когда дело доходит до текстуры, остаёмся только я и полностью серая модель, ожидающая, когда в неё вдохнут жизнь.
Целью этого проекта с самого начала было усовершенствование моего навыка рисования текстур от руки. Я не запекала никаких карт, которые могли бы помочь мне в рисовании.
Я начала с нанесения на всю модель базовых цветов, а затем улучшала её часть за частью. Первой частью, на которую я обратила внимание, стало лицо.
В качестве референса я использовала работы художника по имени Pug.
Вот ссылка на блог его школы, на котором есть несколько работ, созданных им и его студентами. Надеюсь, эти модели станут источником вдохновения и для других художников, рисующих от руки.
Примечание: я не знаю китайского, поэтому чтобы понять блог, мне тоже пришлось пользоваться переводчиком. Но оно того стоило!
Что касается головы, то я рисовала каждый волос отдельно. Это похоже на безумную работу, но она стоила усилий — рисуя и перерисовывая многие области, я многому научилась.
Когда работаешь с текстурой, нет никаких секретов или волшебных кистей, с помощью которых можно получить идеальную текстуру. Приходится просто делать и переделывать, пока со временем ты неизбежно достигнешь хорошего результата.
Работа с 3D-Coat
Практически вся Элой была разрисована в 3D-Coat. Это идеальный инструмент для текстурирования рисуемых вручную моделей. Я использую плоский вид (flat view) (горячая клавиша «2» в 3dCoat), который даёт мне полный контроль над рисунком.
Для создания плетёного украшения на шее я воспользовалась Photoshop. Я пыталась нарисовать его вручную, но мне не удавалось сделать его однородным, поэтому я нашла изображение плетения, похожего на украшение Элой и в Photoshop наложила его непосредственно на UV, а потом использовала его как образец для рисования в 3DCoat.
После отрисовки текстур я задала в Photoshop карту непрозрачности (opacity map) и подправила цвет волос.
Сложности
До этого проекта в моём портфолио не было персонажей-людей, и я понимала, что мне неизбежно придётся изучать анатомию и рисование от руки. Я всё равно вынуждена была бы это сделать, и для этого как раз настало подходящее время.
Я очень хотела сделать бюст женского персонажа с другой причёской и несколькими деталями.
Я начала искать концепты, которые бы могли мне понравиться, но не находила их. Однажды в разговоре мой друг Алекс упомянул игру Horizon и тогда я поняла, что буду моделировать Элой.
Я знала, что начинать с бюста такого сложного персонажа будет непросто, но меня не очень волновала сложность, я просто взялась и сделала.
Больше всего меня беспокоили шейные украшения и волосы. Проблему с украшениями я решила гораздо быстрее, чем могла представить, и сделанный моделью прогресс дал мне больше уверенности, чтобы продолжать работу.
С волосами всё оказалось немного сложнее — когда я начала рисовать текстуру, то увидела, что меш вёл себя не очень хорошо, поэтому вернулась в Maya и переделала заготовку, после чего снова открыла UV-развёртки. И даже после этих изменений пришлось несколько раз перерисовывать волосы, пока не получился приемлемый для моего глаза результат.
Что делает эту модель интересной? Чтобы завершить каждую её часть, мне приходилось преодолевать себя как художника. Я знаю, что это не только моя работа — каждый отзыв, который я получала от друзей, помогал мне завершить Элой и шаг за шагом делать её ещё более настоящей Элой.
Философия стилизованного 3D
Dylan Mellott делится своими мыслями по поводу стилизации и hard-surface 3D-моделинга, а также рассказывает о некоторых полезных приёмах и материалах для изучения.
Привет, друзья! Меня зовут Дилан Мэддот, я являюсь специалистом по hard-surface моделированию в индустрии видеоигр.
По ходу этой статьи я собираюсь рассказать о своей «философии» в вопросах создания стилизованного 3D (и некоторых вещах касательно 3D в целом). Но перед этим я расскажу о своем бэкграунде и о том, как попал в индустрию.
Вырос в сельской местности в Пенсильвании и начал проявлять интерес к искусству в самом конце старшей школы. Мой ментор заставил меня продолжить обучение, и я поступил на бакалавриат по программе арта для игр. Но даже при наличии учебного плана и занятий, большую часть своих практических знаний я получил на таких форумах как Polycount, LunchCrunch, и Ten-Thousand Hours. Онлайн общение с другими художниками стало большим фактором моего роста и трудоустройства. Я продолжаю эту практику и по сей день.
