Что такое структура музыки
Структура Музыки и ее Элементы
В одной из своих предыдущих статей “16 Эффективных Способов Заканчивать Треки”, я коснулся очень важной проблемы структурирования музыки. Дело в том, что многие новички выстраивают структуру своих треков «на ощупь», не осознавая в полной мере зачем они применяют тот или иной структурный ход в своей композиции.
В результате их треки часто звучат неубедительно и аляповато не потому, что что-то не так с саундом или со сведением, а потому, что по своей структуре трек не раскрывается в полной мере, в нем нет нескольких необходимых спадов и подъемов напряжения, своеобразной контрастности в некоторых моментах. Другими словами, слушатель не получает всю палитру эмоций и переживаний, не запоминает трек, у него не возникает желание качать его или делиться им с друзьями.
Одно ясно, для того, чтобы усвоить премудрости структурирования музыки, требуется большое количество времени и терпения. Чтобы вникнуть в этот процесс, нужно слушать как можно больше музыки и внимательно запоминать эффектные и удачные структурные ходы, учится применять их на практике. Важно также уметь выдержать некоторое время перед добавлением тех или иных музыкальных событий.
Мне потребовалось около трех лет для того, чтобы самому нащупать и начать применять годные структурные шаблоны для своих композиций. (Правда, тогда у меня не было интернета. Если бы был — я не потерял бы столько времени зря). Конечно же три года – это целая прорва времени.
Поэтому, желая сэкономить время новичкам, я покопался в теории, сам для себя уяснил много полезного, а результатом моего исследования стала вот эта статья.
В ней я подробно расскажу об элементах структуры треков, условиях их применения, расскажу как быстро и эффективно научиться организовывать свои треки при помощи нескольких простых упражнений.
Итак, для начала я предлагаю вам ознакомиться с перечнем главных структурных элементов треков:
1. Introduction (Начало, вступление, интро) — это музыкальная часть, находящаяся в самом начале песни, первые отголоски трека, которые нередко появляются из тишины, постепенно нарастая.
Вступление может состоять как из последовательности аккордов, мелодии, так и из простой барабанной партии.
Оно создает эффект напряженного ожидания перед следующей частью (перед куплетом или припевом). В конце последнего такта интро могут весьма эффектно вступать барабаны в виде «брейка» (см. 7 пункт).
Следующей за интро структурный элемент аранжировки должен создать у слушателя либо эффект расслабления или удивления, в общем — цеплять.
2. Verse (куплет) — а это часть в которой раскрывается основная музыкальная тема композиции. Если вы начинаете ваять какой-то набросок трека, в большинстве случаев вы ваяете как раз “куплет” будущего трека. В песенном жанре поверх куплета поются слова, в инструментальном — разворачивается основная мелодия. Когда две и более частей песни имеют в основном одинаковую музыку и разные слова, каждая из этих частей все равно рассматривается как один куплет.
Куплеты в совокупности могут занимать от 40 и более процентов всей структуры трека. Так что это своеобразный — фундамент, от которого и нужно “плясать”.
3. Pre-chorus (Предверие Припева) — это не обязательная, но довольно часто употребляемая часть песни, которая по своей сути является развитием куплета (verse). Она также может называться «build» («развитие») или «transitional bridge» («переходный мостик»).
Суть ее в том, чтобы нагнетать напряжение перед ярким припевом, мелодически разнообразить куплет песни, чтобы припев явился перед слушателем с гораздо более ярким чувством новизны.
В пред-припеве обычно используются доминирующие или очень схожие с ними переходные мелодии, однако могут также использоваться и совсем иные гармонические последовательности. В таком случае в пред-припеве может быть использован эффект “коллизии” (столкновения). Это когда поверх привычных слушателю последовательностей нот появляется еще одна, которая вместе с ними создает, доселе неслыханное сочетание.
Pre-chorus — эффектный ход, но требует от композитора определенного умения.
4. Сhorus (Припев) — он же “рефрен”. Чаще всего он резко отличается от куплетов как по ритму, так и гармонически.
Припев более динамичен и ярок, в нем также могут использоваться добавочные инструменты (Например, подключаются струнные, появляется иной синтезатор, бэк-вокал, и т.п.)
Структура припева, также как и куплетная, зачастую состоит из повторения одной формальной части (такта, квадрата). Припев подводит слушателя к следующему куплету, бриджу, либо им же завершается песня.
Само слово “припев”, конечно отсылает нас к песенному жанру. Но не стоит смущаться — данное понятие употребляется и для сугубо инструментальных композиций.
Рассмотрим любой трек как повествование. Последовательность структурных элементов трека доносит до слушателя некий абстрактный, эмоциональный посыл в музыкальных фразах. Вы как будто произносите предложение… И если куплет взять за “подлежащее” нашей фразы, то припев — это “сказуемое”. Это тот гвоздь, который окончательно закрепляет песню или трек в голове у слушателя. Если с припевом беда — трек можно считать неудавшимся.
5. Bridge (Бридж, Мост) — бридж является небольшой вставкой, соединяющей две весомые части песни (куплет с припевом, к примеру). Он призван создать между ними гармоническую связь и при этом заинтриговать слушателя неожиданным ходом.
Поэтому бридж отличается от куплета или припева по гармонической структуре (мелодии, последовательности аккордов).
В песнях бридж не всегда предназначен для пропевания слов, однако если слова в бридже есть, то они должны вносить несколько иной взгляд на проблематику в тексте.
До бриджа куплет чаще всего используется дважды. В таком случае бридж заменяет 3-й куплет, либо следует за ним, либо предшествует ему. В последнем случае он специально задерживает ожидаемый слушателем припев. Это опять же — эффект неожиданности для слушателя, который ожидает появление припева.
Дальнейший припев после бриджа, как правило, является последним и часто повторяется, тем самым подчеркивая, что это — финал трека.
Просто усвойте правило: если в песне ожидается либо куплет, либо припев, и вдруг вместо ожидаемого возникает фрагмент чего-то музыкально или по тексту отличающегося от куплета и припева, тогда этот структурный скорее всего и является бриджем. Кроме того, в бридже обычно гораздо меньше инструментов, чем в куплете, и уж тем более, припеве. Бридж менее массивен.
Я упомяну здесь также и такую разновидность бриджа, как middle eight (Миддл-эйт, “серединка”, это международное название). Понятие мидл-эйт весьма схоже: это также мелодическая вставка, обычно длиной 8 тактов, в которой мелодия в большей или меньшей степени контрастирует с остальным треком. (На практике она часто расположена не по середине, а где-то ближе к концу трека).
Данная разновидность бриджа широко употребляется во всякого рода попсе.
Суть Мидл-Эйта в том, что перед последним забойным припевом пускается восемь тактов немного другой музыки, отличающейся от общего задора песни. Чаще всего это довольно лирическая вставка. Это сделано для того, чтобы выгодно сыграть на контрасте между лирикой и сугубой прямолинейностью хита.
Вот здесь старая статья с десятком примеров: http://www.noto.ru/st/14 (Осторожней, берегите ухи!) Послушав эти примеры, вы вникните как в идею и мидл-эйта, так и бриджа =)
6. Instrumental solo (Инструментальное соло) — это часть, предназначенная для исполнения какого-либо соло. Либо на гитаре, либо на клавишных, либо на барабанах… на чем вздумается! Бывает так, что соло исполняется двумя музыкантами сразу.
Сольная часть основана на той же гармонии, что и основные части трека (такие как куплет, припев, или бридж). Чаще всего играются те же самые ведущие мелодии, которые были слышны на протяжении трека, но с приукрашиваниями, отступлениями, техническими изворотами. Приветствуются сочетания ладовых проходов, арпеджио, рифов и т.п.
7. Brake (Брейк) Брейк — это барабанная «сбивка» в конце такта. Небольшой «перерыв» в завершении музыкальной фразы, который обычно маскируется замысловатой барабанной пробежкой и одной-двумя нотами ведущих инструментов трека.
Брейки являются некими «шарнирами» песен. Они часто свидетельствуют о стыке двух музыкальных фраз или структурных элементов трека.