Моим первым опытом стала работа в качестве 3D-художника в Marxent, коммерческой AR и VR-компании. Я моделировал различные бытовые предметы и создавал тайловые текстуры для пола и стен, как те, что вы можете приобрести в хозяйственных магазинах типа Lowe’s или Home Depot. Пока я хотел попасть в игровую индустрию эта работа помогала оставаться в форме. Мне приходилось общаться с большим количеством молодых и мотивированных ребят. Я даже выучил Substance пока работал там. Мне повезло, что подобная возможность подвернулась мне сразу после школы.
Как я уже говорил, мне всегда хотелось работать над играми. Каждый день в течение года я приходил домой после работы и трудился над своим портфолио. Эти старания окупились, когда я получил первый заказ в качестве художника по оружию в Hi-Rez Studios. Моей первой игрой стали Paladins: Champions of the Realm. Я очень признателен за то, что мой первый проект был стилизованным. На Паладинах я научился работать с формой, следить за вариациями тона в материалах и хэнд-пэинту. Эти навыки помогают мне и по сей день на каждом проекте, в котором я участвую.
После Hi-Rez я начал работу в DICE LA над Battlefield 1 и Battlefield V. Было по-настоящему интересно от хэнд-пэинта и стилизации переключиться непосредственно к фотореалистичнному оружию и гаджетам. Набор навыков в области фотреализма окончательно дополнили мой подход к созданию работ. В ходе моего пребывания там я находился под руководством двух художников — «звезд» hard-surface, которые работали над играми в течение десятилетий. Благодаря команде DICE LA я поднялся на новый уровень, и преисполнился глубоким уважением к каждому этапу процесса в 3D. Я очень ценю эту команду и тот уровень, которого они достигли.
В конечном счете опыт в стилизованном и фотореалистичном проектах позволил мне насладится рабочим процессом и превратил меня в того специалиста, каким я являюсь сегодня. Этот же опыт привел меня в The Mentor Coalition, где я могу стать ментором для любого желающего узнать больше про основы 3D и создании трехмерных стилизованных работ. Мне очень нравится работать с TMC. Это большое удовольствие находиться рядом с великими талантами из индустрии, которые полностью выкладываются, чтобы помочь людям расти. Мне нравится поддерживать художников на их пути. Я очень ценю эту возможность.
Существует несколько основных принципов, когда речь заходит о стилизованных работах. Но некоторые из них относятся к искусству в целом. Мне нравится делить их на три всеобъемлющих раздела.
Это первый пункт, который нужно знать. Вы должно быть достаточно часто слышали этот термин. На самом деле суть в том, какое чувство у вас возникает когда вы смотрите на объект.
При манипулировании языком формы нужно учитывать много вещей. Но важно постоянно напоминать себе о том чувстве, которое вы пытаетесь донести. Как только вы узнаете свое намерение, посмотрите на предметы в мире природы или другие произведения искусства, которые могут вызвать это чувство и привнести похожие элементы в вашу работу.
Мы можем использовать эти элементы для воспроизведения ожиданий нашего зрителя (как стереотип, круглые по форме персонажи воспринимаются веселыми или дружелюбными). Или мы можем даже использовать их, чтобы подорвать ожидания нашего зрителя (округлые персонажи, но с сильными, вторичными треугольными компонентами придают ощущение неопределенности и опасности).
Рассмотрим, к примеру, дизайн Салли и Майка из вселенной «Корпорации монстров». Заметьте, насколько они округлые. Любые заостренные и потенциально опасные элементы были уменьшены в размере или округлены, что позволяет предположить, что эти персонажи более привлекательны или безопасны. Мы можем использовать в нашей работе подобные идеи, чтобы подчеркнуть наши намерения.
Прежде чем двигаться дальше, я сделаю небольшое замечание по поводу силуэта, так как он идет рука об руку с вопросом формы и описывает целостное изображение данного объекта. Как правило, силуэт представляется в виде полностью черного изображения, которое показывает контур рассматриваемого объекта. Силуэт дает зрителю ощущение формы на расстоянии. Это способ сразу же прочитать объект и сообщить, как вы можете на него среагировать. Вы можете использовать язык формы вместе с силуэтом, чтобы лучше донести свой замысел.
Вы усиливаете или смягчаете формы, чтобы донести свои намерения? Вы использовали цвет и тон, чтобы подчеркнуть то, что вы хотите, чтобы ваша аудитория или зритель почувствовали? Что вы пытаетесь выделить и каким образом?
Возможно, это моя самая любимая часть из трех пунктов. В этом разделе я хочу особо отметить Dota 2, поскольку в некотором смысле они как бы стандартизировали идею использования функциональных градиентов в играх с помощью своего обширного арт гайда.