Использовать брейк нужно аккуратно. Начинающие музыканты очень любят вставлять брейк чуть ли не в каждом такта. Это далеко не всегда работает на слушабельность композиции. Есть простой совет, который позволяет нащупать баланс: чем больше инструментов используется в треке, тем меньше в нем должно быть брейков.
Иногда замысловатый барабанный брейк с одним-двумя инструментами используют где-то ближе к концу трека в качестве бриджа. Он длится четыре-восемь тактов и резко перетекает либо в припев, либо в пред-припев.
8. Outro (Coda, аутро, завершение) — также называемая «extro» — это заключительная часть песни, в которой все инструменты постепенно сходят на нет, затихают, или же резко обрываются (в зависимости от задумки композитора).
Самый простой тип outro просто повторяет несколько тактов тонического аккорда или использует «набор» аккордов многократно повторяющейся в треке последовательности. За основу также могут браться последовательности куплета, припева, реже — бриджа.
Аутро также без проблем реализуется барабанной партией с любой примесью, которая только взбредет в голову композитору. В общем, как и со всеми составляющими трека четких правил для аутро нет.
С основными элементами всё.
Давайте теперь поговорим о том, как лучше научиться применять на практике все эти структурные ходы.
Я по-прежнему утверждаю, что лучший путь — учиться у своих кумиров. Слушать их треки, анализировать их, а затем пытаться повторить и комбинировать услышанные структурные комбинации в собственных треках.
Например я многому учился у горячо любимых мною Nine Inch Nails. Очень здорово, что исходники некоторых их песен доступны для скачивания с их сайта http://remix.nin.com/ (нужна регистрация, раздел “multitracks”). При наличии Ableton, вы сами можете их пристально изучить.
Вот как, к примеру, выглядит структура трека “Nine Inch Nails — God Given”
(Как звучит сама песня, можно послушать, например, на youtube: http://www.youtube.com/watch?v=DbeMZzBc83w):
По маркерам с надписями вверху экрана видно, что структурные элементы расставлены в следующем порядке:
[интро] — [куплет 1] — [припев 1] — [“шепот”(бридж)] — [куплет 2] — [припев 2 + припев 3] — [“шепот” 2] — [куплет 3] — [аутро (припев 4)]
Опознав схему, можно быстренько начертить ее в блокноте, и в дальнейшем применять для составления уже своих собственных треков.
Вы мне справедливо можете возразить, что большинство исполнителей не публикуют исходники своих треков, а поэтому совершенно непонятно, как же вникнуть в структуру трека “со стороны” не имея исходников?
Отвечаю: теперь, когда вы знаете об основных структурных элементах трека, вы уже подготовленный слушатель! =) Слушая полюбившиеся вам треки, делайте пометки в блокноте. Когда вы отмечаете элементы во время прослушивания любимых треков, вы закрепляете в памяти структурные ходы. (Для начала вы отметите [Интро], затем наверняка будет [Куплет], [Припев]… [Бридж]… и т.д.)
Такие упражнения не займут у вас много времени. Особого разнообразия в структурах треков нет. Все они базируются на десяти-двадцати расхожих шаблонах (Есть, конечно, стили, типа IDM, которые их из принципа не соблюдают). Проанализировав всего несколько треков, вы будете уже с уверенностью будете разбираться со всеми собственными структурными ходами, примерять их на практике. Ступора, который часто возникает у начинающих композиторов больше не будет возникать.
Я рекомендую для наглядности загружать мп3-файл анализируемого трека к в свой любимый аудиоредактор (в моем случае это Ableton), синхронизировать с темпом (в Ableton это делается автоматически при помощи Warping’a), а затем прослушивая, отметить специальными маркерами все необходимые структурные элементы:
После этого можно удалить трек с дорожки, и, основываясь на оставшихся маркерах, делать уже собственное произведение.
Тем самым вы заимствуете у профессионалов годную, готовую к употреблению структуру. Ее наполнение же остается целиком за вами. Вы экономите время, и при этом усваиваете методы, которые помогают профессионально и интересно структурировать ваши треки.
Итак, самое главное — разобраться с функциями кирпичиков (интро, куплет, пред-припев, припев, бридж, брейк, инстр. соло, аутро), научиться выделять их прослушивая чужие треки, а затем уже, на практике, внимательно вслушиваясь в канву произведения, применять их. При этом композиторское чутье к музыкальным переходам воспитывается при прослушивании любимой музыки.
Если вы будете доверять своему чутью, и действовать уверенно, со знанием дела, то структура вашего собственного трека будет лепиться как бы сама собою и звучать гармонично, четко, с достоинством.
Структура песни и музыкальная форма
В этой статье поговорим о структуре песни и поверхностно затронем музыкальную форму – а именно:
* Познакомимся с элементарными частями композиции
* Разберем пример песни
* Уточним вопрос о структуре песни
>> Элементарные части композиции
>> Разбираем практичный пример
>> Структура песни
Элементарные части композиции
Изначально я не хотел вообще грузить теорией в этой статье, к тому же и сам в этих терминах не силен, но в итоге решил, что будет полезно кое-какую поверхность показать – как ни странно, в сети я не нашел четких определений нижеприведенных терминов. И статей, где это все могло быть собрано в кучу и в полной мере разжевано.
Что ж, заполним этот пробел! Начнем от самой простой структуры:
Мотив – наименьшая часть мелодии, несущая смысл. Группа нот буквально от 2-3 штук или чуть более.
Фраза – состоит из 2х или более мотивов, образующих относительно завершенную мелодию.
Предложение – состоит, как правило, из 2х фраз (хотя не обязательно) и находится в пределах одного гармонического оборота (каденции).
Период – наименьшая форма, в рамках которой можно сделать завершенную музыкальную композицию. Зачастую состоит из 2-х предложений.
Перейдем к более наглядным примерам. Вот перед вами музыкальная « композиция » (а что, вполне себе так композиция 
) в один период :
Вот – она же в нотах и с кое-какими дополнительными сведениями:
Синими буквами подписаны аккорды.
Вот – второй :
Можно возразить, что на самом деле мотивов больше – хотя бы в первом и втором такте ноты не все одинаковые. Да, это так. Ноты могут быть разные, но если их ритмический рисунок сохраняется (даже в общих чертах) это – один и тот же мотив.
Вот – вторая фраза первого предложения:
Второе предложение:
А теперь – о том, что делает этот маленький кусок в 17 секунд законченной композицией. Послушаем еще раз пример полностью:
Мелодически одно предложение от второго отличается лишь предпоследней нотой – в первом это ми (тоника ми-минора, малая терция от соседних двух нот), во втором фа диез (малая секунда от соседних нот). Тем самым подчеркиваются последние аккорды предложений.
*** И тут мне бы следовало раскопать теорию дальше про всякие, одночастные, двухчастные, сложные формы и тому подобное… В итоге я бы забил статью непрактичным материалом, которого в сети много и особой погоды он тут не сделает – современная популярная музыка в основном построена на песенной форме, к чему и приступим.
Разбираем практичный пример
Трек ниже был написан мною на скорую руку за вечер, криво-косо без толкового сведения (сразу предупреждаю) и вообще для совсем других целей. Но в итоге я подумал, что с него выйдет хороший пример. Итак, типичный инструментал в стиле хард-н-хеви:
Послушали? Полностью? Далее следует принять кое-какие истины.
Общая структура композиции. Она обязательно должна подразумевать 3 пункта:
1. Вступление
2. Развитие
3. Концовка
Это как история, которая должна чем-то зацепить, о чем-то рассказать, раскрыть суть поставленных в начале вопросов. Должно быть какое-то движение, развитие, при этом должна сохраняться некая общая линия, чтобы повествование, начавшись с одного, не закончилось совершенно другим.
Контрасты. Для того чтобы композиции было куда и как развиваться, используйте контрасты во всем – тихо-громко, быстро-медленно, просто-сложно, ярко-тускло и т.п.