Градиент — это одна из вещей, с массой полезностей. Его можно использовать как в цвете, так и в градациях серого. В двух словах понимание градиента состоит в том, что он выполняет как минимум две основные функции в стилизованном искусстве.
— Во-первых, он устанавливает контраст, подсвечивая более яркие места, одновременно приглушая более темные. Мы можем использовать это, чтобы привлечь внимание к важным элементам, уменьшая при этом менее важные.
— Во-вторых, он устанавливает уровень базовой глубины посредством изменения значения и тона. Это может быть использовано в целом для всего произведения или только для очень специфических элементов. В контексте игры градиент может быть очень важен для изометрической или камеры ракурса сверху-вниз, как в Dota 2 или League of Legends. Это помогает отличать персонажей не только друг от друга, но и от среды, в которой они находятся. В контексте отдельных произведений искусства градиент может использоваться для эффективного введения простых вариаций. Это поможет сделать вашу работу многоуровневой, что позволит вам использовать ее с большим эффектом.
Прежде чем мы перейдем к 3D и технической части, я хочу подчеркнуть, что существует широкий спектр подходов к стилизации. Редко вы найдете стилизованную работу, которая бы не сочетала в себе несколько элементов из основ изобразительного искусства. Я призываю вас всегда смотреть самый широкий спектр работ и спрашивать себя – что в них отзывается в вас!
Когда дело доходит до моделирования, есть много подходов к созданию форм и ассетов. Тем не менее, основные соображения относительно ваших моделей и вашей работы остаются неизменными.
Одна из самых важных вещей, о которых следует помнить, заключается в том, что вы, как игровой 3D-художник, должны следить за тем, чтобы ваша работа не только выглядела как можно более гладкой, но и была как следует оптимизирована для эффективного применения.
Рискуя показаться старым занудой, скажу, что часто слышу, как студенты и начинающие 3D-художники бросают фразу: «Движки сегодня могут позволить себе гораздо больше полигонов!». Это плохой подход, он приводит к большому количеству лишних вещей в ваших моделях, большому разочарованию и большому количеству недовольства от технических художников. Новые инструменты или обновления движка – не повод забывать о том, что работать нужно тщательно. Мы всегда должны стремиться к тому, чтобы обеспечить наилучшее качество, высочайшую точность и оптимизацию.
Когда я начинаю новую модель, то всегда держу топологию на очень низком уровне. Я создаю мэш такого разрешения, чтобы он функционировал в игре, и которым я без вреда могу манипулировать.
На данном этапе для меня чрезвычайно важно избегать добавления кучи деталей или сабдивов. Я стараюсь решить почти все проблемы на этапе мэша с игровым разрешением, вместо того, чтобы пытаться решить их на этапе хай-поли модели. Это помогает сделать хай-поли процесс очень простым. Я могу очень легко увеличивать или уменьшать полигонаж.
Мой рабочий процесс с хай-поли довольно прост. Для стилизованного арта я обычно вручную дорабатываю фаски, чтобы точно контролировать результат сглаживания. Иногда я использую метод двойного «turbosmooth» в 3ds Max. Но обычно я всегда редактирую края вручную. Добавление ребер вручную занимает много времени, но если у нас простая и понятная топология, то это совсем несложно.
Когда дело доходит до более сложных операций, в которых мне, возможно, придется что-то вырезать, я могу использовать булевые операции, а затем исправлять что-то. Обычно все заканчивается тем, что я рисую вертексы или линии, чтобы добиться необходимого соответствия концепции или дизайна. Мой общий подход заключается в том, что я стремлюсь как можно меньше «чистить» топологию. Мне нравится работать с модификаторами в 3ds Max и делать свою работу при помощи слоев. Это позволяет мне работать очень гибко, я могу просто включать или выключать элементы по мере необходимости. По сути, я заранее трачу время, чтобы потом ускориться.
Относительно UV для hard surface, главное знать, что нужно всегда пытаться делать края разверстки прямыми, так как это позволит вам разложить UV-острова близко друг к другу. Кроме того, имейте в виду, что вам действительно нужно всего лишь 6-8 пикселей между островками, чтобы предотвратить смешение текстур при уменьшении.
* Если вы не знаете, что такое Mipping, то это просто референс на текстуру, разрешение которой постепенно уменьшается. Обычно используется для сокращения времени рендеринга и является эффективным способом оптимизации работы с памятью.