Теперь взглянем на структуру примера:
Остались элементы C-C2 и D – это что-то среднее между куплетом и припевом. Вступление в припев, или прехорус. Я подумал, что было бы скучновато перейти от куплета к припеву сразу, и хорошо придумать какую-то связующую часть.
Теперь разберем, что конкретно происходит в каждом периоде:
Вспоминаем о контрастах: проблема в том, что современная музыка имеет небольшой динамический диапазон. В так называемой попсе его сужают для того, чтобы «выкачать» из музыки эмоции, сделать ее приятной и понятной для слуха любого человека – ведь чем больше аудитория, тем больше денег можно заработать. В рок-музыке наоборот – динамический диапазон сужают для того, чтобы, скажем, выкрутить ручку громкости на максимум. Показать мощь. Ударить со всех орудий. И проблема возникает в том, что слух довольно быстро привыкает к самым тяжелым и агрессивным стилям, после чего они кажутся уже какими-то легкими и «попсовыми». Как на картинке:
Хочется мощнее, тяжелее, а ручка громкости дальше не крутится! Вот незадача. Поэтому надо искать способ выразить эти эмоции с помощью контрастов.
>> B*2 (0:33-0:48). Вторая вариация повторяет первую за исключением двух вещей:
1. В 3-4 тактах ударные меняют ритмический рисунок, как-бы сбивая с ритма, а соло-гитара играет уже на октаву выше. Тем самым мы вносим неожиданность в ровный бит, подчеркивая это мелодией – не даем слуху заскучать после банальщины в пределах одной октавы.
Кстати – маленькая, но полезная фишка при сочинении партий соло-гитары, особенно при сочинении соло. Если мелодия будет очень долго крутиться в пределах одной октавы, слуху это быстро надоест, поэтому уход соло в определенный момент вверх на октаву или вниз освежит его.
>> C (0:48-1:03). Предприпевная часть ( прехорус ). Тут уже даем слуху пищу для размышления. Ударные малость меняют бит, а мелодия становится интереснее.
В 1-2 тактах соло обыгрывает ми-уменьшенный септаккорд (Edim7), а именно – задействованы 1,3 и 7 ступень.
В 5-6 тактах я использую обычный аккорд ми-минор.
Последние, 7-8 такты играет обычный пассажик, как бы завершая все наигранное выше и подготавливая к переходу на припев.
Обращу внимание на такой момент – пассаж заканчивается нотой «си», тогда как рифф в припеве начинается с «ми». Получается, «си» по отношению к «ми» – доминанта, которая стремится разрешиться в тонику, и в пассаже это используется для создания более логичного перехода к припеву.
Ударная установка играет ритм с бочкой на каждую 8-ю, а соло-гитара играет довольно эффектные быстрые конструкции. Хотя на самом деле эта техника не такая уж сложная, по крайней мере, пока не потребуется сыграть ровно и чисто .
>> B*4 (1:36-1:52). В четвертой вариации куплета скорость сменяется медленными фразами, но играемые почти на самых высоких нотах гитары.
>> A (2:08-2:40). Тот же припев, повторяющийся два раза. Причем, в A2 (2:24-2:40) он дополнен простым заполнением соло-гитарой, чтобы не было совсем уж унылого однообразия. По сути – финал истории, конец композиции.
На этом можно закончить, но.
Заканчивается трек после взбивки в последнем такте подвешенным аккордом E –типично для этого стиля.
Структура песни
Теперь, кода мы разобрали конкретный пример, можно разобрать типичную структуру песен в общем. Как говорилось выше, в ней есть две главные структуры:
К – куплет.
П – припев.
А можно ввести еще кое-какие части:
ВК – вступление и концовка. Я объединю их в один пункт, поскольку в половине случаев они могут быть идентичны друг другу, а в половине – нет.
С – соло. Или брейкдаун – как D в рассматриваемом выше примере.
Тогда можно будет сделать так:
В этом случае в качестве концовки выступает второе соло. А можно сделать песню вообще без припева – только на разных вариациях куплета:
Или вместо припева использовать инструментальный проигрыш. Да, впрочем – крутите, как хотите. Главное, чтобы сохранялась логичность – было начало, развитие, кульминация и концовка.
Эпилог
Еее! Закончил я, наконец, цикл статей от знакомства с DAW до аранжировки. В итоге мы прошлись по софту и библиотекам для создания музыки на ПК, основам сведения, узнали принцип работы музыки и создания полноценных музыкальных композиций.
Теперь, возможно, буду выпускать кое-какие дополнительные статьи. Впрочем, погляжу еще.
Спасибо за внимание! 
***
О софте для создания музыки:
Из чего состоит любая музыка? Пора разобраться
Если ты увлекаешься музыкой или просто любишь слушать треки в смартфоне, будет нелишним узнать о происхождении музыкальных терминов, нот, октав и всего прочего.
В XI веке в Италии жил монах по имени Гвидо Аретинский. Он занимался с хором мальчиков и учил их церковному пению.
Для помощи своим ученикам Гвидо решил записать высоту звуков на бумаге, дав каждому звуку название, чтобы их можно было читать с листа. Монаха принято считать первым, кто начал использовать современные ноты.
Откуда взялись названия нот
Существующая система наименований появилась благодаря гимну святому Иоанну «Ut queant laxis», который Гвидо использовал для распевки на музыкальных занятиях. Каждая следующая строчка этого произведения начиналась на ступеньку выше.
Первые шесть нот позже были названы как первые слоги каждой строки гимна, седьмую по аналогии добавили позже из следующей строки того же гимна.
Первый неудобный слог Ut в XVII веке заменили на более мелодичное ДО. Есть мнение, что название ноты произошло от латинского Dominus, что значит – Господь.
Почему всего 7 нот
Изначально количество нот соответствовало количеству строк в гимне. Позже заметили, что между некоторыми нотами можно разместить промежуточные. Сложившуюся систему менять не стали, лишь ввели диезы-бемоли.
Так поучилось 12 нот, которые позволяют воспроизвести каждую мелодию в любой тональности.
ИНТЕРЕСНЫЙ ФАКТ: Моцарт начал обучаться музыке в 3 года. Он присутствовал на уроках старшей сестры и пытался самостоятельно подбирать звуки на музыкальных инструментах. В 4 года отец начал разучивать с ним небольшие пьесы на клавесине, а уже в 5 лет Вольфганг сам начал сочинять музыкальные произведения.
Почему в нотном стане 5 линеек
Нотным станом называются пять линеек, на которых располагаются ноты. Иногда используют добавочные линейки для отображения нот выше или ниже используемого стана.
Отцом существующей системы записи нот считается все того же монах Гвидо Аретинский, который придумал запись нот в три линейки нотного стана. Четвертая линейка добавлялась при необходимости то сверху, то снизу.
Позже решили использовать все пять основных линеек, а дополнительные рисовать только при необходимости. Как показала практика, именно пять линеек позволяют комфортно читать записанные ноты и читать их. Меньшее число линеек требует постоянное добавление дополнительных, а большее – делает нотный стан слишком сложным для восприятия.
Изначально для записи музыкальных произведений использовались невмы (с латинского – кивок головой). Этими знаками фиксировали лишь направление движения мелодии, а для более точного понимания сверху добавляли высоту и длительность. По невмам исполнить музыкальное произведение мог лишь знакомый с ним человек.
Все тот же монах Гвидо Аретинский начал использовать подобное современному обозначение нот. Изначально он придумал способ записи невмов на нотном стане, а позже в самих невмах пропала необходимость, ведь вся нужная информация отображалась на нанесенных линейках.
Так для записи нот сначала начали использовать заштрихованные квадраты, а позже для удобства и быстроты перешли на овалы и круги.
ИНТЕРЕСНЫЙ ФАКТ: один из величайших композиторов Людвиг ван Бетховен с юного возраста страдал глухотой. Когда слух пропал вовсе, он не перестал писать музыку. Бетховен точно зал как звучат ноты и в своем воображении представлял их сочетание, так и рождались его легендарные произведения.
Почему Италия законодатель всех музыкальных терминов
При объяснении происхождения большинства терминов мы упоминали итальянского монаха Гвидо Аретинский. Именно он ввел в использование большинство терминов, которые применяются в музыке по сегодняшний день.