Рабочий процесс в основном строится на попытках сохранять как можно меньше UV –островов. Это помогает делать редактирование UV более ясным, а также уменьшает количество точек, возникающих при разрезании UV. Время от времени вам приходится увеличивать количество «UV-разрезов» из-за ошибок при шейдинге или некорректного считывания нормалей. Но я всегда стараюсь начинать с большого куска и лишь потом разрезать его.
Сегодня у нас есть доступ к таким инструментам как IPackThat и RizomUV. Эти программные решения очень эффективны. Лично я использую сочетание нескольких программ для упаковки и редактирования вручную. Мне нравится знать, какой результат я получаю. И если появляется ошибка, которую мне нужно исправить позже, я знаю почему она появилась, откуда и где находится. Я определенно рекомендую вам изучить эти инструменты. Но очень важно иметь полное представление о UV. Опять же, новые программные решения не должны делать вас менее дотошными!
Для текстурирования я использую несколько разных программ. Этот выбор довольно сильно зависит от моих целей на конкретном проекте.
Substance Painter предлагает большую гибкость с точки зрения безопасного рабочего процесса и процедурных материалов. Подвох в том, что создается ощущение, что здесь результат как по волшебству достигается за счет процедурных методов. Но если вы хотите, чтобы что-то выглядело действительно уникальным, требуется много ручного редактирования и маскинга. Но в целом, это один из моих любимых инструментов.
3D Coat и Photoshop — мои инструменты для ручной отрисовки. Инструменты смешивания цветов в 3D Coat и возможность его синхронизации с Photoshop делают комбинацию этих двух инструментов сильным инструментом в арсенале художника.
* Еще одна вещь, о которой я упомяну, это новые интересные инструменты, такие какSoMuchDiffuse, которые дают вам некоторую гибкость при ручном рисовании в Substance Painter. Опции в нем открывают новые возможности для стилизованного 3D-художника.
Это тема, которую я особенно люблю. В современных играх мы только начали поверхностно касаться того, что может предложить PBR, и еще есть много возможностей для развития и эволюции. Можно с уверенностью сказать, что я немного взволнован, возможностями использования PBR в будущих играх.
Мой общий подход, когда дело доходит до практического применения — сделать все возможное, чтобы ассет выглядел хорошо в заданном контексте. Я знаю, это чересчур общее заявление, но спросите себя: «Каковы цели этого проекта?».
Мой совет: я призываю вас экспериментировать и черпать вдохновение из многих источников. Нарушение правил иногда может привести к большим сюрпризам!
Кит, якорь и открытая часть ружья были очень забавными. Painter дает большую свободу и гибкость для не деструктивной работы. Для этих конкретных элементов я объединил несколько слоев Fill, чтобы изолировать определенные каналы, которыми бы мог манипулировать в соответствии со своими потребностями.
Сначала я создаю слой заливки того цвета, который я буду использовать в качестве основы. Затем я создаю маску на этом заливочном слое, где я делаю штамп при помощи альф или рисую нужную мне форму.
Потом я просто создал слой на изолированном градиенте и завершил обводочным слоем, чтобы подчеркнуть нарисованные символы.
Для рисунка кита это было немного сложнее, но принцип был схожий.
Что касается обводки, то это самый простой метод за исключением рисования альфы вручную в Photoshop или чего-то подобного. В этом случае я нарисовал его вручную с активированным нажимом пера, чтобы получить различную толщину линий.
Далее я накладываю слои на дополнительные элементы, пока не достигаю вида, заданного в концепте. Как вы можете видеть из рисунка ниже, я создаю свой слой Fill для каждого элемента. Таким образом, я могу сохранить свои слои автономными на случай, если мне понадобится масштабное редактирование.
Честно говоря, мой лучший совет — попробовать разные виды искусства. Каждая отдельная работа, которую я делал, отражала мои способности как личности, и каждый стиль, который я пробовал, каким-то образом связан с предыдущими проектами. Умение рисовать вручную помогло мне создавать более реалистичные материалы. Создание реалистичных моделей помогло мне узнать, где сделатьа кцент в вопросе форм для стилизованных элементов.
Для стилизованного стиля есть большой диапазон, но я перечислю несколько хороших обучающих программ ниже:
Для хенд-пеинта есть невероятные разборы рисования моделей с нуля у талантливой Yekaterina Bourikyna.
Для стилизованного PBR, я рекомендую вводный урок Marc Brunet. Опять же, настоятельно рекомендую вам попробовать много разных методов и подходов. Никогда не знаешь. Вдруг вы можете представить 3D-сообществу совершенно новый подход к стилизованному искусству!