Неудивительно, что именно Италия признана родиной музыкальных терминов.
Что такое скрипичный ключ
Ключ – это символ, который ставится на определенной линии нотного стана. Центральный элемент ключа указывает расположение на нотном стане высоты ноты.
С зарождением инструментальной музыки в Европе скрипичным ключом обозначали ноты для скрипки (отсюда и название). Сам ключ – символическое изображение скрипки.
ИНТЕРЕСНЫЙ ФАКТ: скрипач Никколо Паганини очень виртуозно владел музыкальным инструментом. Казалось, что его исполнение выходит за пределы человеческих возможностей, отчего пошли слухи, что Паганини заключил договор с дьяволом.
Откуда появились символы других ключей
В современной классической пятилинейной нотации используют такие типы ключей: ключ «соль», ключ «фа» и ключ «до». Обозначающие их символы произошли от латинских букв, которыми записывали соответствующей ноты.
Ключ «соль» происходит от латинской буквы G, ключ «фа» произошел от упрощенного обозначения латинской F, а ключ «до» – от латинской C, обозначающей ноту «до».
Весь диапазон применимых в музыке звуков разбит на 9 октав. Каждая из них имеет свое название. Есть несколько способов отображения принадлежности звуков той или иной октаве. Самые распространенные – нотация Гельмгольца и научная нотация.
ИНТЕРЕСНЫЙ ФАКТ: Иоганн Себастьян Бах любил посещать церковь под видом бедного учителя. Он начинал искусно играть на церковном органе, после чего посетители церкви в испуге убегали, считая, что так прекрасно может играть лишь дьявол.
Сколько всего тональностей
В музыке принято учитывать 24 тональности. 11 и которых диезные, 11 – бемольные и 2 используют без знаков.
Когда появились первые профессиональные музыканты
Термин «музыка» зародился еще в древней Греции и походил от слова муза. Тогда же и появились первые представители данной профессии, которые зарабатывали на жизнь пением или игрой на музыкальных инструментах.
Читаю как теоретик-музыковед и умиляюсь:)
Изначально количество нот соответствовало количеству строк в гимне.
А ничего, что пифагоров строй был придуман еще времена Пифагора?
Правда ли, что названия семи нот происходят от слов со значениями «господь», «материя», «чудо», «семья», «солнце», «Млечный» и «небеса»?
Согласно популярной теории, имена нот восходят к ряду латинских понятий религиозной и космологической направленности. Мы проверили, правда ли это.
(Спойлер для ЛЛ: большей частью это неправда)
Контекст. В последние годы по соцсетям гуляет ряд однотипных карточек, авторы которых предлагают читателям узнать, от каких понятий произошли названия семи всем известных нот. А именно:
Do — Dominus — Господь
Re — rerum — материя
Mi — miraculum — чудо
Fa — familias рlanetarium — семья планет, то есть Солнечная система
Sol — Solis — Солнце
La — Lactea Via — Млечный путь
Si — siderae — небеса
Впрочем, узнать об этом можно не только из соцсетей — информация распространяется как на отдельных интернет-ресурсах (сайт Вельской детской школы искусств, православный портал «Елицы», «Пикабу» (Я одна об этом не знала? Полные названия нот.), Fishki.net), так и в печатных книгах (повесть Полины Брейтер «Октава», комментарии к сочинению монаха-доминиканца Иакова Ворагинского «Золотая легенда», самоучитель игры на фортепиано «Музыка для детей»). В последнем случае поясняется, что изобретатель нот увлекался оккультизмом и астрономией.
Часто можно прочитать о том, что знакомые нам слоговые названия нот появились в Средние века. Однако это не означает, что до этого нот или их аналогов не было вовсе. Ведь существуют древние мелодии, которые дошли до нас, и при этом наверняка часть из них передавалась из поколения в поколение не только устно, но и письменно.
И действительно, музыковеды с сайта France Musique насчитали около 1260 различных символов, использовавшихся для подобных целей в эпоху античности. Более знакомая нам буквенная нотация возникла значительно позже. Философ VI века Боэций в своих трудах по теории музыки использовал 15 букв латинского алфавита для обозначения 15 подряд идущих нот, причём не привязывал каждую к конкретной высоте звука. Циклическое использование лишь первых семи букв (A, B, C, D, E, F, G) для нот от ля до соль было введено гораздо позднее. Современные исследователи полагают, что это произошло на территории современной Франции чуть раньше 1000 года, когда аналогичная нотация обнаруживается в рукописи Dialogus de musica анонимного ломбардского монаха. Изначально эта работа ошибочно приписывалась монаху-бенедиктинцу и католическому святому Одону Клюнийскому.
Однако певчим в хорах было не очень удобно пользоваться буквами для пропевания нот вслух, а авторам произведений — для записи многоголосных сочинений. В те времена основной альтернативой буквенных обозначений нот были невмы — особые крючки и завитушки, которыми отмечалось повышение или понижение звучания. Как очевидно, они не могли адекватно передать весь музыкальный материал, поэтому вскоре к невмам начали прописывать буквы — для обозначения тональности.
Революцию в музыкальной нотации в первой половине XI века совершил ещё один итальянский монах-бенедиктинец, по совместительству теоретик и педагог Гвидо д’Ареццо (Аретинский). Он заменил множество букв и крючков линиями — сначала двумя, а затем и четырьмя. Невмы стали записываться на них или между ними. Так появилось первое подобие нотного стана. Позднее на смену невмам пришли квадратные аналоги, затем превратившиеся в овалы — знакомые нам ноты:
Однако это была не последняя заслуга Гвидо д’Ареццо перед мировой музыкой. Чтобы упростить процесс обучения пению в своём монастыре, Гвидо положил на музыку текст Ut queant laxis — гимна Иоанну Крестителю, написанного на латыни и традиционно приписываемого Павлу Диакону, лангобардскому историку, жившему в VIII веке. Вот его первая строфа:
Ut queant laxis
Resonare fibris,
Mira gestorum
Famuli tuorum,
Solve polluti
Labii reatum,
Sancte Johannes
Особенность созданной Гвидо мелодии заключалась в том, что распев каждой из первых шести строк начинался со следующей по порядку ступени одного диатонического звукоряда (до, ре, ми, фа, соль, ля соответственно). По первым буквам строк Гвидо д’Ареццо и стал обозначать ноты: Ut, Re, Mi, Fa, Sol, а точнее, ступени звукоряда.
Прошло не менее пяти веков, и на смену ноте Ut, которую было неудобно пропевать, пришла нота Do. Откуда взялось её название? Версии разнятся. Некоторые учёные считают, что Do, как и сказано в популярной версии, обозначает слово Dominus («Господь»). Другие возводят её к латинскому слову со значением «даю». Согласно третьей версии, итальянский композитор Джованни Батиста Дони около 1640 года переименовал её в честь первого слога своей фамилии. Со введением седьмой ноты, си, тоже не всё до конца ясно. Считается, что её добавил в XVI веке то ли Ансельм Фландрский, то ли Губерт Вальрант из Антверпена (около 1574 года), а Si — сокращение от Sancte Ioannes.
Как легко заметить, слова, от которых пошли названия остальных пяти нот, тоже не соответствуют популярной версии. В переводе Р. Л. Поспеловой первая строфа гимна Иоанну Крестителю выглядит так:
Чтобы открытыми устами
Смогли воспеть рабы
Твоих деяний чудеса,
Вину с порочных губ ты отпусти,
Святой наш Иоанн.
Только слово mira родственно слову miraculum («чудо»), остальные же слова, вопреки рассматриваемой теории, совсем другие. Таким образом, за исключением одного корня и одного оспариваемого слова (Dominus), эта легенда ложна.
Ещё нас можно читать в Телеграме, в Фейсбуке и в Вконтакте. Традиционно уточняю, что в сообществах отсутствуют спам, реклама и пропаганда чего-либо (за исключением здравого смысла), а в день обычно публикуем не больше двух постов.